Recomendaciones de arte, danza, teatro y conferencias que el lector no encontrará en ninguna otra parte.


Arte. Un catálogo

Las exposiciones colectivas tienen el encanto de hacernos sentir como si estuviéramos en muchos lugares al mismo tiempo, especialmente cuando el motivo que une a las obras es el gusto por compartir, sin hablar necesariamente de un mismo tema o de exponer piezas realizadas con una técnica específica. En la galería Nina Menocal se vive esta experiencia: la muestra actual, titulada Buscando lo invisible (subastaciega), se conforma de pinturas, dibujos, fotografías e instalaciones de quince artistas de distintas nacionalidades que comparten sus intereses y obras en un mismo espacio. De esta manera podemos ver los dibujos de Ángel Delgado (La Habana, 1965) quien enseñó a los presos de Cuba a comunicarse entre ellos por medio de un alfabeto inventado en la cárcel; al mismo tiempo, atravesamos la instalación de Juana Martínez (Michoacán, 1953) en la que se recrea una Cabaña del retorno como reflejo de su vida y el comienzo de su trabajo artístico; o podemos interesarnos por las fotografías de Laurie Litowitz (Nueva York, 1952) en las que se expresa la fuerza vital de la naturaleza. La exposición genera un ambiente casi lúdico, en el cual el único objetivo es contemplar la gama de posibilidades que presenta el espacio expositivo.

Hasta el 12 de noviembre.
Galería Nina Menocal.
Gobernador Rafael Rebollar 56, Col. San Miguel Chapultepec

María Olivera. Estudiante de Literatura en la Universidad del Claustro de Sor Juana.

Juana Martínez, Pensamiento, cuerpo y alma, 2016. Cortesía de la Galería Nina Menocal


Conferencia. México y la URSS

Más de diez mil kilómetros en línea recta separan a la Ciudad de México de la antigua Petrogrado —Leningrado de 1924 a 1991 y hoy San Petersburgo—, y este 7 de noviembre se cumplirán cien años desde la Revolución Bolchevique de 1917. Por suerte, las conmemoraciones y la historia sirven no solo para recordar, sino también para acortar distancias espaciales y temporales.

Así, con una suerte de rememoración desde la historia académica, se llevará a cabo el seminario abierto titulado “El socialismo en la segunda mitad del siglo XX: fragmentos de una historia global” en el Instituto de Investigaciones Históricas de la Universidad Nacional Autónoma de México. Como su título lo indica, no se trata de una discusión ni una cátedra en torno a la Revolución de 1917, sino sobre la apropiación del socialismo en distintas partes del planeta, concretamente en el llamado “Tercer Mundo” .

El programa está dividido en tres mesas. En la primera de ellas, los títulos de las ponencias apuntan a discusiones acerca de las consecuencias de la apropiación de los principios comunistas en México; desde el paso de la dictadura del proletariado al socialismo democrático, hasta la transmisión de la cultura comunista en las familias del PCM y la crítica de Carlos Pereyra al marxismo como teoría cerrada. En la segunda mesa se abordarán dos casos de movimientos armados revolucionarios en Latinoamérica muy distintos entre ellos: la guerrilla urbana en México y Sendero Luminoso en Perú. Finalmente, en la última parte del programa confluyen las discusiones sobre la izquierda poscomunista en México, los escritores chilenos militantes en México y Guatemala, y el socialismo en la India independiente. México es uno de los protagonistas en el programa al haber sido uno de los países donde distintos movimientos de izquierda de la segunda mitad del siglo XX buscaron a Moscú y no a Washington como aliado, pues la Unión Soviética proponía, como señala Odd Arne Westad, una alternativa al camino occidental (capitalista) hacia la “modernidad”.1 Así, más allá del renombre y nivel de expositores, comentaristas y moderadores, el seminario ofrece temas de sumo interés y pertinencia aquí y ahora, a cien años de una revolución que cambió el orden mundial y cuyos ideales siguen vigentes.

Martes 7 de noviembre de 2017.
De 10:30 a 18:00 horas. Entrada libre.
Salón de Actos, Instituto de Investigaciones Históricos, Ciudad Universitaria.

Cecilia Burgos. Estudió Historia en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM.


Teatro. La distancia de los erizos

El dilema del erizo es una obra del joven dramaturgo Aldo Martínez Sandoval. Cuenta la historia de Carlos quien, después de años sin visitar la casa de sus padres, reconoce el dolor y las repercusiones causadas por las decisiones que ha tomado su familia. El texto está estructurado alrededor de viñetas de personajes de distintas edades que aparecen en escena en distintas épocas, pero siempre conectados por el tema de las relaciones en pareja. Esta problemática es retratada a partir de una vinculación con el reino animal. La dirección de Gabriela Aparicio desarrolla a detalle las historias entre los personajes, revelándonos, poco a poco, la conexión que hay o habrá entre cada uno de ellos y la forma en que sus acciones repercuten en los otros.

Este montaje fue finalista del Festival Universitario 2016-17 y recae en buena medida en sus actores: Ana María Quintana, Hugo Rocha, Gonzalo Sandoval, Fernanda Benítez y Karina Carmona, quienes desarrollan la historia con los matices justos entre cada viñeta, dándoles a cada muestra del tiempo su vida distintiva. Así, desencadenan en una reflexión y posibilidad de cambio positivo para el futuro.

Todos los viernes de noviembre a las 20:30
Sala Novo del Teatro la Capilla.
Madrid 13, Col. Del Carmen

Jorge Viñas. Licenciado en Literatura Dramática y Teatro por la UNAM.


Instalación. ¿Cuántas dioptrías tiene tu ideología?

Antes de ser la casa donde Trotsky vivió poco más de un año, el edificio de Río Churubusco fue construido como un “centro de investigación óptica” en 1912 por el médico italiano Antoni Turatti, quien apoyaría a Carranza con sus conocimientos sobre lentes de telescopios para fabricar mirillas de cañones. La instalación Óptica Bronstein apela al pasado de la casa que alberga al Museo Trotsky y se vale del apellido original del revolucionario ruso. Corresponde a una colaboración original entre el artista mexicano Pablo Helguera (1971) y el artista ruso Yevgeniy Fiks (1972).

La óptica y los exámenes de la vista de esta exposición están enmarcados dentro de un ejercicio en el que Helguera y el Museo Jumex trabajan para un proyecto parecido a una novela de folletín: Dramatis Personae, del Museo Jumex, tendrá varias entregas. La primera fue en abril y se llamó Instituto de la Telenovela. La instalación en la casa de Trotsky es la segunda, que más que un análisis de la vista, es una óptica escenificada que da elementos al espectador para evaluar su visión política e ideológica y que apela a la disposición para participar en una serie de juegos que buscan desmantelar la mirada. Los estudios expuestos reflexionan sobre cómo se construye la historia y cómo se establecen una serie de valores aparentemente compartidos.

Hasta el 12 de noviembre
Museo Casa de León Trotsky
Av. Rio Churubusco 410, Col. Del Carmen.

Paulina Morales. Maestra en Museología por la Universidad de Leicester.

Foto tomada de: Óptica Bronstein en Facebook.


1 Odd Arne Westad, “Secrets of the Second World: The Russian Archives and the Reinterpretarion of Cold War History”, en Diplomatic History, vol. 21, no. 2, primavera de 1997,p. 269.

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La supuesta felicidad

Una obra que cuestiona nuestras perspectivas de la vida: Happy es un texto del dramaturgo contemporáneo inglés Robert Caisley. La historia sucede en el departamento de Eduardo, un artista plástico que ha organizado una reunión con su mejor amigo Alfredo y su esposa Melinda. A esta reunión de viejos amigos se suma Eva, la nueva pareja de Eduardo, que hará que una noche común se vuelva una velada incómoda, que se saldrá de control, a partir de una serie de cuestionamientos acerca de cómo reaccionamos a las provocaciones que nos pone la vida. La puesta en escena es divertida, entretenida, intensa y, aunque, deja un sabor agridulce por los temas que propone, resulta un deleite para el público. La dirección de Angélica Rogel y las actuaciones de Pablo Perroni, Yuriria Del Valle, Pablo Bracho y (alterando funciones) Ana González Bello y María Penella,  construye un ambiente que nos obligará a ser honestos, enfrentarnos a nosotros mismos y tomar postura frente la vida. 

Todos los lunes a las 20:30hrs.
Teatro Milán.
Lucerna 64, esquina Milán. Col. Juárez.

Jorge Viñas
Licenciado en Literatura Dramática y Teatro por la UNAM.


Morfología del habitar

Al explorar la tensión que existe entre el interior y el exterior en el espacio, Peter Zumthor explica en su libro Atmósferas, que con la arquitectura arrancamos un trozo de globo terráqueo para construir una pequeña caja; y no hay caja más simbólicamente cargada que una casa. Es difícil pensar en un lugar que resuene más con la intimidad y el imaginario profundo de cada persona. Un lugar se vuelve tuyo cuando lo concibes como hogar. Las esculturas expuestas en la exposición 3 casas extraordinarias apelan a una idea muy emblemática de lo que es una casa, pero trastocan con la forma las funciones que pensamos que estas deberían tener.

El extrañamiento se convierte aquí en un motivo recurrente y fundamental. La primera cruza pasillos y te expone al aire. En la que sigue, está lloviendo adentro. La tercera recuerda a alguna obra literaria con unas escaleras que, al hacerse más estrechas, alteran la percepción corporal de quien las visita. Entrar y habitarlas unos instantes implica pensar y sentir qué hace que un espacio sea realmente una casa. Al estar montadas dentro de la espaciosa galería del Chopo, también se genera una interacción interesante entre un espacio interior dentro de otro. Las tres construcciones de madera se complementan con una escultura inspirada en la idea del útero. El artista que realizó las piezas es Kiyoto Ota, quien nació en 1948 en Sasebo, Nagasaki, y que vive en México desde 1972.

Casa de Alicia, 2017. Foto tomada de: Museo Universitario del Chopo

Hasta el 3 de diciembre
Museo Universitario del Chopo
Doctor Enrique González Martínez 10, Col. Santa María la Ribera

Paulina Morales
Maestra en Museología por la Universidad de Leicester.


Títeres, entre otros

Francisco Sosa podrá ser una de las calles más conocidas y fotografiadas del centro de Coyoacán, pero el camino que desemboca en los arcos del Jardín Centenario guarda uno que otro lugar poco explorados. Francisco 298 —que próximamente cambiará su nombre a “Lola Cueto”— invita a tocar su puerta y adentrarse en un ambiente de media luz, en donde cada detalle está hecho de forma artesanal, desde el café hasta las mesas.

La vida de Pablo Cueto siempre ha estado ligada al escenario. Fundó este lugar hace diez años, después de regresar de una gira en Venezuela como titiritero, guiado por la sugerencia de otro artista de las marionetas. Por supuesto, echar a andar un foro independiente no ha sido nada fácil y su construcción ha ido paso a paso. Por ahora, lo que más atrae a los visitantes es “La música de cada jueves”, que ofrece una programación semanal inusual por su diversidad, a cargo de Manuel Mejía: desde sones guerrerenses hasta música klezmer, pasando por el jazz, la música clásica, barroca, persa y un etcétera bastante largo.

Si bien gran parte de los intérpretes son mexicanos, a menudo hay visitantes de otras partes del mundo. Por ahora, la programación confirmada incluyó el concierto de Ethos Folk y sugiere, para el domingo 29 a las 20hrs, un espectáculo catalán llamado “Cabaret Titellaire” que representará una historia de fantasía titulada "Barnábas el cuenta caminos". Más adelante, el 11 y 12 de noviembre, se presentarán funciones en el marco del Festival de Música Antigua y, a final de año, “El mil usos” de Ricardo Garibay en teatro guiñol. Además, muy pronto los miércoles se llenarán de danza, los viernes de títeres y los sábados de teatro de forma permanente. Todo lo que sucede arriba y abajo del escenario de esta antigua casa del barrio de Santa Catarina —las risas, la música, la plática, los títeres, el café, las actuaciones y los imprevistos— tiene una esencia libre en términos artísticos, que invita al público de todas las edades.

Francisco Sosa 298.
Francisco Sosa 298, Col. Santa Catarina.

Cecilia Burgos
Estudió Historia en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM.


Malevolance, diferentes formas de salvarse a sí mismo

El desplazamiento forzado a causa de la violencia es un fenómeno global que en México y en Colombia se hace cada vez más presente. Mujeres provenientes de estos países rinden homenaje a sus congéneres a través de la memoria, la danza y el canto como formas de resistencia similares a las de sus huellas, que han querido ser borrardas junto con sus cuerpos. Udâna Plataforma de creación escénica presenta Malevolence, una pieza de danza-teatro que integra los saberes del cuerpo desde la voz y el movimiento y que es producto de una ardua investigación interdisciplinaria con músicos, sociólogos, historiadores, artistas plásticos, bailarines y politólogos.

Malevolence se apoya en el documental Cantadoras, memorias de vida y muerte en Colombia —uno de los ganadores de la edición de 2017 del MIC Género— de la directora María Carrillo, en el cual diversas mujeres que han sido desplazadas de su país natal narran la cotidianidad del conflicto en Colombia y lo hacen cantando como “una forma de salvarse a sí mismas”. Danza, música en vivo, la recuperación de estos cantos, así como intervenciones del documental, construyen esta interesante pieza que pretende romper con la normalidad de la violencia contra los inmigrantes, violencia que se refleja especialmente en los feminicidios, y que existe en la memoria como archivo patriarcal.

Sábados de octubre y noviembre.
19:00 Hrs.  Foro la Gruta, Centro Cultural  Helénico.
Av. Revolución 1500, Col. Guadalupe Inn.

Berenice Quirarte
Cursa la maestría en Estudios del Arte en la Universidad Iberoamericana y es miembro de Giroscopio: Danza + Filosofía.

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En este intercambio epistolar, José Juan Tablada defiende ante su amigo Ramón López Velarde la importancia que tiene para él la revolución gráfica de la poesía de principios del siglo XX: una innovación iniciada por Mallarmé en los linderos del XIX y proseguida por los caligramas de Apollinaire. Bajo la irradiación milenaria de la poesía oriental, las vanguardias tomarán un camino experimental de largo aliento: abrirse al abanico de nuevas posibilidades expresivas que ofrecen los signos negros sobre la página. Las palabras escritas dicen y, a su vez, desde ahora y para siempre, dibujan y delinean, en sus trazos, el mundo. Ante estas innovaciones encabezadas por Tablada en la región hispanoamericana, López Velarde no esconde sus reticencias. El siguiente es el diálogo entre dos poetas que marcaron con fuego la poesía en nuestra lengua. Ambos confirman lo que atrevió Gabriel Zaid en otro tiempo: que la cultura es, antes que nada, una conversación.


México, 18 de junio de 1919

Señor Don José Juan Tablada,
en Caracas,

Muy querido amigo: calculo que llegaría a sus manos la que le dirigí a Bogotá. Hoy me refiero a su muy grata e interesante de abril.

Rafael López, que la considera, como yo, un verdadero documento, quiere que la publiquemos. ¿Da usted su autorización? Yo creo que omitiendo lo relativo a los periodistas, podrá y debería ver la luz. ¿Qué me dice?

Por otra parte, la propaganda que ha hecho usted allá de nuestras cosas es conocida y apreciada aquí más de lo que usted mismo se figura. Todos hemos recibido los periódicos que usted afectuosamente nos envía.

Llegando al punto de su poesía ideográfica, quiero hablarle con absoluta sinceridad, como si me confesara, declarándole, desde luego, que sabré cumplir, espontáneo y gustoso, su encargo, que tanto me honra, de “preservar su obra de odiosas contaminaciones”.

Mi actitud, en suma, es de espera. Hasta hoy, lo ideográfico me interesa, más que por sí mismo, por usted que lo cultiva. Desde que conocí lo de Apollinaire, se me quedó la impresión de algo convencional, y esa impresión persistió después de reproducirse aquí los poemas de usted en La Habana: Los ojos de la máscara me iluminarán, seguramente, ayudándome a concluir mi criterio. Hoy por hoy, dudo con duda grave de que la poesía ideográfica se halle investida de las condiciones serias del arte fundamental. La he visto como una humorada, capaz, es claro, de rendir excelentes frutos si la ejercita un hombre de la jerarquía estética de usted. De cualquier modo, le repito que sabré estar a su lado, con mi convicción de que la prosapia de su musa es una garantía permanente de respetabilidad, aun en los procedimientos más desusados de la belleza. No se resfríe por mis confesiones; al cabo, yo antepongo la personalidad de usted a los sistemas exteriores, y me dispongo, además, a entender mejor todo lo que deba esclarecerse en mi conciencia. ¿Cuándo aparecerán Los ojos de la máscara? Dígame también, si no es indiscreto rogárselo, un poco de su vida personal. ¿Está contento?

          Ya sabe que lo quiero y lo admiro.

Ramón López Velarde


México, 13 de noviembre de 1919

Mi querido amigo:

¿Vio usted en Social de La Habana unos poemas míos que llamo “ideográficos”, dos madrigales y una “Impresión de la Habana”? Pues bien, ellos son los avant coureurs de toda una obra, más de treinta poemas que integrarán mi próximo volumen: Los ojos de la máscara. Hace muchos años leí en la Antología griega de Planudes, que un poeta heleno había escrito un poema en forma de “ala” y otro en forma de “altar”; supe por mis estudios chinos que en el templo de Confucio se canta cierto himno cuyos caracteres escriben, con el movimiento de su danza, los coreógrafos sobre el pavimento. Por fin vi aquello de Jules Renard: “les fourmis, elles sont: 3333333333”:… con lo que sugiere tan admirablemente la inquieta fila de hormigas. En New York hace 5 años hice los “Madrigales ideográficos”. Luego vi algunos intentos semejantes de pintores cubistas y algún poeta modernista. Pero no eran más que un balbucir. Mis poemas actuales son franco lenguaje; algunos no son simplemente gráficos sino arquitectónicos: “La calle en que vivo” es una calle con casas, iglesias, crímenes y almas en pena. Como la “Impresión de la Habana”, es ya todo un paisaje. Y todo es sintético, discontinuo y por tanto dinámico; lo explicativo y retórico están eliminados para siempre; es una sucesión de estados sustantivos; creo que es poesía pura…

Lo que me dice de la ideografía me interesa y me preocupa. Le parece a usted convencional… ¿más convencional que seguir expresándose en odas pindáricas, y en sonetos, como Petrarca?… La ideografía tiene, a mi modo de ver, la fuerza de una expresión “simultáneamente lírica y gráfica”, a reserva de conservar el secular carácter ideofónico. Además, la parte gráfica sustituye ventajosamente la discursiva o la explicativa de la antigua poesía, dejando los temas literarios en calidad de “poesía pura”, como lo quería Mallarmé. Mi preocupación actual es la síntesis, en primer lugar porque sólo sintetizando creo poder expresar la vida moderna en su dinamismo y en su multiplicidad; en segundo, porque para subir más, en llegando a ciertas regiones, hay que arrojar lastre… Toda la antigua mise en scène, mi vieja guardarropía, ardió en la hoguera de Thais convertida…

Cinco años permanecí absolutamente desinteresado de los viejos modos de expresión, buscando otros más idóneos para mis nuevos propósitos. ¡Un lustro! La entomología moderna ha descubierto que la cigarra permanece diecisiete años en un limbo subterráneo antes de surgir y cantar su himno al sol, que estremece el éter primaveral y perdura en las noches del trópico…

Si usted, mi querido amigo, no fuera tan grande poeta, si en su obra no manifestara un ejemplo tan encantador de liberación personal, tomaría a mal esa frase suya: “Dudo que la poesía ideográfica se halle investida de las condiciones serias del arte fundamental”. Estas condiciones y ese arte, ¿no serán, en último análisis, el respeto a la tradición que nos abruma, nos iguala, impidiendo con la tiranía de sus cánones, la diferenciación artística de las personalidades?…

Más bien creo, y me lo confirma su actitud expectante [sic], en que aún no tiene usted documentación abundante para hacer un juicio definitivo. Además, mi poesía ideográfica, aunque semejante en su principio a la de Apollinaire, es hoy totalmente distinta; en mi obra el carácter ideográfico es circunstancial, los caracteres generales son más bien la síntesis sugestiva de los temas líricos puros y discontinuos, y una relación más enérgica de acciones y reacciones entre el poeta y las causas de emoción… Mis libros Un día y Li-Po le explicarían mis propósitos mejor que esta exégesis prematura…

José Juan Tablada


José Juan Tablada
(fragmento del ensayo homónimo de Ramón López Velarde1)

Ciertamente la poesía es un ropaje; pero, ante todo, es una sustancia. Ora celestes éteres becquerianos, ora tabacos de pecado. La quiebra del Parnaso consistió en pretender suplantar a las esencias desiguales de la vida del hombre con una vestidura fementida. Para los actos trascendentales —sueño, baño o amor—, nos desnudamos. Conviene que el verso se muestre contingente, en paragón exacto de todas las curvas, de todas las fechas; olímpico y piafante a las diez, desgarbado a las once; siempre humano. Tal parece ser la pauta de la última estética libre de los absolutismos de la perfección exterior.

Dentro de semejante inspiración, Tablada experimenta nuevas rutas. Extravagancia, declaran algunos. Es posible. Por lo que a mi toca, me sostengo curioso, oliendo la pólvora sin humo del portalira y haciendo votos porque el tema de la excentricidad no ciegue a los visitantes del laboratorio ni los encolerice. Nada más amargo que tratar a empellones los asuntos del espíritu.

En prosa y en verso ha tenido el estilo espadachín, sin el cual el literato moderno se expone a ser arrollado por las turbas. En verso y en prosa, su numen significa el agua de contra-coléra para los atacados de vulgaridad atmosférica.

Las substancias de su química pueden perder o salvar a los lectores, según la disposición de alma con que se acerquen. El practicante estulto o bajo perecerá en la belleza explosiva de un hipnotismo de lo cromático, al convencerse de Carolina Otera o de la Pestet, en Florencia.

En nuestra lírica, sus frascos son, acaso, los verdaderos endiablados, y el cerebro que ha suprimido las calaveras en las etiquetas está, de seguro, amasado en rojo, merced a una plétora de claveles.

Loor a la musa de la falda guinda.

Ramón López Velarde


Estos textos pertenecen a la nueva edición en torno a Apollinaire que junta con inteligencia ensayos, nuevas y viejas traducciones, y cartas, titulada Apollinaire en México (El tucán de Virginia, 2017, edición y nota de Víctor Manuel Mendiola, traducciones de Marco Antonio Campos y Octavio Paz; ensayos de José María González de Mendoza, Agustí Bartra, Ulalume González de León, José María Espinasa y Jean-Clarence Lambert).

Cortesía de: ediciones El tucán de Virginia.


1 Ramón López Velarde, Obras, ed. de José Luis Martínez, FCE, México, 1971.

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Recomendaciones de arte, danza y teatro que el lector no encontrará en ninguna otra parte.


¿Brasil o México?

Después del furor causado por la muestra de Andy Warhol, con la exposición Jonathas de Andrade: Visões do Nordeste (Visiones del Nordeste) el Museo Jumex cambia de aires. La exhibición —la primera individual en México de este artista brasileño— está compuesta por tres piezas: una serie fotográfica y dos videos. Jonathas de Andrade (Maceió, 1982) trabaja con instalaciones, fotografía y video, y los últimos diez años los ha dedicado a reflexionar sobre la identidad brasileña, los problemas sociales que enfrenta e, indirectamente, sobre los efectos del movimiento modernista en el arte. Estas tres obras en particular se concentran en la región del noroeste de Brasil, fuerte en la industria azucarera.

Aunque la obra está muy localizada, la manera en la que explora el racismo, el clasismo y las condiciones de trabajo, produce fuertes ecos con la realidad mexicana. La crítica que plantea es profunda, pero está construida con una sutilidad extraordinaria. Las fotografías retoman ideas de Paulo Freire en torno a la alfabetización y la educación adulta. Uno de los filmes plantea un profundo choque de clases a partir de las rutinas cotidianas de dos personajes nodales en una casa. El segundo cuestiona la mirada del documental etnográfico. La obra de Andrade seduce  y perturba al espectador a partes iguales.

Hasta el 12 de noviembre
Museo Jumex
Miguel de Cervantes Saavedra 303, Col. Granada 

Paulina Morales
Maestra en Museología por la Universidad de Leicester.


Foto proveniente de: http://bit.ly/2yBh7iy


Hermanos, peleas y sueños

Bare-Knuckle es la historia de dos hermanos que han crecido en un barrio de la Ciudad de México. Uno de ellos encuentra su vocación en el box y, con la ayuda de su hermano, busca llegar a las grandes ligas, ganar mucho dinero, tener su propia casa y una vida privilegiada. Una mala decisión complica sus planes y ambos se ven envueltos en un mundo de corrupción, abusos de poder y amenazas. Esta es una obra sencilla y entretenida, contada en un espacio delimitado que hace pensar en un ring de pelea. Juntos, los dos hermanos interpretan a todos los demás personajes incidentales y, con la ayuda de costales de box, crean diferentes espacios y situaciones dramáticas.

La obra es creación del actor Israel Sosa, a cargo de la compañía Caracoles Teatro. La puesta fue seleccionada para la Muestra Estatal de Puebla, así como para la 38a Muestra Nacional de Teatro, que está por llevarse a cabo en León, Guanajuato. La puesta en escena se presenta en Un Teatro, recinto que estuvo inactivo por casi tres semanas después del temblor, y que ahora reanuda todas sus actividades, incluyendo los “Martes de Dramaturgia Mexicana”, que promueven a los nuevos dramaturgos del país. Vale la pena asomarse.

Hasta el 31 de octubre a las 20:30.
Un Teatro
Av. Nuevo León 46, frente al Parque España, Col. Condesa.

Jorge Viñas
Egresado del Colegio de Literatura Dramática y Teatro de la UNAM.


El movimiento como origen

Como el inicio de un proceso de conceptualización sobre la relación que existe entre la ciudad, la escultura y la arquitectura, La inexplicable roca se configura no solo como una exposición, sino como la síntesis del proceso creativo de Alberto Odériz (Pamplona, 1983). Descrito como un movimiento en constante construcción, la exposición se plantea en actos: primero la deriva; después el trabajo en el taller, la transformación, el encuentro con la ciudad; y finalmente el resultado de la reconfiguración, mismo que se mostrará en la clausura de la muestra en Sismo galería.

La obra del español se compone de formas volumétricas que son la consecuencia de una investigación en la que una línea sin cuerpo, un trazo fundacional, un apunte de libreta, un croquis o un collage, sintetizan la manera de Odériz —arquitecto de profesión— de traducir al mundo y hablarnos de un hallazgo. Los objetos encontrados no están determinados por su significado sino que tienen la posibilidad de ser cualquier cosa y transformar el espacio en el que se presentan. En este sentido, la exposición muestra una serie de esculturas para las que el movimiento y la gravedad ocupan un lugar visible. Al verla, no podemos dejar de pensar también en el origen material del hombre, en tanto cada elemento y cada ley influyen en nosotros: somos el resultado de un trazo y de la manera en la que nos relacionamos con las ciudades. Tal como el artista lo plantea en su exposición, esta es una ocasión para visibilizarnos como “proceso”.

A partir del 21 de octubre.
Sismo galería.
Celaya #4 PB, Hipódromo Condesa.

María Olivera
Estudiante de Literatura en la Universidad del Claustro de Sor Juana.


Sobre las cenizas: danza israelí

La danza en Israel se remonta a los llamados “tiempos bíblicos”, pero el fenómeno dancístico de estas latitudes ha cobrado mucha fuerza recientemente con grupos como Batsheva o Danza Contemporánea Kibbutz. Esta última fue fundada en 1973 por Yehudit Arnon (1926-2013), sobreviviente de Auschwitz, y es dirigida actualmente por Rami Be’er, bailarín y coreógrafo con un interesante historia que incluye haber formado parte de la milicia israelí.

Esta compañía ha traído la obra Horses in the sky, en alusión al álbum de la banda canadiense Thee Silver Mt. Zion al recinto cultural de Ciudad Universitaria. Los 16 bailarines que la componen construyen un espacio caótico que busca deliberadamente denunciar la violencia, y lo hacen a través de una mezcla corpo-sonora compuesta por 19 canciones de diversos artistas como Primus, Elvis Presley, Björk, The Knife y Thee Silver Mt. Zion, entre otros… ¿Qué fenómenos se suscitarán a partir del caos aparente de los “caballos en el cielo”?

Domingo 22 de octubre
Sala Miguel Covarrubias, Centro Cultural Universitario

Berenice Quirarte
Cursa la maestría en Estudios del Arte en la Universidad Iberoamericana y es miembro de Giroscopio: Danza + Filosofía.

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Recomendaciones de arte, danza y teatro que el lector no encontrará en ninguna otra parte.

Mirada extranjera

Hoy día son contadas las ocasiones en las que nos enfrentamos a un viaje sin antes conocer cientos de representaciones del destino en cuestión. Sin embargo, al mismo tiempo viajamos para buscar una experiencia auténtica y diferente. Cuando se hace registro de un viaje a un lugar que identificamos como nuestro, no nos queda más que volverlo a mirar y evaluar qué tan certeras son las representaciones planteadas. Las acuarelas y los dibujos que el ilustrador francés Nicolas de Crécy hizo durante un viaje a México ofrecen esta oportunidad. En 2014, De Crécy, novelista gráfico, fue invitado a tomar su moto y visitar México para elaborar un Travel Book para Louis Vuitton. Una selección de las ilustraciones del libro resultante están expuestas en el MAM, en la exposición titulada Bitácora mexicana.

Los colores vivos, la minucia de los detalles y el estilo de los contornos transportan al visitante a un libro ilustrado. La visión de la Ciudad de México y de otros sitios como Teotihuacán, Oaxaca y Cuetzalan destaca la belleza de estos lugares; son testimonios de una persona casi embelesada por lo que encontró. Las azoteas, los puestos de periódico, la piñata enorme sobre un coche, señalan que el fotógrafo trató de rastrear lo distintivo en cada parada. Son representaciones luminosas y amables que nos recuerdan por qué, a pesar de todo, vivimos aquí con gusto. En muchos sentidos, las fotografías son reconfortantes, aunque durante la visita vale la pena cuestionar el espacio elegido para exhibirlas e incluso incomodarse por la distancia que inevitablemente existe entre la mirada del viajero francés y la propia.

Hasta el 29 de octubre.
Museo de Arte Moderno.
Paseo de la Reforma y Gandhi s/n.

Imagen tomada del http://www.museoartemoderno.com/

Paulina Morales
Maestra en museología por la Universidad de Leicester.


Entre obsesiones y sutilezas

Cuando la posmodernidad llamó a nuestra puerta tuvimos que cuestionarnos la manera en la que entendíamos la realidad y los objetos que la habitaban, pues de pronto estábamos expuestos a una constante reinterpretación del mundo. Desde ese momento ejercimos nuestro derecho a cuestionar lo que estaba (y está) sucediendo en la actualidad contemporánea. La artista Circe Irasema (Ciudad de México, 1987) se ha propuesto hacer esto mediante una reflexión crítica sobre la práctica del arte, específicamente del dibujo, como un vehículo para enfrentarse a la realidad.

 Anotaciones simples de fenómenos de síntesis de una visión binocular es una exposición con obra hecha in situ en donde la sutileza de las intervenciones agudiza nuestra percepción, como sucede con el lápiz bicolor que no se sabe si ha intercambiado puntas o simplemente responde a otra lógica completamente. De igual manera, una silla de color azul cuyas patas tienen un corte en diagonal y que, aun contra un pensamiento funcional, se planta en la entrada de la galería. Cada pieza tiene una constante: la repetición de líneas que a su vez fungen como cuadrículas. Todas las obras —retículas de libretas que sobresalen de los muros, mesas de trabajo intervenidas, hojas milimétricas dibujadas sobre la pared, por citar algunos ejemplos— proponen un juego visual que va en contra de la norma y que nos dice: aquí, ahora, hay una obsesión.

Hasta el 21 de octubre, 2017.
Galería Progreso.
Av. Progreso 33, Col. Escandón.

María Olivera
Estudiante de Literatura en la Universidad del Claustro de Sor Juana.


Contra el espectáCULO

En los últimos años, el cuerpo, estructura estructurante, ha sido colocado en el centro del debate filosófico, cultural, político, histórico, y en toda disciplina discursiva que lo haya asumido como problema mismo. Sin embargo, entenderalcuerpo desde sí mismo es una tarea más reciente. Las artes escénicas han asumido esta tarea apoyándose de herramientas teórico-metodológicas que permiten problematizar el cuerpo como una episteme.

El seminario Cultura Visual y Género: prácticas colectivas II. Cuerpos imágenes y resistencias del MUAC invita a todo tipo de público a la conferencia impartida por la artista interdisciplinaria de origen brasileño Jenny Granado, quien pone en discusión ciertos supuestos dados —y prejuiciados— en torno a la teoría feminista, los movimientos queer /cuir , los cuerpos de la violencia y las artes del cuerpo.

Entrada libre.
13 de octubre a las 11:00 horas.
Sala de conferencias MUAC.
Insurgentes Sur 3000, Centro Cultural Universitario.

Berenice Quirarte
Cursa la maestría en Estudios del Arte en la Universidad Iberoamericana. Es miembro de Giroscopio: Danza + Filosofía.


El arte del teatro

Esta es una obra de teatro que habla del arte y su papel en la sociedad. En los últimos años, el director Boris Schoemann ha desarrollado una colaboración constante y admirable con el dramaturgo de Quebec Michel Marc Bouchard, que ha resultado en puestas como Las Musas huerfanas, Tom en la granja y aquella que le da el nombre a la compañía que ha hecho posible estos montajes: Los Endebles.

En esta ocasión, la compañía nos presenta La Divina Ilusión, una obra que retrata el Quebec de 1905 en donde tiene lugar el encuentro entre un joven interesado en la magia del teatro y la actriz mítica Sarah Bernhardt. En el ambiente en el que viven, el clero tiene un poder excesivo sobre la sociedad y las condiciones de trabajo en las fábricas son inaceptables. La historia pone sobre la mesa el siguiente cuestionamiento: en una sociedad decadente llena de explotación y censura, ¿qué papel juegan el teatro y el arte? La obra es divertida, ingeniosa, conmovedora y está llena de matices escénicos que mantienen al espectador en filo de su asiento. Cada detalle y cada punto a tratar en esta puesta se vuelven importantes gracias al virtuosismo de los actores. La brillante dirección y traducción de Schoemann quiere responder a esta pregunta con la ayuda de un elenco de once actores y un sinfín de colaboradores que nos dan, a cada instante, razones para seguir llenando las salas de teatro.

Todos los lunes y martes a las 20:00 hasta el 21 de noviembre.
Teatro La Capilla.
Madrid No. 13, Col. Del Carmen.

Jorge Viñas
Egresado del Colegio de Literatura Dramática y Teatro de la UNAM.

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El ruiseñor es el ave por excelencia que representa al poeta y a la poesía en Inglaterra. Su nombre en inglés, además, contiene la noche que debe iluminar (“nightingale”). Ilustre cantor en una tradición que va desde Chaucer, Shakespeare y el romanticismo hasta T. S. Eliot, sus trinos abarcan el mundo y lo inundan de sentido. Con ánimos más lúdicos y recreativos que pedagógicos, el traductor José María Álvarez ha reunido en Ruiseñores de Inglaterra (Sexto Piso, esta semana en librerías) una exquisita colección de versos y poemas en los que aparece este “dulcísimo heraldo de la Primavera”, en palabras de Safo. Presentamos algunos de esos luminosos y fugaces extractos (los títulos en negritas son agregado nuestro).


Un anónimo del siglo XVI

 

El ruiseñor

Ser el delicado ruiseñor
Entre las verdes hojas,
Y así junto a ella estar toda la noche.
Oh dama cuyo nombre ignoráis.

El ruiseñor que posado
En el hiriente espino
Consuelo al sueño de mi alma
Esa dama cuyo nombre ignoráis.

Qué dulce fue mirarla,
Envuelta en su ropaje verde.
Pero su corazón no latía por mí.
Oh dama cuyo nombre ignoráis.

Con triste lamento la llamé: “¡Señora
Mira a quien leal siempre fue,
A quien no amó sino a una dama
… Cuyo nombre ignoráis”.

Anónimo (sobre 1500)


Uno de Shakespeare

Cuando todo desterraba la pena,
Sólo el ruiseñor la entonó:
Pobre ave solitaria,
Apoyando su pecho contra el espino;
Apiadados escuchamos
La ofrenda de su canción triste.

William Shakespeare (1564-1616)
de The Passionate Pilgrim, v. 379-384


El velador

Todo en la noche duerme, menos el ruiseñor;
Que vela regalándonos sus amorosos trinos

John Milton (1608-1674)
de Paradise Lost, libro IV


Musical y melancólico

El ruiseñor

[…]
¡Oh escucha! Comienza el canto del Ruiseñor,
¡El “más musical y melancólico” de los pájaros!
¿Melancólico? ¡Oh vano pensamiento!
No hay melancolía en la Naturaleza.
[…]
Éste es el feliz Ruiseñor
Que gorjea, y se alegra, y precipita
Con indeleble trino sus deliciosas notas,
Asustado como si la noche de abril
Fuera demasiado breve para que él levante
Su canto de amor y libre a su alma plena
De todas esas músicas.
[…]
Nunca contemplé lugar tan lleno
De ruiseñores; dondequiera,
En árboles y setos, por todo el bosque
Con su canto se llaman y contestan,
Caprichosos rivalizan con sus trinos,
Musicales murmullos, reclamos ligerísimos,
Su silbo de la más alta dulzura.
¡Tanto llenan el aire de armonía
Que aun cerrando los ojos sólo en la luz
Te gozarías! Sobre los arbustos que la luna platea
De leves hojas cubiertas de relentes,
Mirarlos sobre las finas ramas,
Sus brillantes ojos, brillantes de plenitud
Centelleando.
[…]

Samuel Taylor Coleridge (1772-1843)


Nunca en vano

La voz del ruiseñor
Nunca es en vano. Afirma
Lo divino, inefable, verdadero.

John Keats (1795-1821)
de “Ode: Bards of Passion and of Mirth”


La obscuridad deseada

Desde lo más profundo de la arboleda, un ruiseñor
Sacia con su melodía la obscuridad deseada.

Percy Bysshe Shelley (1792-1822)
de “Woodman and the Nightingale”


Tiempos aciagos

A una tierra tan abatida, demasiado tarde, ay,
Y en qué aciagos tiempos, tus pasos retornan,
Y ansías escuchar los ruiseñores del mediodía, y aguardar
En la playa el regreso de Argos.

Robert Louis Stevenson (1850-1894)
de “Et Tu In Arcadia Vixisti”, v. 45-48


Los vientos de la muerte

El ruiseñor,
Polvo en el bosque enterrado, vuela con las alas más ligeras
Y narra a los vientos de la muerte su cuento de invierno.

Dylan Thomas (1914-1953)
de “A Winter’s Tale”

 

Selección y nota: Álvaro Ruiz Rodilla

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Recomendaciones de arte, danza y teatro que el lector no encontrará en otra parte.


Teatro después del temblor

La última semana, una gran parte de los teatros de la Ciudad de México se han convertido en Centros de Acopio, entre ellos El Vicio, el Foro Shakespeare, La Teatrería y Carretera 45. Ahora, para retomar las actividades culturales en la ciudad, algunos foros ofrecen distintas propuestas para seguir ayudando.

• Para este fin de semana, La Sala B de La Teatrería tiene como plan que la gente que está en albergues vaya gratis al teatro. Grupos de 20-25 personas por función. Horarios regulares y matiné. Tabasco #152, Col. Roma.
• Dentro de las actividades de La Capilla, este viernes 29 a las 20:00 se estrena la obra Adiós marineros, adiós monstruos del mar. Junto con otras obras del recinto, donará su taquilla a los damnificados, así que pueden pagar un boleto completo o traer víveres que equivalgan a $100 y $200. Madrid 13, Col. Del Carmen
• La producción de la obra Zaratustra de Alejandro Jodorowsky que se presenta en el Teatro Coyoacán donará lo recaudado en la función del domingo 1 de octubre a las 18:00. Eleuterio Méndez 11 esq. Héroes del 47, Col. San Mateo.
El Milagro donará el dinero de la taquilla de las funciones del  28 y 29 de septiembre de El mercader de Venecia a la Cruz Roja Mexicana. Milán 24, Col. Juárez.

Jorge Viñas.
del Colegio de Literatura Dramática y Teatro.


JAM con causa

El colectivo EPIICO (experimentación-práctica-investigación en improvisación de contacto)invita a su práctica de Jam con el objetivo de que todos los que formaron parte de las las brigadas sientan el apoyo, escucha y presencia tanto de sí mismos y su cuerpo, como de los demás asistentes.

Foto: Jam Nait Seshons . Danza Contacto-Improvisación con música en vivo.

El evento es completamente gratuito; sin embargo, EPIICO recibirá cooperaciones voluntarias que se le harán llegará a los afectados de Juchitán y a las comunidades del cerro Guevea en Guienagati, Ixcuintepec.

Domingo 1 de octubre 10:30 a 13:00 hrs.
Prado de Fresnos y Olmos de los Viveros de Coyoacán
Av. Progreso 1, Col.  Del Carmen.

Berenice Quirarte.
Cursa la maestría en Estudios del Arte en la Universidad Iberoamericana; es miembro de Giroscopio: Danza + Filosofía


Sol LeWitt: instrucciones deliberadas

Cuando la galería OMR anunció su cambio de sede en 2015–2016, se planteó un escenario innovador que conjuntara la tradición de los Ortíz Monasterio Riestra y las necesidades espaciales y discursivas de los artistas de la galería. Esta fue una de las razones por las cuales decidieron buscar un espacio en el que pudieran replantear la manera en la que estaban pensando la cultura y su reinterpretación desde la visión de los artistas y la figura de la galería.

Antes de que la actual exposición se presentara al público, las redes sociales de la OMR comenzaron a introducirnos en el mundo de Sol LeWitt (Connecticut, 1928 – Nueva York, 2007) en donde las ideas, como él creía, podían ser obras de arte, pues eventualmente encontrarían forma.

Sol LeWitt, Wall Drawing #509, 1986. Cortesía de la Galería OMR.

Compuesta por cuatro grandes dibujos, “Instructions for a Pyramid” (Instrucciones para una pirámide) explora las cualidades de la geometría y los colores, al tiempo que construye un escenario. Se trata de una exhibición en la que dibujantes de Nueva York y estudiantes de diseño de México siguieron, casi deliberadamente, las instrucciones que escribió LeWitt para la creación de las pirámides. Idea y línea, unidades básicas del arte, se complejizan al recrear polígonos irregulares que juegan con la perspectiva del visitante. Es una sorpresa entrar a la nave de la galería y ser parte de los colores que entintan las paredes, pues en ellas se hace evidente el trazo de quienes recrearon la obra de LeWitt: hay sombras, irregularidades y marcas que hacen de la exposición un lugar vivo, que vibra y explota.

Hasta el 21 de octubre, 2017.
Galería OMR.
Colima 100, Roma Norte.

María Olivera. Estudiante de Literatura en la Universidad del Claustro de Sor Juana.


Enemigo del pueblo

¿Qué crimen hay que cometer para ser declarado Un enemigo del pueblo? La nueva puesta en escena de la Compañía Nacional de Teatro dirigida por David Gaitán, quien además es dramaturgo y actor, retoma las principales problemáticas de esta obra escrita por Henrik Ibsen en 1883.

El argumento general se mantiene: el doctor Stockmann descubre un problema de contaminación en el agua del balneario de la ciudad, principal atracción  y fuente de ingresos de la localidad, y decide comunicarlo al pueblo; sin embargo, para ello debe enfrentarse a la corrupción del periódico local y a los intereses económicos del alcalde, quien es, además, su  hermano. En la versión de Gaitán, Stockmann es un hombre mordaz e iracundo que deberá enfrentarse como individuo a La voz del pueblo, nombre del periódico regional y referencia a la idea de “mayoría del pueblo”. La adaptación y puesta en escena del dramaturgo mexicano involucra directamente al público en la acción de la obra, otorgándole un mecanismo para opinar sobre el carácter ético o no de los actos del personaje principal. La obra termina siendo una reflexión sobre los juicios de valor y la toma de decisiones dentro de una sociedad, así como un cuestionamiento a los conceptos de “pueblo” y “democracia”: ¿con qué herramientas juzgamos a los demás en nuestra sociedad actual? ¿quiénes conforman verdaderamente al “pueblo”, en cuyas manos reside el poder dentro de un régimen democrático? Una decisión que toma una mayoría, ¿es solo por eso democrática y necesariamente ética?

Hasta el 1 de octubre.
Teatro de las Artes del CENART.
Cto Interior Avenida Río Churubusco, Col. Country Club Churubusco

Mónica Valdivia. Licenciada en literatura francesa por la UNAM.

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Recomendaciones de arte, danza y teatro que el lector no encontrará en otra parte.


Séptimo pecado 

Carlos Antúnez, director y fundador de México de Colores, busca dar un vuelco menos tradicional a las danzas folklóricas que seguramente te obligaron a bailar de pequeño. Con un ballet formado por hombres cubiertos por grandes faldas y sonoros tacones, Antúnez construye una pieza en torno al séptimo pecado, la lujuria, que “ha provocado guerras, conquistas, muertes, traiciones y que ha acabado con líderes indomables… pero también es un pecado que ha provocado arte: deliciosas piezas musicales, extraordinarias pinturas, fabulosas obras literarias y majestuosas construcciones…”.


Foto de Demian Black. Cortesía México de Colores.

 

Un espectáculo que mezcla elementos de la danza contemporánea en las danzas folklóricas mexicanas, con un toque de humor que busca llevar su mensaje de inclusión a todo tipo de público.

21 de septiembre al 12 de octubre
Nuevo Teatro Silvia Pinal
Versalles 18, Col. Juárez

Berenice Quirarte. Cursa la maestría en Estudios del Arte en la Universidad Iberoamericana; es miembro de Giroscopio: Danza + Filosofía


Dos obras sobre la infancia

Un monólogo que nos cuenta la infancia de Conchi León a partir de saber que su padre está a punto de morir. Cachorro de león es una  reflexión que hace la autora y actriz desde la mirada de una niña de cuatro años; las cosas que no entiende, la relación familiar, los accidentes, los primeros encuentros con el teatro y, sobre todo, la figura del padre. La escena se compone de pocos elementos construidos por la nostalgia: un poster de Pedro Infante, cigarros, un juego de té de plástico para niños, una mesita, un sillón y una cobija de cuadros. Con ellos la actriz y su divertida y conmovedora ejecución nos llevan por cada pasaje de su historia, cada altibajo, cada risa, e incluso un momento para convivir con el espectador. Este monólogo se ha presentado en varias ocasiones en diferentes espacios del país durante los últimos dos años.

Hasta el 28 de septiembre
Teatro La Capilla
Madrid 13, Col. Del Carmen

Un grupo de jóvenes teatreros llevan a escena la primera dramaturgia de Sebastián Castellanos de Oteyza, Silencio río, enfrentándose a pocos elementos y un espacio pequeño que resulta en un encuentro íntimo con el espectador. La historia gira en torno a Leandro, quien hace un recorrido por su infancia para poder nombrar las cosas que le afectan en esta etapa. Al niño lo acompaña su niñera Imelda —que escucha todas sus anécdotas y datos sobre la nueva casa en la que vivirá, aún en construcción—, el rio y sus alrededores. La puesta en escena nos permite imaginarnos los lugares favoritos del personaje y sentir con él lo especial de ese río y el anhelo que lo acompañan. Comparte escena con Michelle Menéndez y la dirección es de Jimena Montes de Oca.

Los sábados de septiembre
Sala Marlowe, Foro Shakespeare
Juan Escutia 126-b Col. Condesa

Jorge Viñas. Egresado del Colegio de Literatura Dramática y Teatro.


Metro con estaciones sentimentales

Alfonsina Storni solía decir: “Yo soy una y soy mil, todas las vidas pasan por mí”, consciente quizás de que ser en el mundo es un estado en constante cambio y movimiento, en donde nada es gratuito y las decisiones carecen de inocencia; sin importar si se trata de la elección de una palabra, de un color, o de un gesto, cada una de estas acciones ––por el simple hecho de estar en el mundo– nos habla de una vida que se transforma con nosotros.

Diana Salazar (1972) concibe su trabajo pictórico desde la idea de que todo estado mental o emocional es transitorio y fugaz. Con una mezcla de imaginación y realidad, la artista consigue retratar los sentimientos de las personas en escenarios tan cotidianos como los pasillos o vagones de cualquier metro. Pasajeros es una serie de cuadros con fondos grises y luces tenues en donde los protagonistas, personajes solitarios y ensimismados, comparten caminos de colores que aluden, por una parte, a las estaciones del tren, y por otra al trayecto de las emociones. Así pasamos de la ira a la angustia y a la tristeza de la misma manera, aparentemente, en que recorreríamos cualquier línea del sistema de transporte de la ciudad. La exposición hace evidente que todo, dentro y fuera de nosotros, es un estado condenado al cambio. Somos pasajeros de la ciudad porque nos movemos de un sitio a otro, pero nuestras emociones también viajan dentro de cada uno y se modifican constantemente. Salazar nos dice, entonces, que hagamos consciente este viaje, pues si nos distraemos podemos perder —por el ruido interno o externo— la estación en la que debemos bajarnos.

Hasta el 18 de noviembre
Galería Arte Hoy
Viena 249 Bis, Col. Coyoacán
Previa cita al 5554 0155

 

Salazar, Diana. Estación dicha, 2012. Cortesía Arte Hoy.

 


Las posibilidades de la acuarela

Pensar en obra de acuarela nos remite a situaciones tan diversas como la primera vez que tomamos un pincel o el momento en que descubrimos la cantidad exacta de agua para que la pintura se disolviera sin romper la hoja de papel. Ahora, al enfrentarnos a una exposición colectiva de esta técnica, nos percatamos de que las posibilidades de los colores disueltos no se agotan, sino que exploran nuevos horizontes. Inspirados en diversos temas como ciudades, frutos, personajes e incluso abstracciones, los participantes de la muestra colectiva Acuarela Contemporánea 2017 dan sentido a los versos que Alfredo Guati Rojo, fundador del Museo Nacional de la Acuarela, escribió: “Mi corazón es libro de pinturas / como los colores de los cuatro rumbos / pinto mis cantares con gotas de rocío”. En cada uno de los cuadros presentados en este espacio, percibimos cómo es que el papel siempre es testigo del contacto con la tinta y el agua. La técnica de la acuarela nos sugiere lugares de ensueño en donde los colores se desvanecen constantemente. Entonces, ¿cuáles son los nuevos horizontes de la pintura? Un encuentro sutil de tonos pastel podría respondernos.

Hasta el 24 de septiembre
Galería Berta Pietrasanta
Salvador Novo 88, Col. Santa Catarina

María Olivera. Estudiante de Literatura en la Universidad del Claustro de Sor Juana.

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bisonte

En Bisonte mantra (Ediciones Era, 2017), Luis Jorge Boone (Monclova, 1977) consolida su trayectoria de polígrafo y renueva sus lazos con una poesía exuberante, cercana a las vanguardias y más alejada de lo conversacional, donde reina la precisión de las imágenes y la acumulación de las metáforas hiladas. El poeta se rodea de un halo místico y comulga con el paisaje: un jirón de nube, el campo abierto bajo el horizonte, los elementos. Suele estar desasido de su yo, buscando lo alto y lo etéreo, aunque a ratos vuelve la conciencia lírica de la contemplación para adquirir mayor lucidez de su habitación en la poesía, en el mundo, en el nosotros. Así, se inscribe en una enunciación de nuevas Leyes y Tratados de la física, es decir la vitalidad, poética, imantada siempre por los misterios de la percepción y del tiempo, aunada a ciertas tradiciones y a la silueta de voces que la acompañan en la búsqueda del sentido: Leonard Cohen, Czeslaw Milosz, Paul Auster, Julian Barnes, Herman Melville, los símbolos y mitos de las tribus originarias de Norteamérica, el budismo, etc. Bisonte mantra es tanto un conjunto cíclico como un poema largo compuesto de fragmentos que dialogan entre sí y se entrecruzan. Con gran acierto, este libro abre las brechas del lenguaje para cuestionar sus mecanismos y sus ritmos propios que se desenvuelven como un mantra. También, es la historia de la excursión lírica al mundo natural deseado y sus vaivenes de ida y vuelta a la ciudad, la soledad o la muerte.

[Paisajes de montaña y agua]

Llueve a lo lejos.
Cumulonimbus y nimbostratos arrojan su escala de lluvia.
Una red para capturar la imagen de las montañas.
Carrozas de trueno,
                                 dirigibles fractales,
                                                                  sistemas en caos.

Invariablemente llueve en las montañas, nunca
aquí.
Lo importante sucede, siempre, en otra parte.

Centro de huracán.
Todo en orden, en silencio.
Calma delusoria, semejante a una capa de pintura que amenaza con caerse en pedazos,
débil, hinchada por el sol.
       Pústulas de la enfermedad que es la epifanía.
Todo en orden. Por el momento.
Todo en calma para quien atraviesa el mundo con los ojos vendados.
La vida parece suceder allá, lejos,
y respiramos tranquilos.
Sin embargo, avanza.

El mundo pierde definición en sus contornos.
La borradura se acerca.
Esta nada tiene la forma de las nubes, la aparente inmovilidad del agua que desciende.
Señales de humo con las que el cielo
apaga la sed de las preguntas.

***

[Tótem de la oscuridad que fluye]

Llevo días preguntándome si el poema es
un estado del agua.
Ni líquido ni sólido,
más bien semejante a la nieve.
Maquinaria que puede ensamblarse de infinitas formas.

El agua y sus ciclos. Las palabras y las maneras en
    que son escritas, leídas y guardadas, convertidas
    en cristales.

Semejante a la nieve.
Es posible aglutinar su materia
            o matarla
si se aplica el calor constante
de una mano, apenas un dedo, insistiendo,
            hasta asfixiar su libre forma.

§

Leen mi carta astral y ahí encuentran
La razón por la que el agua suele aparecer en lo que escribo.
El cangrejo, me dicen, sale y entra del agua
para ver transcurrir la eternidad lenta y rápidamente, descansado
de ambas, sin hartarse.

Me vacío y me lleno. Entro y salgo
del agua y sus metáforas, de las palabras e ideogramas que la contienen
                               como quien entra y sale de su dios.
Y comprueba que el mundo es uno y el mismo, sólo cambia
de oráculo.

Pero el agua más profunda no es la que se estanca afuera,
o, en palabras del rabí Amijai: para conocer
el agua del lugar
hay que empezar por las lágrimas.

§

Si, como dice Melville, Todo el mundo sabe que la
    meditación y el agua están siempre coaligadas,
qué hago en el desierto, tratando de encontrar las líneas
que unen mi vida
con fragmentos del paisaje.

Ahí están, o estuvieron.
A fuerza de mirar las desconozco,
las confundo con la sombra muda de la nada.
No se trata de mirar a destajo,
o no solamente.
Las montañas son, ante todo, un juego de memoria.
Cartas repartidas sobre la mesa
que volteamos para ver su dibujo, esperando
    recordarlas, ordenarlas en pares, dejar un claro
    de signos en el tablero.

Pero jugamos
distraídos, pensando en lo que no tenemos ya
y en lo que no podremos tener nunca.
En nuestro turno, nada parece tener par.

Esa columna de lluvia en la distancia
me recuerda algo que fui
y cuya verdad yace oculta.
La monotonía tiene siempre un as bajo la manga.
Un oasis para estancarse.
La voz del agua, dicen los espíritus del tablero,
no debe ser obvia
para hablarte
y que respondas.

§

Tenemos necesidad de vida eterna,
aunque no creamos en la eternidad.
Lo mismo que un peón que avanza con lentitud por el tablero
y no conoce de antemano todas las partidas
y no percibe los escaques.

§

La noche es una casa de agua.
            Los sueños son el líquido que penetra
            la oscuridad de las almas dormidas.
            El amor de los cuerpos se hace muy dentro
            en la tormenta.
            La pesadilla más siniestra es quedarse
            en la orilla opuesta de la respiración.
La noche es la casa del agua
que ahoga y sacia y hunde y te rodea.

El agua es eterna y es sabia, dijo Milorad Pavic,
pues nos comunica una verdad
que aceptamos con reserva.
El agua es la oración del cuerpo, su descanso.
Su naturaleza primaria, su último empeño.

El agua, que no el aire:
aquí y ahora:
la Quinta Ley de los Seres y sus Formas no puede estar equivocada.

***

[Canto para danza fantasma]

La Primera Anotación en el Diario del Nadador
que es un Budista Natural, dice:

No esperes una Ley.
                                   O quizá lo pregunta:
¿Esperabas un Edicto, una tabla bajada del Sinaí atada
    a las muñecas, los lastres del Deber y el Así Será,
    para hundirte en los abismos de la obediencia?

Cuerpo: no
recuerdes.
                 Olvida.
Un nuevo orden te formula.
Otro acomodo vendrá, con la ausencia y tu abandono.
Aprende de nuevo. Sin gravedad. Sin revisores.

Si hay una tabla, es la de entrenamiento; si una voz
    te llama, es el coach exigiéndote los últimos cien
    metros; si una escritura ocurre, es en la superficie;
    la eternidad a la que aspiras se borra apenas
    sucede; si encuentras una herejía, es que no has
    aprendido que en los libros de agua no se dicta
    ninguna condenación.

§

El horizonte es una línea de flotación.
Más abajo: asuntos de cobre, una boca largamente
    cerrada, estatuas de carbón que comen de mi
    abrazo. Vivir mirando hacia la tierra.
Arriba: volatilidad y eternidades que no presentan
    cuentas claras. Luces que encienden y apagan sin
    código ni ritmo.

Difícil abrir los ojos en la línea media. El aquí y el ahora. La delgada capa de agua.
No hay forma de saber dónde se termina este estado mental.
No se ven las boyas, la división de los carriles, pero
    el paisaje es una alberca amplísima y sutilmente
    clorada, que hierve a mitad del verano,
                               que se hiela a mitad de la noche.
Químico equilibrio entre el Bien y el Mal, las
    sustancias que a ella entran no son demonios
    ni ángeles, sólo hombres.
Hombres que nadan, se sostienen.
Mi línea de flotación es el horizonte.
Goggles mentales. Aletas y branquitas del espíritu.

Un estado del cuerpo cuyos dígitos provienen
mitad del inconsciente y sus abismos,
mitad de la luz y su vacío.

 

Luis Jorge Boone
Poeta, narrador y ensayista. Es autor de: Por boca de la sombra, Sobre mapas circulares y Figuras humanas, entre otros.

Selección y nota: Álvaro Ruiz Rodilla

© Ediciones Era y Universidad Autónoma de Sinaloa, 2017. Bisonte mantra ha empezado esta semana a circular en librerías.

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Recomendaciones de arte, danza y teatro para agendar y que el lector no encontrará en otra parte.

agenda


Desde la danza: MIC género 2017.

Los debates en torno al género hoy día son una preocupación de carácter global y multidisciplinaria. Prueba de ello es la Muestra Internacional de Cine con Perspectiva de Género (MIC Género) 2017, que presentará films de diversas categorías en varias ciudades de México. Derechos humanos y reproductivos, migración, teoría queer y corporalidades, entre otros, son los temas de los cortos, documentales y películas que se presentan en el festival.

Los filmes Tango Queerido (Argentina, 2016), Martha and Nikki (Suecia, 2016), FotMob (E.U, 2016),  Muxes (México, 2016) y Las chuntá (México, 2017) presentan a la danza como una herramienta de comunicación social y con alcances políticos. El tango, tradicionalmente machista, es (re)apropiado por parte de la comunidad LGBTTT. Martha and Nikki muestra la historia de las primeras mujeres que ganaron el campeonato mundial de hip-hop. Juicy D. Light, una bailarina con sobrepeso, lucha contra los estereotipos e inicia una campaña en San Francisco a favor del respeto y la igualdad en FotMob. Por su parte, Muxes y Las chuntá, documentales de la comunidad zapoteca y de Chiapas, respectivamente, muestran la historia de hombres que se visten de mujeres para la fiesta más importante de sus pueblos, en donde el vestuario muestra una manera de vivir que desdibuja las fronteras binarias de los géneros. La danza se manifiesta desde el silencio para tomar, re-configurar y declamar por los derechos humanos.

Del 2 de agosto al 21 de septiembre
La cartelera completa aquí.

Berenice Quirarte Rojas


Angustia colectiva

Hablar sobre un bestiario es, como mencionaba Cortázar, referirse al humor, al absurdo y a lo fantástico, pues cuando exploramos la dimensión de lo irreal desde nuestras angustias o miedos, comenzamos a desarrollar un vínculo con el imaginario colectivo de lo quimérico. En este sentido, podríamos pensar que en el momento en el que el arte comienza a tratar con estos temas, se convierte también en un medio para tratar con nuestras inquietudes, que a veces adquieren forma de animales mitológicos o de bestias. La galería Aguafuerte presenta una exposición colectiva que explora el vínculo entre lo fantástico y lo humano con una serie de obras interdisciplinarias: cuadros, esculturas, dibujos e instalaciones que a lo largo de la exposición entablan un diálogo con temas políticos, de sueños o abandonos. Cada artista ha entendido la consigna de “Bestiario” a su manera: en la muestra se observan pinturas de aves enjauladas, hombres con máscaras como si se prepararan para un carnaval, nahuales y otras quimeras humanas, esculturas de insectos extraños, litografías como una titulada “La noche que no duerma” en la que se hace referencia a un poema indígena, y animales fantásticos del mar. Esta exposición es un reconocimiento de las angustias ajenas que, quizá sin quererlo, se convierten también en nuestras cuando nos enfrentamos a ellas.

Hasta el 27 de agosto.
Aguafuerte Galería.
Guanajuato 118, Colonia Roma.

María Olivera


Una experiencia en tonos verdes

El eje conceptual de la exposición “Memoria de un paisaje fragmentado” es el color verde. En contraposición con los tonos que predominan en las avenidas de cualquier ciudad, esto provoca que, al entrar a la galería, experimentemos la sensación de pausar el día y comenzar un recorrido en el que no existe ni tiempo ni guía. La muestra expone una serie de cuadros realizados entre 2015 y 2017, en los que se perciben distintos tonos de verdes y, casi como un guiño oculto, algunos destellos color plata. Cada pintura —de mediano y gran formato— nos habla del tema que el artista español, Pedro Canabal, ha desarrollado desde hace tiempo: los límites entre la naturaleza y la ciudad, la manera en la que el hombre interactúa con ellos y la reconstrucción del recuerdo.

El trabajo de este artista se caracteriza por sobreponer colores y explorar el lenguaje del material: mediante el uso del óleo, la acuarela y el grafiti —este último como referencia a la ciudad—, se entretejen paisajes selváticos y bosques —a veces geométricos, a veces abstractos—, y al mismo tiempo se hace evidente que las capas de pintura son también las capas de la naturaleza. Al detenernos frente a un cuadro, podemos descubrir el proceso pictórico y la degradación del paisaje. El universo verde de Canabal es, en conjunto, una reflexión sobre el color y la técnica que incitan a pensar en las condiciones del mundo vegetal y su constante destrucción.

Hasta el 31 de agosto.
Galería Traeger y Pinto.
Colima 179, Colonia Roma.

María Olivera


La Prietty Guoman

Escrita, dirigida y actuada por César Enríquez, el creador escénico nos presenta una historia emocionante, divertida y conmovedora, al estilo cabaret. La Prietty Guoman es la paráfrasis que hace la protagonista sobre la película Pretty Woman, quien espera a que “Richard Gere” llegue, la suba en su coche y juntos tengan un final “de película”. Ella no es Julia Roberts y no busca seguir el guión que la sociedad le impuso: traza su propia historia y, momento a momento, nos hace seguirla en su viaje. Tanto el texto de la obra, como su puesta en escena y su ejecución actoral son un deleite para el público. Es comedia inteligente y osada que nos hace disfrutar y empezar a reflexionar sobre algo nuevo, cuando menos nos damos cuenta. Enríquez nos entrega este espectáculo para hablar de la diversidad, de la discriminación, de los crímenes que provoca el odio y de cómo aún tenemos mucho que hacer como sociedad para avanzar hacia la vida en común. La obra se presentó recientemente en el teatro Sergio Magaña, llenando sus funciones. Dado el éxito inmediato, ahora se presenta con una temporada corta en el Foro Lucerna.

Todos los miércoles a las 20:30 hasta el 6 de septiembre.
Foro Lucerna
Lucerna 64, esquina Milán. Col. Juárez.

Jorge Viñas


Sylvia

Obra del dramaturgo norteamericano A.R. Gurney se presenta con la adaptación y traducción de Rafael Maza, dirección de José Sampedro y un elenco conformado por Odiseo Bichir, Alejandra Barros, Cecilia Arias y Rubén Branco. La historia es sobre Federico, un hombre que está pasando por una crisis de mediana edad, que se encuentra en el parque a una perrita llamada Sylvia y decide adoptarla. Federico ha encontrado a un ser con quien hablar, que le ayuda a ver la vida de otra manera. Esto causa problemas con su esposa que no quiere tener un perro en casa y que se siente cada vez más alejada de su marido. La dirección de Sampedro nos permite ver íntimamente a los personajes, divertirnos y reconocer comportamientos propios en los personajes. La puesta es una comedia que, gracias a la magia del teatro, comunica lo que piensa y siente un perro, nos recuerda la importancia de las relaciones humanas y lo significativas que pueden ser las mascotas que elegimos.

Todos los martes a las 20:30 hrs.
Teatro Julio Prieto.
Av. Xola No. 809, Col. Del Valle.

Jorge Viñas

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