(Rogue One: A Star Wars Story)
Director: Gareth Edwards
Elenco: Felicity Jones, Diego Luna, Mads Mikkelsen, Forest Whitaker, Alan Tudyk
Género: Ciencia Ficción
Guionistas: Chris Weitz y Tony Gilroy

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Después de una larga espera, se estrenó en México Rogue One: Una historia de Star Wars, la película sobre un grupo de rebeldes que incluye a Jyn Erso (Felicity Jones) y al capitán Cassian Andor (Diego Luna), quienes deben robar los planos de la Estrella de la Muerte; hechos que tienen lugar justo antes de los eventos que ocurren en Star Wars: Episodio IV.

Gareth Edwards, conocido por Monsters (2010) y Godzilla (2014) platicó con Mariana Mijares sobre la sorpresa de dirigir Rogue One, su opinión sobre los fans de una de la saga más exitosas de todos los tiempos, y lo que le gustaría que lograra su película.


Mariana Mijares: Has dicho de broma que te dieron este trabajo casi por accidente, pero ¿por qué crees que te eligieron para dirigir Rogue One?
Gareth Edwards: Lo primero que pasó es que estaba terminando Godzilla, estaba muy cansado por todo el proceso y lo último que quería era hacer otra película tan grande, así que cuando me llamaron de Lucasfilms no estaba intentando impresionar. Una vez ahí me dieron dos ideas, una que no me gustaba mucho, y la segunda, una que sabía que iba a conectar mucho con los fans, porque yo, seguidor de la saga, no pude evitar emocionarme con la historia. Aunque pensé que podía ser un sacrilegio hacer una película anterior a Episodio IV, me duró 10 segundos y decidí que quería hacerlo.

MM: Cuando te confirmaron que habías sido elegido como director, ¿a quién le contaste primero?
GE: ¡A nadie! Estaba tan paranoico de que me quitaran la película que no le conté a nadie.

MM: ¿Puedes compartirnos algún recuerdo que hace Star Wars significativa para ti?
GE: Recuerdo que en mi cumpleaños 30 estuve en Túnez, donde filmaron la casa de Luke Skywalker. Mi novia de aquel entonces me dijo: “Estuviste donde filmaron las películas originales en tu cumpleaños 30, nada se le equiparará a esto… No se qué harás en tu cumpleaños 40”. Y en mi cumpleaños 40, increíblemente, ¡estaba yo filmando en el set de Rogue One!

MM: ¿Qué te ponía más nervioso, los fans o la expectativa de taquilla?
GE: Los fans no, ellos son gente normal, una generación que creció con las películas, como yo. Normalmente si alguien dice que le gusta la ciencia ficción puede ser considerado un geek; pero en cambio cuando dices que te gusta Star Wars, eres lo más cool del mundo porque a todos les gusta esta saga. Los fans de Star Wars son únicos porque representan a toda clase de personas.

MM: Hablando de diversidad, entre todos los actores posibles, ¿cómo elegiste a Diego y a Felicity?
GE: Siempre que le preguntan a un director sobre su reparto, tienes que mentir y decir que quienes se quedaron fueron realmente tus primeras opciones pero lo que pasa con Star Wars es que realmente sí obtienes tus primeras opciones. Por ejemplo, como Diego interpreta a un espía rebelde que hace cosas que no necesariamente son buenas, yo necesitaba a alguien que, no importando lo malo que hiciera, lo entendieras y te cayera bien. Diego tiene esa cualidad de que en el momento en que lo ves, lo quieres. Yo no me identifico con un hombre inaccesible de cuerpo perfecto, sino con alguien que se esfuerza, que lucha y que es honesto, Diego representa a la gente cotidiana, gente con alma. Felicity es muy similar en ese sentido, aunque no tuviera diálogos, es una actriz que puede trasmitir mucho con la mirada, tiene alma.

MM: ¿Alguna película en especial o trabajo de Diego capturó tu atención?
GE: Cuando estoy preparando mi casting, sí veo películas o clips, pero también me fijo mucho en las entrevistas de los actores. Vamos, tendrás que pasar dos años con ellos, así que intento descubrir si son buenas personas. En las entrevistas puedes detectar si alguien es falso, o arrogante. Al ver las entrevistas de Diego sentí que era un hombre absolutamente genuino. Cuando lo conocí estuvimos 4 horas platicando increíble; según yo, intentando convencerlo de participar en la película, y según él, intentando convencerme de que lo incluyera.

MM: ¿Cuál fue para ti el mejor día de la filmación?
GE: Uno de mis momentos favoritos fue en las islas Maldivas, en donde recreamos un planeta tropical. Teníamos que filmar una escena en una isla en medio de la nada, pero para evitar que los botes dañaran los corales en la oscuridad, toda la gente debe irse de la isla antes del anochecer pero Felicity, Diego, otra persona y yo nos quedamos para capturar una de las secuencias finales. Al concluir, todo estaba oscuro, parecía que éramos las únicas personas en el mundo. Nos dedicamos a disfrutar del paisaje, del cielo, a nadar, y de verdad, no podíamos creer que nos pagaran por estar ahí.

MM: ¿Qué te gustaría que sintieran los fans después de ver Rogue One? ¿Qué te gustaría que pasara con la película?
GE: Creo que la única manera de saber que lo hicimos bien en Rogue One será que en 15 años la gente aún traiga puesta la playera de Jyn, de Cassian, de K-2SO (los personajes). Si en 15 años veo a estos personajes en bolsas, playeras, o en donde sea, sentiré que lo logramos.

 

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Moana: Un mar de aventuras (E.U.A., 2016)
(Moana)
Directores: Ron Clements y Don Hall
Género: Animación
Guionistas: Jared Bush y Ron Clements
Actores: Auli’i Cravalho, Dwayne Johnson y Rachel House

Moana no es una princesa, ella misma lo especifica, ella es la hija del Chief Tui (Temuera Morrison), el líder de la isla de Motunui, un lugar situado en las islas del Pacífico Sur en donde reina la calma, la paz y la armonía entre los habitantes.

A pesar de vivir en medio del Océano, Moana —cuyo nombre significa océano extenso y profundo en hawaiano— y los habitantes de Motunui tienen prohibido navegar más allá del arrecife. Los demás acatan cabalmente la prohibición, pero desde niña esta protagonista siempre ha tenido una conexión muy especial con el agua y no quiere alejarse.

En ese sentido, uno de los distintivos de la película es que el océano se vuelve un personaje más, y el equipo de animadores que lo hacen lucir real, lo dotan de personalidad y encanto.

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Cuando la isla de Moana se ve amenazada, plantas y animales empiezan a morir debido a una maldición ancestral desatada porque el semi dios Mau robó el corazón de Te Fiti —diosa de la Tierra—, motivada por su abuela Tala (Rachel House), la joven se propone salvar su hogar aventurándose en el Océano en la búsqueda de Maui.

Así inicia la odisea de esta protagonista que, a diferencia de otras princesas, no cuenta con príncipe ni interés romántico, vestido largo, hada madrina o animalitos que la ayuden en su misión, de hecho, la criatura que viaja con ella —un gallo de nombre HeiHei—, más que ayudarla, entorpece su viaje.

Otro de los atributos de la cinta es Maui (voz de Dwayne Johnson), quien por momentos antagoniza la misión de Moana, pero por otros, gracias a mini Maui, un tatuaje que actúa como conciencia y tiene vida propia, intentará ayudarla a restaurar el corazón de Te Fiti.

Por momentos, Maui recuerda al genio de Aladdin, no es coincidencia, primero porque los directores de la cinta son los mismos, pero también porque el animador Eric Goldberg —quien fue el responsable de animar a aquel genio que cobró vida gracias a Robin Williams—, supervisó la animación a mano del ‘mini’ Maui.

Sin duda, una de las razones que hace a las cintas de Disney tan memorables es la música, Moana cuenta con un equipo conformado por el ganador del Tony y creador del fenómeno “Hamilton”: Lin-Manuel Miranda; el compositor ganador del Grammy y responsable de la música de Tarzan y El Rey León: Mark Mancina y el fundador y líder de la banda del Sur del Pacífico Te Vaka: Opetaia Foaʻi, que en conjunto logran animadas melodías que no sólo van acordes a esta isla y a sus personajes; sino que, como debería ocurrir en cualquier buen musical, avanzan la historia.

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En los últimos años Disney casteó para sus personajes femeninos a famosas actrices de cine y teatro: en Tangled tuvieron a Mandy Moore, en Frozen a Kristen Bell e Idina Menzel y en Zootopia, Ginnifer Goodwin dio vida a la conejita Judy Hopps, sin embargo, para Moana el estudio tomó una ruta más arriesgada: hizo un casting abierto para jóvenes provenientes de las islas del pacífico y así encontraron a Auli’i Cravalho, joven hawaiana en la que los productores encontraron a la heroína perfecta. Después de escucharla cantar, no hay duda de que Moana no pudo tener mejor protagonista.

A nivel técnico la película número 56 de Disney, y la primera por computadora para Clements y Musker, sorprende por el tono, el color y la profundidad que se logran en el mar, los escenarios y hasta en el nivel de detalle de los vestuarios, pero sobre todo, destaca por recordarle a las niñas y jóvenes de todo el mundo que no se necesita de una corona, de un príncipe o de muchos recursos para ser determinado y perseguir los sueños.

Este 2016 ha sido un gran año para las cintas animadas y no cabe duda que la carrera para los Óscares en esta categoría estará muy reñida —hay 27 cintas en competencia—, pero gracias a su inspiradora historia, sus hermosos paisajes e incomparable música, Moana será de las mejores contrincantes.

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18 noviembre, 2016

La chica del tren

La chica del tren (E.U.A., 2016)
(The Girl on the Train)
Director: Tate Taylor
Género: Thriller
Guionista: Erin Cressida Wilson (guión), Paula Hawkins (novela)
Actores: Emily Blunt, Haley Bennett, Rebecca Ferguson, Justin Theroux, Luke Evans y Edgar Ramírez

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¿Conocemos realmente a la persona con la que decidimos pasar el resto de nuestra vida? Ésta es una de las premisas de La chica del tren, cinta basada en la novela de Paula Hawkins y que está contada desde la perspectiva de tres mujeres: Rachel (Emily Blunt), Megan (Haley Bennett) y Anna (Rebecca Ferguson).

La historia comienza con una chica —Rachel— en un tren, y de ahí derivan las demás historias, pues es desde el tren que Rachel se imagina la vida de los habitantes de las casas por las que pasa cada mañana, especialmente, la de Megan y Scott (Luke Evans), de quienes en realidad no conoce absolutamente nada pero se imagina todo.

Para Rachel, esta pareja representa el amor, la felicidad y la vida perfecta en pareja; todo lo que ella alguna vez tuvo con Tom (Justin Theroux), pero que perdió luego de que se volviera alcohólica y de que su matrimonio se fuera por la borda cuando él la engañó con otra.

La historia se vuelve aún más compleja, pues Tom está ahora casado con quien fuera su amante: Anna (Ferguson) y tienen una hija: Evie, quien es cuidada por la niñera, su vecina, Megan (Bennett).

Explicar todos los lazos entre estos personajes podría estropear la sorpresa de ver la película, pero digamos que alguien termina muerto y como consecuencia éstas vidas se entrecruzarán de maneras evidentes, pero también de formas que sorprendieron a los lectores, y ahora a los espectadores, de esta historia.

Desde su publicación, La chica del tren fue comparada con Perdida, novela también llevada al cine (e incluso obtuvo nominaciones al Óscar) que plantea la relación tóxica de un matrimonio. Si consideramos que La chica del tren es también un thriller, que abarca relaciones destructivas entre parejas y que hay un misterio de por medio, sí, ambas se parecen; pero ésta se diferencia en que: está contada desde la perspectiva de las tres féminas, es menos obscura que su predecesora y sobre todo no contó con David Fincher como director de la adaptación para cine.

Tate Taylor, actor convertido en director, y que nos entregó la memorable The Help (2011), queda aquí atorado en un proyecto que parece haberle quedado grande, pues aunque la premisa se conserva, nunca logra los momentos cruciales de suspenso de la novela y en consecuencia la transición al cine se va diluyendo hasta convertirse en un relato contado mediante flashbacks y voiceovers, sin lograr una verdadera construcción, y evolución, de personajes.

La elección del elenco fue atinada sobre todo en la protagonista: Emily Blunt, quien deja atrás a la joven dulce de filmes como El diablo viste a la moda, La reina joveno En el bosque para ofrecer aquí una interpretación más cercana a lo que logró en Sicario: una mujer triste, callada, sin mucha vida propia y, en esta cinta, atrapada en un pasado que no puede dejar atrás.

La actuación de Blunt es lo más rescatable de la película, pues las demás protagonistas parecen solo una extensión de ella y los hombres pierden relevancia siendo reducidos a personajes ornamentales.

Otro de los grandes cambios fue la decisión de trasladar la trama de Londres a Nueva York; y aunque Blunt conserva su acento original, no es lo mismo una vida en la provincia de Inglaterra que en Westchester County, cerca de Manhattan.

Recalco que, pese a todo, la actuación de Blunt es atinada y el solo reto de intentar responder si ella cometió el crimen, podría ser razón suficiente para darle una oportunidad a la película.

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La llegada (E.U.A., 2016)
(Arrival)
Director: Denis Villeneuve
Género: Ciencia Ficción
Guionista: Eric Heisserer (basado en la historia "Story of Your Life", de Ted Chiang)
Actores: Amy Adams, Jeremy Renner y Forest Whitaker

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A través de los años, diversas películas nos han mostrado cómo sería la llegada de los extraterrestres a la tierra, la gran mayoría nos pintan una distopia, un panorama violento que incluye a aliens de aspecto terrorífico que imponen miedo entre los habitantes de la Tierra, pero ¿qué pasaría si su llegada fuera distinta? ¿si en vez de querer acabar con los humanos, quisieran ayudarlos? Esa es la premisa de Arrival, y una de las razones por las que fue no solo una de las mejores películas mostradas en el TIFF (Toronto International Film Festival) sino una de las mejores obras de ciencia ficción de los últimos años.

Después de semejante cumplido, y sin ahondar demasiado en la trama para no arruinar la experiencia de verla, diremos que todo inicia con la llegada de 12 naves espaciales, cada una colocada repentinamente en un rincón diferente de la Tierra. Ahora, distintos gobiernos y naciones deberán trabajar juntos para encontrar la respuesta que todos buscan: ¿cuál es el objetivo de los extraterrestres en este planeta?

La brillantez de Arrival recae en que nos recuerda a grandes filmes de ciencia ficción, como Solaris de Tarkovsky, 2001: A Space Odyssey de Kubrick o Close Encounters of the Third Kind de Spielberg, pero le agrega un elemento diferente: el lenguaje, encarnado en Amy Adams.

La actriz —que este 2016 ha tenido uno de los mejores años de su carrera, gracias a este trabajo y a lo que logra en Nocturnal Animals—, da vida a la doctora Louise Banks, lingüista que debe interactuar con estos seres para poder comunicarse con ellos. El proceso que realiza es minucioso, lento, complejo, nos recuerda la paciencia y dedicación que se necesita para aprender no sólo otro código, otro lenguaje, sino lo que implica el poder entender otra cultura, la cosmovisión de otro ser.

Denis Villeneuve, realizador canadiense conocido por memorables trabajos como Incendies (2010), Prisoners (2013) y Sicario (2015) vuelve a dejar huella comandando cada elemento de esta cinta para que funcione como una visión completa; como una hermosa sinfonía que inicia con el score de Jóhann Jóhannsson (que incluye el tema recurrente “On the Nature of Daylight”, de Max Richter) que continúa con las tomas de Bradford Young que muestran el mundo externo e interno de estos personajes, y donde la edición de Joe Walker nos lleva a una montaña rusa de emociones: incertidumbre, miedo, duda, desesperación, compasión, esperanza, empatía.

Es interesante cómo a pesar de ser una cinta de ciencia ficción, Arrival no requiere de demasiados efectos especiales: sí, vemos las naves, los vemos a ellos, los extraterrestres, pero aquí no importa cómo lucen, sino lo que desean comunicarnos, ¿por qué anticipar que una visita extraterrestre necesariamente implica guerra, conquista, violencia? ¿no sería mejor cerciorarnos?

En lo personal, me gusta compartir la visión de Heisserer y Villeneuve: esa idea de que los aliens inicialmente podrían asustarnos por ser diferentes (basta recordar la escena en la que Louise los conoce por primera vez) pero luego descubrir que son seres complejos, mucho más avanzados que nosotros, y de los que podríamos aprender mucho.

La película nos recuerda también la importancia de trabajar en equipo, en cada país, y luego globalmente, en pro de una causa. En un mundo dividido como en el que estamos viviendo, y luego de los sucesos ocurridos en Inglaterra y Estados Unidos, que importante es recordar este mensaje de unidad, de cooperación global para lograr grandes cosas.

Arrival tiene otro elemento de análisis que inicia desde la primer frase: “I used to think this was the beginning of your story”, una disyuntiva que enfrenta la protagonista y que definirá su presente y su futuro. Esto recuerda a una de las cintas más memorables de las dos últimas décadas: Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004), que también nos plantea ¿si pudiéramos hacer algo para cambiar nuestro pasado, lo haríamos?

También, el vínculo padres e hijos que trasciende el tiempo y el espacio (mostrado el año pasado en Interstellar, de Nolan), es aquí igualmente abordado y tiene alcances que pueden llevar a las lágrimas, o a la reflexión profunda.

Arrival no es una película sencilla, requiere de concentración y de análisis, de dejar atrás las preconcepciones de muchos conceptos, de estar abiertos a que nos presenten nuevas imágenes y teorías, pero es un viaje que vale la pena. Es también un ensayo sobre el significado del tiempo y el lenguaje como motor de cambio, una odisea que te eleva, que te reta, que hace volar la mente pero también, una que nos reconforta en los tiempos que vivimos y que nos recuerda que el respeto, la comunicación, y el amor, sí pueden hacer una diferencia.

 

Spoiler alert
El nombre que Louise elige para Hannah es un palíndromo pero también, ¿notaron como toda la película es un palíndromo? Brillante.

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11 noviembre, 2016

Reina de Katwe

Reina de Katwe (E.U.A., 2016)
(Queen of Katwe)
Director: Mira Nair
Género: Drama
Guionistas: William Wheeler y Tim Crothers
Actores: Madina Nalwanga, David Oyelowo y Lupita Nyong’o

El tamaño de los sueños no se determina por el lugar de donde provenimos, por ello, cuando Phiona Mutesi sueña con convertirse en campeona de ajedrez no tendrá el camino fácil, pero hará su mejor esfuerzo para lograrlo.

Queen of Katwe, dirigida por Mira Nair (Vanity Fair, 2004; The Namesake, 2006) está basada en el libro y artículo de Tim Crothers y fue producida por Walt Disney Pictures y ESPN Films, lo que le da un toque dulce y muy especial a la película.

Interpretando a Phiona está la joven actriz Madina Nalwanga, quien logra plasmar a este personaje una mezcla de inocencia, determinación y vulnerabilidad que nos dan una idea de lo difícil que era para una niña humilde del barrio de Katwe —en Kampala, Uganda— aspirar a una vida diferente, una que no se redujera a vender verduras en el mercado.

Como en la mayoría de las historias de superación, la protagonista tiene un mentor: Robert Katende (David Oyelowo) quien al enseñarle ajedrez a Phiona también le enseña de disciplina, concentración y tolerancia a la frustración; cualidades que la ayudarán no sólo en el juego, sino en la vida.

A la par, Phiona deberá convencer a su madre, Harriet (Lupita Nyong’o) de que ir a la escuela y aprender ajedrez pueden ayudarla a superarse. Como madre de cuatro hijos, Harriet ha hecho lo posible para intentar proveerles con lo básico, pero pese a todos sus esfuerzos, no siempre lo logra. Ella teme que el ajedrez le meta ideas a Phiona sobre una realidad que no es la suya. Este papel podría haberse reducido a una madre severa o poco empática, pero la interpretación de Nyong’o le otorga capas complejas.

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Habiendo vivido en Uganda durante alguna temporada, además de ser el lugar donde tiene lugar anualmente el Maisha Film Lab (que Nair estableció para preparar a directores del este de África), la directora de origen hindú posee la sensibilidad para reflejar la vida en aquel país africano: los colores, las texturas, los sabores, los olores; con cada toma nos trasladarnos a estas locaciones, nos imaginamos la vida en ese lugar.

A pesar de ser una especie de underdog, y de no poseer el físico, la ropa, o las oportunidades que han tenido otros jugadores de ajedrez, Phiona va superando los obstáculos y demostrando que no importando el país, o el humilde origen, con perseverancia se puede llegar a ser el mejor del mundo. Lección aplicable a muchos deportes, o disciplinas.

Phiona también aprende que en el ajedrez, como en la vida, está bien fallar. Que a veces no se trata de ganar cada partida sino de aprender algo en cada movimiento, en cada estrategia. Que pase lo que pase nunca debemos dejar de luchar. Y eso, es un mensaje lindo para cualquiera, no sólo para los que juegan ajedrez.

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Luego de 10 días de exhibir lo mejor del cine nacional e internacional, finalizó la edición número 14 del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM).

Aquí la segunda parte de la cobertura, que incluye algunos de los eventos y películas más destacadas.

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Fotografías: Cortesía Festival Internacional de Cine de Morelia

Willem Dafoe fue reconocido con la medalla de la Filmoteca de la UNAM

Uno de los invitados de honor del festival, el actor estadounidense Willem Dafoe, recibió la medalla de la Filmoteca de la UNAM, con la que la institución reconoce a lo mejor del cine.

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La entrega se realizó antes de proyectar La última tentación de Cristo (1988), de Martin Scorsese, a la que acudieron el presidente del FICM y director de Cinépolis, Alejandro Ramírez, y la directora del FICM, Daniela Michel.

“Estoy muy feliz de que La última tentación de Cristo siga viva en México. Esta película es una de las experiencias más especiales que he tenido como actor”, apuntó Dafoe.

Dafoe participó además en otras actividades, como la develación de su butaca, previo a la proyección de Posibilidad de escape.

Edgar Ramírez habló de su experiencia para Manos de Piedra

El actor venezolano acudió al FICM para presentar dos cintas: La chica del tren, basada en el besteller de Paula Hawkins en la que Ramírez interpreta a Kamal Abdic, el psiquiatra que se involucra con una de las protagonistas: Megan; además de presentar Manos de piedra, en la que dio vida a Roberto Durán, uno de los boxeadores latinos más famosos de todos los tiempos.

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Ramírez habló sobre su preparación para este papel, pues además de transformar su cuerpo entrenando diario durante más de seis meses, tuvo varias charlas con el propio Durán.

“Entrené con un equipo alucinante de entrenadores y lo primero que me decían era que necesitaba aprender a boxear como un mecanismo de seguridad […] Me convertí en boxeador y mi vida nunca va a ser igual, es muy gratificante, sobre todo que, como lo dice la película: tú puedes tener un talento extraordinario, pero si tu mente no está en el lugar adecuado no vale de nada”, apuntó.

Ambas cintas se estrenarán en México este mes.

Bellas de Noche gana como Mejor Documental

Luego de ser exhibida en festivales como el de Telluride y en Toronto (TIFF) el documental de María José Cuevas sobre algunas de las más famosas vedettes de México, fue reconocido como el Mejor Documental del FICM.

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La película muestra fragmentos de la vida de actrices como Olga Breeskin, quien empezó su carrera tocando el violín; Lyn May, que a los sesenta se jacta de continuar con una completa rutina de ejercicios y una activa vida sexual; Rossy Mendoza, quien a pesar de su edad continúa bailando con llamativos vestuarios; Princesa Yamal, la artista que vio su carrera afectada cuando fue acusada de robo; o Wanda Seux, quien diariamente atiende a sus casi 10 perros.

La película que narra estas historias con humor, curiosidad y verdad, se estrenará en salas el 25 de noviembre.

Audrey Tautou presenta dos cintas y devela su butaca

Uno de los rostros más reconocidos del cine francés, y quien diera vida a Amelie, Audrey Tautou, acudió al FICM para presentar dos de sus filmes más recientes: Éternité, la historia de las mujeres de tres generaciones que definen una familia a través de un siglo, y L’odyssée, película biográfica del famoso oceanógrafo Jean-Michel Cousteau.

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La actriz estuvo en la proyección de ambas películas y se dijo feliz de la cálida bienvenida que le dieron en Morelia.

“Estoy impresionada por el recibimiento, ha sido realmente una fortuna presentar esta noche L’Odyssée. Es un momento inolvidable que me ha conmocionado”, dijo.

La viuda de George Harrison acude a proyección de su documental

Olivia Harrison, la viuda del músico británico y exintegrante de Los Beatles, George Harrison, y Margaret Bodde, directora de The Film Foundation, estuvieron presentes en la proyección de George Harrison: Living in the Material World, documental en el que Martin Scorsese examina la vida del músico a través de entrevistas, clips de conciertos, películas caseras y fotografías.

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La cinta obtuvo en 2012 dos Emmy (uno por Dirección), además de haber sido nominado al BAFTA y ser reconocida como uno de los mejores documentales del año por el National Board of Review.

“Estoy feliz de que la cinta se proyecte en México, el país de mis ancestros. Mi nombre es Olivia Trinidad Arias. Comprenderán que esta película es sumamente personal, puesto que trata de un ser humano maravilloso y muy completo. Para hacerla contamos con Martin Scorsese en el guión: quién mejor que él para contar historias de esta manera”, señaló la viuda de Harrison.

El vigilante y La región salvaje ganan como Mejores largometrajes mexicanos

La cinta El vigilante, de Diego Ros, se coronó como Mejor largometraje mexicano mientras que La Región Salvaje, de Amat Escalante (premiado en Venecia como Mejor director) ganó el Premio Guerrero de la prensa a largometraje mexicano.

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Otros de los ganadores de la edición número 14 del FICM fueron:

• Premio del público para largometraje mexicano: Las tinieblas, de Daniel Castro.

• OJO a Primer o segundo largometraje mexicano: El sueño del Mara’akame, de Federico Cecchetti.

• OJO a largometraje mexicano y al Premio Stella Artois, El vigilante, de Diego Ros.

• Premio del publico, documental mexicano: Tempestad, de Tatiana Huezo

• OJO a largometraje documental y Premio Guerrero de la prensa a largometraje documental: Bellas de noche, de María José Cuevas.

• OJO a cortometraje documental, Juan Perros dirigido por Rodrigo Ímaz Alarcón.

• OJO a cortometraje de ficción, Verde dirigido por Alonso Ruizpalacios.

Lo mejor del FICM se proyectará en DF

Para quienes no pudieron ir a Morelia, se realizará una extensión del festival del 4 al 13 de noviembre en varios complejos Cinépolis (Diana, Miyana, Oasis, Perisur, Plaza Carso), además de en la Cineteca Nacional, la Filmoteca de la UNAM, el Parque México, el Foro Aragón y el Cine Tonalá.

La selección incluye algunas de las mejores películas proyectadas durante el FICM, como La chica del tren, Manchester by the Sea, L’odyssée, Sully, Neruda y Elle, además de los ganadores de largometraje, documental y cortos mexicanos.

Consulta la programación completa, o compra boletos, aquí.

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El viernes 21 dio inicio la edición número 14 del Festival Internacional de Cine de Morelia.

En estos días, se presentan 106 trabajos en competencia entre cortometrajes, documentales y largometrajes; además de más de 100 películas nacionales e internacionales, galas y funciones especiales.

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Fotos: Cortesía Festival Internacional de Cine de Morelia.

Aquí algunos de los mejores momentos y presentaciones que ha tenido el festival.

Gael García y Luis Gnecco inauguraron con Neruda

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Uno de los actores mexicanos más reconocidos en el extranjero, Gael García Bernal, fue el responsable de inaugurar el FICM, con su segunda colaboración (la primera fue No) con el cineasta chileno Pablo Larrain: Neruda.

En la película el actor interpreta a Óscar Peluchonneau, inspector que intenta capturar al poeta en una historia que se mueve entre la realidad y lo onírico. García Bernal se dijo feliz de poder regresar a la que considera “su tierra”.

“Estoy encantado de estar aquí, siento que he estado más veces, pero quizá sea por la intensidad de las visitas”. El actor finalizó su intervención leyendo dos poemas de Neruda.

Manolo Caro es ovacionado con La vida inmoral de la pareja ideal

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El director responsable de cintas como Amor de mis amores y Elvira, Te daría mi vida pero la estoy usando, presentó su más reciente trabajo, La vida inmoral de la pareja ideal, película que reúne a un elenco envidiable y que nos recuerda la emoción del primer amor al ritmo de un gran soundtrack de rock noventero.

Casey Affleck presentó Manchester by the Sea

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El hermano menor de Ben Affleck, y quien suena como uno de los mayores contendientes para la temporada de premios del próximo año, presentó su más reciente filme: Manchester by the Sea, en el que da vida a un hombre cuya vida cambia al morir su hermano y que tiene que regresar a confrontar su pasado, y sus demonios, a su pueblo natal.

Su visita al FICM incluyó la develación de una butaca con su nombre y la presentación de la cinta ante una sala completamente llena, en la que se dijo honrado por los reconocimientos que ha obtenido.

“Agradezco los comentarios sobre mi trabajo, la verdad estoy muy agradecido con la gente con la que colaboro porque son personas que admiro, que considero muy valiosas. Creo que sólo de vez en cuando tienes la oportunidad de hacer joyas como esta”, señaló.

Demian Bichir debuta como director

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El actor mexicano nominado al Óscar por su trabajo en A Better Life presentó su primer largometraje como director: Un cuento de circo & a Love Song, que narra el pasado de un niño que crece en el circo, y el presente de este mismo hombre cuando se enamora de una bailarina exótica, interpretada por su novia en la vida real: Stefanie Sherk.

El actor compartió que desde que conoció a Sherk, cuando eran vecinos, le ofreció un papel como bailarina y años después pudo cumplirle esta promesa.

La película cuenta con un reparto envidiable que incluye a Arcelia Ramírez, Jorge Perugorría, Eva Longoria y Ludwika Paleta; entre otros, pero la verdadera protagonista es Sherk, pues la cinta se siente como un regalo para ella.

“Los personajes femeninos de esta película son mis favoritos, entrañables, y creo que el personaje de Stefanie Sherk es muy complejo, no sólo por lo demandante, sino por toda la gama de emociones por las que atraviesa, hizo un trabajo extraordinario”, apuntó Bichir.

Amat Escalante aconsejó a estudiantes

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El cineasta que acaba de ser reconocido con el León de Plata como Director en el pasado Festival de Cine de Venecia, mostró el trabajo que lo hizo acreedor a este reconocimiento: La región salvaje, cinta sobre un grupo de jóvenes cuya vida cambia al interactuar con un ser de otro planeta.

Una estudiante del público le pidió al realizador un consejo para poder dedicarse al cine y éste le dijo que saliera al exterior para inspirarse, pues a él le ha servido para armar sus historias.
“Váyanse a caminar solos a la montaña. Así ocurren cosas interesantes. Es lo que he hecho. Hay mucha invasión al cerebro y se necesitan este tipo de tiempos. Si no se encuentra lo que realmente se desea, va a ser difícil realizar algo nuevo”, aconsejó.

Aaron Eckhart habla sobre filme que homenajea Nueva York

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El actor, conocido por su papel de Dos Caras en The Dark Knight, da vida al copiloto Jeff Skiles en la más reciente cinta de Clint Eastwood: Sully, enfocada en el piloto que salvó la vida de 155 personas en el aterrizaje forzoso sobre el Río Hudson, en Nueva York, el 15 de enero de 2009.

El actor dijo haber tenido oportunidad de platicar con Skiles, quien le contó de primera mano cómo fueron los minutos anteriores al impacto y todo por lo que él y Sully pasaron después, pues las instituciones aeronáuticas cuestionaron fuertemente la decisión del acuatizaje.

“El piloto Jeff Skiles hizo todo el trabajo conmigo, me describía los sonidos, los olores, todo lo que sintieron. Me decía que la peor pesadilla que le puede ocurrir a un piloto es no escuchar el sonido del motor”, compartió.

El actor que manifestó su interés de trabajar con Alfonso Cuarón al ser reconocido con una butaca con su nombre, se dijo conmovido de poder dar vida a una historia positiva de Nueva York.

“Al igual que Tom Hanks y Clint Eastwood, me vi muy afectado por el 11 de septiembre, tanto como cualquier otro ciudadano estadounidense. Ese día existió el temor de ver volar un avión sobre Nueva York a tres mil pies de altura; pensar que podría repetirse la historia. Luego de 15 años la gente no se recupera del ataque, todavía es algo muy reciente en nuestra mente y en nuestras vidas. Cuando vimos ese avión aterrizar nos dimos cuenta de que no era un acto de terrorismo, sino una historia de heroísmo”.

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La vida inmoral de la pareja ideal

Director: Manolo Caro
Género: Comedia
Guionista: Manolo Caro
Actores: Cecilia Suárez, Manuel García-Rulfo, Ximena Romo, Sebastián Aguirre, Paz Vega, Mariana Treviño, Andrés Almeida, Natasha Dupeyrón

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Presentada y ovacionada dentro del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), el cuarto largometraje de Manolo Caro es sin duda su mejor logrado gracias a un elenco cohesionado, un guión con buen ritmo —un vaivén entre pasado y presente—  y una cuidada fotografía que muestra una de las ciudades más bonitas de México: San Miguel de Allende.

La película se centra en la relación entre dos adolescentes: Martina (Ximena Romo) y Lucio (Sebastián Aguirre).Tienen un reencuentro casi 25 años después ya como adultos (interpretados por Cecilia Suárez y Manuel García-Rulfo).

Lo mejor de esta película es que al centrarse en contar la historia de estos dos jóvenes, se nos recuerda la emoción, los nervios, la adrenalina, la energía y la intensidad provocadas por un primer amor.

Otra de las virtudes de Caro es que a pesar de ser una película coral contada en dos tiempos, sabe sacar lo mejor de sus actores: Romo sobresale por su presencia y belleza, Aguirre con su ternura y sensibilidad, Vega con su carisma y energía, Treviño con su frescura y espontaneidad, Rulfo promete como uno de los próximos talentos mexicanos de exportación (que ya brilló en Los siete magníficos) y Suárez nos muestra una faceta más ligera y cómica, que normalmente no estamos acostumbrados a ver de ella.

Caro tuvo sus inicios como director de teatro, y eso se nota en la evolución que ha tenido como realizador de cine; sobre todo, en el clímax de esta cinta: la escena de la cena, en donde convergen distintas personalidades y posturas; el pasado, el presente y el futuro.

Otro de los mejores componentes de La vida inmoral de la pareja ideal es la elección de la banda sonora, cuya supervisión musical corrió a cargo de la talentosa Lynn Fainchtein (responsable de Amores Perros, 21 Gramos, Birdman y The Revenant) y que aquí incluye temas que marcaron a una generación: “Cuando pase el temblor” de Soda Stereo, “Estrechez de corazón” de Los Prisioneros, “Amarillo azul” de Thalía, “No dejes que” de Caifanes y “Beber de tu sangre” de Los amantes de Lola.

Si algo podemos cuestionarle a la película, es la sencillez del conflicto que en el pasado separó a los personajes y que se resuelve tan rápido más adelante. No obstante, Caro logra una comedia ágil, divertidas actuaciones, una buena propuesta visual y una extraordinaria banda sonora. En definitiva, la mejor película de Caro, y quizá, una de las comedias mexicanas más divertidas, y prometedoras, de este año.

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Treintona, soltera y fantástica
Director: Chava Cartas
Género: Comedia
Guionistas: Juan Carlos Garzón y Angélica Gudiño
Actores: Bárbara Mori, Juan Pablo Medina, Héctor Bonilla, Angélica Aragón, Andrés Almeida, Marimar Vega, Natasha Dupeyrón y Jordi Mollà

 

treintona

Tener treinta y tantos y seguir soltera puede ser, para muchas, una tragedia; al menos lo es para la gente alrededor de Inés (Bárbara Mori), quien luego de terminar una larga relación con Marco (Andrés Almeida) se ve nuevamente navegando en las aguas de la soltería; a veces dulces, otras, un tanto amargas.

Inés tiene un trabajo que le gusta y varios amigos, aunque poco a poco se da cuenta de que las cosas han cambiado los últimos años y quienes antes la acompañaban a beber o a fiestear hoy tienen que cuidar hijos y atender una casa.

Ésta es una realidad innegable para cualquier persona en sus treinta. Si no se tiene pareja los planes sociales parecen cada vez más limitados y, a menos que se tenga  amigos en igualdad de circunstancias, es difícil tener una vida social parecida a la que se tenía a los veinte.

Ése es uno de los principales aciertos de la película: reflejar, tal cual, lo difícil que es para una mujer seguir soltera después de los treinta; porque, quitando los comentarios mala onda de las tías metiches o las incisivas observaciones de la mamá sobre la fértilidad, probablemente lo más difícil de no tener pareja es lo complicado que resulta hacer vida social.

La película toma como base los textos de la divertida escritora Juana Inés Dehesa (Treintona, soltera y fantástica. Manual de supervivencia) y gracias a un guión de Juan Carlos Garzón y Angélica Gudiño, logra sentirse muy contemporánea.

Y es que Inés, como buen personaje del siglo XXI, intenta varias rutas para seguir su vida: salir con amigos gay, ser mal tercio o recurrir a Tinder, esa plataforma que te conecta con extraños que pueden resultar tu próximo mejor amigo o la persona más rara que te hayas topado jamás.

Como muchos, Inés no tiene mucha suerte en el mundo virtual y tiene que seguir haciendo su mejor esfuerzo en el real. Lo bueno, es que cuenta con su siempre fiel amigo, “Sensei”.

Sensei, interpretado por Juan Pablo Medina, refleja fielmente el terror de cualquier hombre, o quizá de cualquier persona: ser friendzoneado; porque, de verdad, qué complicado es estar tan cerca de una persona con la que se desearía intercambiar algo más que penas.

Claramente enamorado de Inés, Sensei hará su mejor esfuerzo por conquistarla, pero –al igual que cualquiera que haya pasado por esta situación–, el resultado que obtendrá será un volado.

Después de filmes con una carga dramática importante: Alicia en el país de María, Cosas insignificantes; Amor, dolor y viceversa y la serie Dos lunas, Mori se da permiso de volver al género que le ha ganado varios seguidores: la comedia. Su interpretación en Inspiración y Pretendiendo no pasó desapercibida y los buenos resultados que está teniendo en taquilla, Treintona…, son un claro ejemplo no sólo de que esta actriz es divertida, sino de que el público mexicano disfruta, y favorece, las comedias (allá siguen y seguirán en los primeros lugares de taquilla No se aceptan devoluciones, Nosotros los Nobles, Qué culpa tiene el niño y un largo etcétera).

El director Chava Cartas, conocido sobre todo por su trabajo en series como Los héroes del norte, Gossip Girl: Acapulco y Señorita pólvora, muestra una evolución en su dirección de actores, además de un buen manejo del ritmo y un trabajo coordinado con su director de fotografía (Patricio López).

Aunque Treintona, soltera y fantástica no es perfecta, -cae en demasiados clichés o resulta en momentos muy predecible-, sí es muy entretenida, además de tener como principal valor una protagonista de la que podemos aprender que, con o sin pareja, con o sin presión social, hay que seguir siendo fieles a nosotros mismos.

A diferencia de otras comedias románticas ésta no se trata de si “una chica consigue o no al chico”, es sobre una mujer treintona que, aunque cambia de circunstancias y está soltera, no deja de ser fantástica; y eso, vale la pena aplaudirlo.

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Luego de concluir mi visita a la edición número 41 del Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF), puedo decir que el horizonte cinematográfico pinta excepcional; los trabajos que se exhibieron en este certamen seguramente encabezarán la época de premios que inicia con los Globos de oro (cuyos miembros tuvieron presencia en el festival) y que culmina con los Óscar, que se celebrarán el 26 de febrero de 2017.

He aquí mis películas favoritas, ordenadas alfabéticamente:


Arrival
Director: Denis Villeneuve  
Elenco: Amy Adams, Jeremy Renner and Forest Whitaker

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Fotografías: Cortesía TIFF

Coincide que la primera en la lista es mi definitiva favorita. Esta adaptación de la historia corta de Ted Chiang muestra cómo 12 naves extraterrestres se estacionan en la tierra y grupos de científicos y lingüistas deben descubrir con qué objetivo.

La cinta de Denis Villeneuve, responsable de Sicario, es redonda de principio a fin; una interesante muestra de cómo podría ser realmente una invasión alienígena —lejos de la mirada Hollywoodense de extraterrestres siempre caricaturescos, o agresivos—.

Amy Adams brilla como la experimentada lingüista que necesita aprender a comprender no sólo otro lenguaje, sino a trazar puentes entre ambas culturas y así evitar un desastre global. Destaca también la fotografía de Bradford Young y la música del islandés Jóhann Jóhannsson.


La la Land
Director: Damien Chazelle
Elenco: Ryan Gosling y Emma Stone

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Un pianista de jazz y una aspirante a actriz que se enamoran en Hollywood mientras intentan alcanzar sus metas fue la ganadora del Premio del Público.

La película de Chazelle, director de Whiplash, había sido un éxito en Venecia y lo fue también en Toronto, con proyecciones completamente llenas y públicos que aplaudían los elaborados números musicales (mención especial a la secuencia inicial).

La química que Stone y Gosling lograron en Crazy, Stupid, Love sigue presente y aunque podría ser que se esperaba una película menos triste, este trabajo es muy meritorio.


Lion
Director: Garth Davis
Elenco: Dev Patel, Rooney Mara y Nicole Kidman

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La película tiene una premisa curiosa: un joven indio que fue adoptado por una pareja australiana desea encontrar a su verdadera madre a través de la tecnología, pero este caso está basado en la vida real de Saroo Brierley, quien se propuso, 25 años después, encontrar su hogar natal empleando Google Earth. Destaca la actuación de Dev Patel, estrella de Slumdog Millionare.


Manchester by the Sea
Director: Kenneth Lonergan
Elenco: Casey Affleck, Michelle Williams and Kyle Chandler

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Kenneth Lonergan, conocido por trabajos teatrales y por dos cintas: You Can Count on Me y Margaret dirige esta cinta de un hombre solitario que, ante la muerte de su hermano, debe regresar a su pueblo para hacerse cargo de su sobrino. Las actuaciones son brillantes; Affleck bien podría ser nominado al Óscar y lo mismo Williams como Actriz de reparto. No es una película fácil, pero sí realista y sumamente poderosa.


Neruda
Director: Pablo Larraín
Elenco: Luis Gnecco, Gael García Bernal

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Además de un aclamado poeta, Neruda fue muy conocido por su actividad política; la película de Larraín se enfoca justo en este aspecto, en el momento en que el gobierno buscaba detener a Neruda y un personaje ficticio: el policía Óscar Peluchonneau (García Bernal) intenta evitar que salga del país. Esta persecución lleva a los personajes por los campos y montañas de Chile, bien fotografiados por Sergio Armstrong, mientras escuchamos las reflexiones casi oníricas de Peluchonneau, a quien Neruda construye como si se tratara de un personaje de sus libros.


Queen of Katwe
Director: Mira Nair
Elenco: David Oyelowo y Lupita Nyong’o

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En el pueblo de Katwe, en Uganda, ya es suficientemente complicado sobrevivir al día a día, pero una joven, Phiona (Madina Nalwanga), encuentra en el ajedrez un escape para su realidad y esta pasión la lleva a competencias nacionales e internacionales. La película, respaldada por Disney y comandada por Nair, resulta inspiradora.


Snowden
Director: Oliver Stone
Elenco: Joseph Gordon-Levitt, Shailene Woodley, Zachary Quinto y Nicolas Cage.

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En 2013, Edward Snowden fue noticia por dar a conocer documentos que detallaban los programas de vigilancia de la CIA que comprometían la privacidad de los americanos. Aquí, Stone, responsable de JFK (1991) y Nixon (995), regresa a los thrillers políticos con esta historia real que ha causado controversia, pues Snowden sigue siendo una persona non grata para Obama, la CIA, el gobierno americano y por ello sigue sin poder regresar a Estados Unidos.


Their Finest
Director: Lone Scherfig
Elenco: Gemma Arterton, Sam Claflin, Bill Nighy, Jack Huston

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En medio de la Segunda Guerra Mundial parecería que no había mucho lugar para pensar en entretenimiento, pero en medio de este conflicto una pequeña compañía se propone completar la filmación de una película, en esta obra de Lone Scherfig, responsable de An Education y que, al igual a como lo hizo en aquella cinta con Carey Mulligan, vuelve a poner a una relativa desconocida como protagonista, Gemma Arterton, quien realiza un excelente trabajo que se complementa con la participación de Bill Nighy y Sam Claflin.


Sing
Director: Garth Jennings
Elenco: Matthew McConaughey, Reese Witherspoon, Scarlett Johansson, Taron Egerton, Tori Kelly

sing

No esperaba demasiado de los responsables de crear los Minions y que en verano lanzaron una de las cintas menos bien logradas de animación: Pets (La vida secreta de tus mascotas); no obstante, este trabajo deja atrás aquellas historias para enfocarse ahora en un koala soñador: Buster.

Este protagonista intenta que su nueva producción evite que su teatro se vaya de la quiebra, así que reúne a un grupo de inadaptados animales entre los que destacan las voces de jóvenes talentos de Taron Egerton y Tori Kelly, y aunque figuras como Witherspoon y Johansson vuelven a demostrar habilidades para el canto, los más chicos son quienes brillan con las animadas canciones compuestas para la película, que se mezclan con un soundtrack que personas de todas las edades pondrán tararear (aunque sea en bajito).


A United Kingdom
Director: Amma Asante
Elenco: Rosamund Pike, David Oyelowo, Tom Felton

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La cinta está basada en la historia real del príncipe Seretse Khama de Botswana, quien en los años 40 causó un revuelo internacional al elegir casarse con una mujer blanca, decisión desaprobada no sólo por la familia real, sino también por el gobierno de Inglaterra, quien tenía intereses económicos y políticos en aquel país.

El trabajo de Oyelowo es impecable y Pike, conocida por Gone Girl, continúa construyendo una prolífica carrera.

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