Del 10 al 17 de marzo, se celebró la edición número 32 del Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG), una de las plataformas más importantes para la difusión y promoción del cine mexicano e iberoamericano.

Este certamen ha servido no sólo para generar audiencias para las películas mexicanas, sino también para contribuir a la industria gracias a su mercado de cine, sus encuentros de coproducción y su sección formativa (Talents Guadalajara), facilitando el acercamiento entre público y creadores.

Nexos estuvo presente en esta trigésimo segunda edición del FICG, en donde estos fueron algunos de los destacados.

Cine incluyente

Durante esta edición, el programa incluyó películas enfocadas en personas con capacidades diferentes, como Resurrecting Hassan, enfocada en la familia Harting, en la que dos padres y una hija invidentes se ganan la vida cantando en las estaciones de metro de Montreal. Este documental, presentado en diferentes festivales, ganó el gran premio del Montreal International Documentary Festival.


Resurrecting Hassan

Representando a Sudamérica, Los Niños, de la cineasta chilena Maite Alberdi, mostró una comunidad de adultos son Síndrome de Down que intenta ganarse legitimidad y un trato adulto, tarea difícil pues son parte de familias en las que siguen tratándolos como niños. Aún así, la cinta muestra sus progresos para poder vivir de manera más independiente, e incluso, poder casarse (en un país donde está prohibido que gente con esta condición lo haga).


Los Niños

Diversidad sexual

Acorde a los tiempos que vivimos, y como el cine es un medio ideal para luchar contra la intolerancia, la programación incluyó diferentes trabajos con temática homosexual o de diversidad de género, entre ellas, la valiosa Últimos días en La Habana, sobre un hombre gay que, a pesar de vivir con SIDA, tiene siempre una buena actitud y una sonrisa para los demás. Jonathan, sobre un hijo que debe cuidar a su padre moribundo, pero en el proceso descubre que éste es homosexual y que lo mantuvo siempre en secreto. Y una de las mejores propuestas: Just Charlie, enfocada en un joven que se siente atrapado en un cuerpo que no le corresponde, en consecuencia, debe enfrentarse a la sociedad, a sus padres, y a sí mismo.


Últimos días en La Habana


Just Charlie

También durante esta edición se reconoció al actor mexicano Alfonso Herrera con el Premio Maguey Ícono Queer que destaca a personas que se han manifestado a favor de la libertad y de la aceptación y que se han convertido en un emblema de una cultura diversa y transgresora. Herrera dio vida a un personaje gay en la serie de Netflix Sense8 y es parte de diversas campañas de concientización y organizaciones humanitarias como Grabadores Mexicanos Unidos y es embajador de la fundación The Non-Violence Project.

Muestra de cine socioambiental

Al igual que otros festivales, como Sundance, que tuvieron este año una sección dedicada al medioambiente (The New Climate), el FICG celebró la Novena Muestra de Cine Socioambiental que expuso 9 largometrajes y 20 cortometrajes con temática ambiental y social, resultado de la alianza entre el Museo de Ciencias Ambientales, el FICG, el DIS y Film4climate.

Como parte de esta muestra se proyectaron trabajos como Fuocoammare que muestra la vida de los habitantes de la isla italiana Lampedusa y las consecuencias de la migración Siria. El documental mexicano Resurrección mostró cómo han cambiado las cosas en las Cataratas de Juanacatlán, antes consideradas “el Niágara” de México y hoy convertidas en aguas tóxicas por la cantidad de contaminantes que las fábricas tiran al río (hecho que no sólo cambió el panorama turístico, sino que afectó la salud de los habitantes, quienes padecen en consecuencia todo tipo de tumores y cáncer). Otro filme de este programa fue Nahui Ollin, sol de movimiento, un documental colectivo en el que 8 realizadores mostraron los avances y consecuencias del cambio climático.

Alemania, invitado de honor

Como parte del Año Dual Alemania-México 2016-2017, el país Europeo y principal socio comercial de México en la Unión Europea fue el invitado de honor del festival. Gracias a la colaboración entre el Goethe Institut Mexiko y German Films y a la aportación de los patrocinadores del Año Dual y del propio FICG fue posible presentar un extenso programa de cintas germanas, así como coproducciones con otros países. El festival inauguró con la más reciente producción del director Fatih Akin: Tschick, sobre dos jóvenes que roban un auto y emprenden un road trip. También se presentaron trabajos de directoras alemanas como Salvaje de Nicolette Krebitz, 24 Semanas de Anne Zohra Berrached, la nominada al Óscar Toni Erdmann de Maren Ade y Axolotl Overkill de Helene Hegemann, recientemente estrenada en Sundance.

Cine Culinario

Inspirada en la Berlinale, Guadalajara incluyó este año proyecciones de películas a las que les siguió un evento culinario: en Bugs (Dinamarca 2016) el equipo del Nordic Food Lab de NOMA, el mejor restaurante del mundo, viaja por distintos países para aprender sobre los millones de personas que consumen insectos. Si corre o vuela… a la cazuela mostró la peculiar y especial riqueza gastronómica del pueblo Hñähñü y continuó con una cena en Romerita 28. Todo Sobre el Asado, una road movie argentina enfocada en el asado, culminó en una comida argentina callejera en la Rambla Cataluña y El maíz en tiempos de guerra ilustró el proceso del maíz a través del testimonio de tres familias indígenas y acabó en una cena en Café pal Real.

Jim Sheridan da Cátedra contra muros

El cineasta irlandés Jim Sheridan visitó por segunda ocasión el festival para protagonizar la Cátedra Julio Cortázar con la conferencia “Bridget That Bring Down Walls”.

El director de Mi Pie Izquierdo, Tierra de sueños y En el nombre del padre compartió su opinión sobre el actual presidente estadounidense: “No entiendo las políticas de Trump, no tienen sentido. La globalización no se puede parar y el problema se encuentra en las pequeñas diferencias de los famosos estados rojos protestantes”, apuntó.


Jim Sheridan

Durante la charla, habló también sobre su experiencia como migrante y concluyó su participación diciendo que una de las maneras de dimensionar la situación política que vivimos, es a través del cine.

Las películas premiadas

El día de la clausura se eligieron los mejores trabajos de esta edición; entre ellos:

PREMIO MEZCAL


Jurado Mezcal

Mejor Película Mexicana
“La Libertad del Diablo” (Dir. Everardo González)

Mejor Director – Mayahuel
Sofía Gómez Córdova por "Los Años Azules"

Mejor Cinefotógrafo – Mayahuel
María Secco por: "La Libertad del Diablo"

Mejor Actor – Mayahuel
José Manuel Poncelis y Eligio Meléndez por: “Sueño en Otro Idioma”

Mejor Actriz – Mayahuel
Paloma Domínguez por: "Los Años Azules"

Premio del Público
"Ayúdame a Pasar la Noche" (Dir. José Ramón Chávez Delgado)

Largometraje Iberoamericano de Ficción

Mejor Película
“Santa y Andrés”  (Dir. Carlos Lechuga)

Premio Especial del Jurado
“Carpinteros” (Dir.  José María Cabral)

Documental Iberoamericano

Mejor Documental
“La Libertad del Diablo” (Dir. Everardo González)

PREMIO MAGUEY


Jurado Premio Maguey

Mayahuel
“Corpo Elétrico” (Dir. Marcelo Caetano)

Premio Especial del Jurado – Mayahuel
“Santa y Andrés”  (Dir. Carlos Lechuga)

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La libertad del diablo
Director: Everardo González
Género: Documental
Guión: Everardo González

Se han contado muchas historias sobre los desparecidos en México: en películas de ficción, en documentales y, por supuesto, en los noticieros. Pero lo que hace único al documental La libertad del diablo es que en lugar de enfocarse sólo en las víctimas, la policía o el ejército muestra además las voces de los asesinos. Así muestra todas las caras de un mismo problema.

El documental tiene una estética diferenciadora: muestra a los entrevistadores bajo una máscara de tela (similar a la que se emplea con gente quemada). Les cubre casi todo el rostro, sólo vemos los ojos y la boca. Sólo con la voz cuentan su historia.

La máscara tiene el objetivo de que quien esté frente a la cámara conserve el anonimato, pero al mismo tiempo les permite confesarse, compartir pensamientos, emociones y reflexiones con quien está enfrente, pero también consigo mismos.

El documental muestra testimonios de jóvenes que quedaron huérfanos, hermanos que se han quedado sin su compañero de sangre o madres que han perdido a sus hijos. No sabemos sus nombres y tenemos poca información de quiénes son o del lugar en el que viven. Sólo conocemos un fragmento de su historia, de su pérdida.

Dentro de los testimonios de policías y miembros del ejército hay diferentes posturas: la de quienes ya no querían dedicarse a ese trabajo, la de los que se corrompieron o la de los que están arrepentidos. Pero probablemente los testimonios más sorprendentes sean los de los asesinos: gente que aunque en un inicio encontró difícil ejecutar ese vil trabajo con el paso del tiempo y de los muertos ya no siente nada.

El director, Everardo González, es uno de los documentalistas más sólidos de nuestro país gracias a trabajos como La canción del pulque(2003), Los ladrones viejos. Las leyendas del artegio (2007) y Cuates de Australia (2011), cintas que han sido reconocidas tanto en festivales de México como del extranjero. Ahora, con esta nueva propuesta, logró ya el Premio Amnistía Internacional en la pasada Berlinale y los más grandes honores del Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG): el premio Mezcal como Mejor Película Mexicana, Mejor Cinematografía y Mejor Documental Iberoamericano.

La fotografía, de María Secco, nos muestra de manera precisa y cercana los testimonios, que se complementan con viñetas de la vida cotidiana: familias posando en el interior de sus casas, soldados en la parte trasera de una camioneta o metáforas como la quema de un auto.

Con esas imágenes y esas voces resulta imposible quedar indiferente tras ver La libertad del diablo, tras conocer estas historias, estas vidas, recordando que esos horrores ocurrieron a kilómetros de nosotros, en nuestro propio país.

Este documental desesperanzador es un trabajo que se siente no sólo oportuno, sino necesario: formativo para comprender mejor el panorama de violencia de nuestro país. En México, por unos pesos, quien fue víctima en cualquier momento puede volverse victimario. Con el diablo adecuado cualquier infierno es perfecto.

La libertad del diablo se exhibirá como parte del festival Ambulante

Horarios en: http://www.ambulante.org/documentales/la-libertad-del-diablo/

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Adaptar una de las películas más recordadas de Disney no era tarea fácil, pero luego de tener experiencia en proyectos independientes como Gods and Monsters, blockbusters como Twilight y musicales como Dreamgirls, Bill Condon resultaba idóneo para dirigir La Bella y la Bestia.

Durante su reciente visita a México para promocionar la cinta, conversamos con el también guionista de Chicago sobre cómo logró las secuencias musicales, los cambios en la historia y en los diálogos y sobre el mensaje fundamental —con más relevancia que nunca— de tener empatía y no temerle a lo desconocido.


Fotografías: Cortesía Disney

Mariana Mijares: Bill, tenías experiencia con musicales luego de haber escrito el guión de Chicago y de dirigir Dreamgirls, ¿cómo elegiste filmar los números musicales de La Bella y la Bestia? ¿Con canto en vivo o playback?

Bill Condon: Hicimos una combinación entre ambos. Decidimos recrear números en vivo porque teníamos a un muy buen coreógrafo además de actores experimentados del West End que interpretaron a los habitantes del pueblo. Había de todas las edades, pero, por ejemplo, los actores de más de 60 años, llevan más de 40 años en los escenarios, y todos fueron maravillosos porque ensayaron durante meses como si fuéramos a estrenar una obra. En otros números, como el de Maurice, o cuando Bella regresa a su pasado (“How Does A Moment Last Forever —Montmartre—”), Kevin Kline y Emma Watson cantaron en vivo.

MM: Cuentas que preparar esta película fue como preparar un musical de teatro. En ese sentido, ¿los actores ensayaron mucho contigo antes del rodaje?

BC: Sí, por ejemplo, ignoramos el hecho de que Emma Thompson se convertiría en una tetera, y con ella discutimos y ensayamos la escena como si la fueran a actuar en vivo. Los ensayos fueron tan cruciales y nos ayudaron tanto, que cuando nos juntamos a hacer la lectura final, cada actor no sólo pudo ver lo que harían los otros, sino que todos estaban listos como para actuar toda la película como si fuera un musical de teatro.

MM: Analizando la película encontré algunos cambios en la historia, a nivel de guión y a nivel producción, como por ejemplo los vestuarios, que no son una réplica exacta de la versión animada…

BC: Correcto, nuestros vestuarios corresponden al periodo de la historia, aproximadamente 1740 en Francia, y quisimos hacerlos lo más reales posibles. Pero también tuvimos que recrear vestidos icónicos de la película animada, como el amarillo del baile, que estrictamente no tiene el estilo de esa época, pero queríamos que fuera apegado al original. En términos de guión, como director siempre aspiras a que tus actores conozcan mejor que tú a sus personajes, especialmente cuando son buenos actores así que, por ejemplo, Josh Gad fue el relief cómico, y siempre lo motivé a que fuera “el más americano” y el contemporáneo del grupo. Muchas de sus líneas provinieron de él mismo. Me da gusto que lo hayas notado porque la gran mayor parte de nuestros diálogos fueron reinventados y tuvimos que reinventarlos no sólo porque ésta es una versión live action, sino también porque es una película para 2017.

MM: Tienes un elenco envidiable: Emma Thompson, Ian McKellen, Ewan McGregor, Audra McDonald, sin duda todos grandes talentos, pero ¿por qué no repetir voces que todos recordamos, como Angela Lansbury?

BC: Angela Lansbury es icónica, y sin duda todos la recordamos, pero no podía nuevamente interpretar a este personaje porque, como la volvemos humana al final y tiene un hijo, la edad ya no hacía sentido… Pero es curioso, Emma Thompson entró a esta película luego de hacer el papel de “Mrs. Lovett” en Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street, papel que Angela originó en 1979. Así que Emma bromeaba continuamente con que ahora solo hacía papeles de Angela, pero es lindo porque ellas son amigas. Sobre los demás, sabemos que Ian McKellen es un experto en Shakespeare, pero este tipo de comedia le sale muy natural y desde la primera lectura dominó cada línea. Y Ewan McGregor aportó una chispa muy especial y juvenil.

MM: ¿Cuál fue tu mayor reto durante esta película?

BC: El número musical de “Be our Guest” (“Nuestro Huésped sea Usted”) sin duda fue lo más difícil, ¡porque nadie existía!, fue un acto de pura imaginación. También fue todo un reto hacer cada escena con la Bestia, porque si todo lo demás funcionaba y la Bestia no, habríamos estado en problemas…

MM: Uno de los mejores mensajes de la película es que hay que aprender a encontrar lo mejor de los otros y a no temerle a lo desconocido, un mensaje importante para los tiempos que estamos viviendo…

BC: Completamente. Hay una canción que dice que no nos gusta lo desconocido porque nos asusta, y creo que Gastón, el villano de la película, simboliza eso. Tiene esa característica que apela a los miedos de los demás para lograr su objetivo, y desafortunadamente eso es algo que está pasando en el mundo: siempre ha existido, pero ahora más que nunca es importante. Pero también es lindo que en esta película, dentro de este universo, esas fuerzas se contrarrestan con el poder de objetos animados y teteras; y sobre todo, con amor, eso me da esperanza….

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La bella y la Bestia
(Beauty and the Beast)
Director: Bill Condon
Género: Romance
Guionistas: Stephen Chbosky y Evan Spiliotopoulos
Elenco: Emma Watson, Dan Stevens, Kevin Kline, Luke Evans, Ewan McGregor, Ian McKellen, Emma Thompson


Fotografías: Cortesía Disney

La bella y la Bestia tiene su origen en un relato de Jeanne-Marie Leprince de Beaumont. La versión animada es una de las películas más exitosas de Disney. Esto se mide en la taquilla , donde logró más de 400 millones de dólares. Además fue la primera cinta animada nominada al Óscar como Mejor Película y también pionera en convertirse en un musical de Broadway, pero también en su capacidad para permanecer en la mente y en los corazones del público  pese al paso del tiempo (Tale As Old As Time…).

Con esto en cuenta, Disney se enfocó en encontrar al elenco ideal para dar vida a los personajes de dicha historia. Así se eligió a Emma Watson (Bella), Dan Stevens (Bestia), Kevin Kline (Maurice), Luke Evans (Gastón), Josh Gad (LeFou), Ewan McGregor (Lumière), Ian McKellen (Cogsworth), Emma Thompson (Mrs. Potts), Audra McDonald (Madame Garderobe), y Stanley Tucci (Maestro Cadenza), entre otros, logrando un ensamble que conjuga talento, variedad y simpatía.

Al frente de todo está Watson, actriz altamente popular luego de dar vida a Hermione en la saga de Harry Potter y quien no sólo se parece físicamente a Bella, sino que logra proyectar las mejores cualidades del personaje: la valentía, nobleza y, sobre todo, la capacidad de ver lo bueno en el otro.

Desde la primera secuencia, Watson se adueña del personaje y nos hace sentir simpatía por esa hermosa joven que aspira a más que una “vida provincial”, y aunque la joven inglesa no tiene la voz de recientes protagonistas de Disney como Mandy Moore (Tangled), Idina Mezel (Frozen) o Auli’i Cravalho (Moana), la también Embajadora de Buena Voluntad de la ONU, contrarresta lo que le falta en voz con una gran mezcla de emociones.

Al mismo tiempo y gracias a la técnica de captura de movimiento, Dan Stevens, actor que saltó a la fama por dar vida a Matthew Crawley en Downton Abbey, logra capturar los sentimientos, no de una bestia, sino de un hombre atrapado en el cuerpo de una criatura, alguien que conoceremos a fondo. Conoceremos su pasado, sus circunstancias, sus miedos y cómo se va transformando gracias a la presencia y amor de Bella.

Sin duda, los mejores momentos de la cinta son justamente aquellos en que la bella y la bestia están juntos. Son escenas llenas de ternura y humor que nos dejan ver muchas de las emociones de los personajes, sobre todo en momentos como la interpretación del tema, “Something There”.

En el aspecto técnico, podría considerarse que esta cinta es cumbre en términos de producción: los vestuarios de la ganadora del Oscar, Jacqueline Durran, están confeccionados de acuerdo al periodo en que tiene lugar la película (mediados de 1700) y también se incluyen vistosos sets como el castillo o el interior de la biblioteca.

Sin embargo, hay algo que parece no estar a la altura: los objetos animados. En 1991, estos objetos eran una imitación de utensilios reales. Ahora, son como una imitación de la imitación, es como si durante la transición se hubiera perdido la magia de aquella encantadora versión animada expresada en personajes como la señora Potts que ahora es una desangelada tetera con una carita pintada en esta versión live action. Lo mismo pasa con Lumiére o Cogsworth (Dindon). La decisión de querer humanizar estos personajes acaba convirtiéndolos en objetos que no se parecen a los de la caricatura, pero tampoco al actor que los interpreta. No obstante, gracias al guión de Stephen Chbosky y Evan Spiliotopoulos y a las voces de talentosos actores, los objetos cumplen bien con ser los mejores cómplices de Bella, además de comic reliefs de la historia.

Mención aparte merece la música, que logra justificar la sola creación de este proyecto. No sólo regresan las canciones compuestas por Alan Menken, sino que se integran hermosos nuevos temas, como “Days in Sun”, en donde los habitantes del castillo anhelan los días en que eran humanos; “How Does A Moment Last Forever (Montmartre)”, un guiño al pasado de Bella y, sobre todo, “Evermore” (https://www.youtube.com/watch?v=UcsaqIsX-yk), un hermoso tema en el que la Bestia expresa sus sentimientos hacia Bella. También, en la secuencia de créditos finales puede escucharse otra versión de “How Does a Moment Last Forever” (https://www.youtube.com/watch?v=WnLsaCLdoMQ) en voz de Céline Dion, quien en 1991 interpretara la memorable “Beauty and the Beast”.

En suma, esta versión de La Bella y la Bestia no debe verse como un remake de la versión animada, sino como una nueva propuesta que incluye a una carismática actriz, a un Bestia que logra trasmitir emociones humanas, a simpáticos personajes secundarios, un impecable diseño de producción y letras y música de tres enormes talentos: Alan Menken, Howard Ashman y Tim Rice cuyos temas, seguramente, seguirán resonando en nuestras mentes, y corazones, aún con el paso del tiempo…

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La pasada entrega del premio Óscar, la Academia tomó una postura: la misma que ha tomado Hollywood desde las pasadas elecciones de Estados Unidos, la misma que hizo contundente Meryl Streep en su discurso de los Golden Globes y que establece que no están de acuerdo con las políticas migratorias y discriminatorias del presidente Donald Trump.

Esta postura se manifestó desde los primeros minutos, cuando Jimmy Kimmel, en su monólogo de apertura, señaló: “This broadcast is being watched live by millions of Americans and around the world in more than 225 countries that now hate us… I think that is an amazing thing. As you know — I don’t have to tell anybody — the country is divided right now”.

Después de algunas bromas, su discurso continuó: “I’m not the man to unite this country, but it can be done. You know, if every person watching this show — I don’t want to get too serious, but there are millions and millions of people watching right now, and if each and every one of you took a minute to reach out to one person you disagree with, someone you like, and have a positive, considerate conversation, not as liberals or conservatives, as Americans. If we would all do that we could make America great again — we really could. It starts with us”, señaló Kimmel antes de empezar a bromear con Matt Damon.

Pero la postura de la Academia no se limitó a los discursos, sino que alcanzó la elección de los ganadores; el primer premio de la noche: Mejor Actor de Reparto, fue entregado a Mahershala Ali, un actor nacido en California que se convirtió al Islam hace 17 años y cambió su apellido de Gilmore a Ali, convirtiéndose el domingo pasado en el primer actor musulmán de la historia en ganar un Óscar.

No hay que minimizar la actuación de Ali en Moonlight, donde da vida a un traficante de drogas; sin embargo, en esa misma categoría había contendientes que merecían más la estatuilla, como Michael Shannon cuyo trabajo en Nocturnal Animals fue contundente y que tiene una filmografía más sólida, o el joven Dev Patel, en quien recae casi todo el peso de la entrañable Lion(http://cine.nexos.com.mx/?p=14946).

Otras ganadoras remarcaron las creencias de la Academia: el ganador al Mejor Corto Documental: The White Helmets honró un trabajo sobre el grupo Syrian Civil Defense, que ha salvado 82 mil vidas en Siria (Trump prohibió recientemente la entrada de refugiados de este país a EUA).

Y, aunque no era la favorita ni el mejor trabajo del director iraní Asghar Farhadi, The Salesman fue elegida como Mejor Película Extranjera. Recordemos que esta elección se hizo en un tiempo en el que Trump decretó el travel ban, orden que prohíbe la entrada a Estados Unidos a personas originarias de Irak, Siria, Irán, Yemen, Sudán, Libia y Somalia; prohibiéndole en consecuencia a Farhadi la oportunidad de atender a la ceremonia.

Posteriormente, se le otorgó al director un permiso para viajar a Estados Unidos, pero él mismo, por convicción y solidaridad a sus compatriotas, decidió abstenerse de hacerlo: “My absence is out of respect for people of my country and those of other six nations whom have been disrespected by the inhumane law that bans entry of immigrants to the U.S.”, leyó Anousheh Ansari, la primera iraní en ir al espacio, en su nombre.

Sólo en esta categoría cintas como Land of Mine, de Dinamarca; Toni Erdmann, de Alemania y por supuesto Elle, que ni alcanzó la terna, habían obtenido mejores críticas y más reconocimientos.

Como Mejor Guión Adaptado Moonligt se llevó la estatuilla y sus guionistas la dedicaron a las personas que sienten que no tienen un espejo y cuyas vidas no son reflejadas. Sin embargo, guiones como Arrival y Hidden Figures tenían mejores diálogos, estructura. Tomando además en cuenta que el último tercio de Moonligt pierde ritmo y fuerza.

Obviamente, varios de los discursos de los ganadores versaron sobre el respeto, la tolerancia y la migración; incluso presentadores como el mexicano Gael García Bernal dejaron clara su postura política: “As a Mexican, as a Latin American, as a migrant worker, as a human being, I am against any form of wall that wants to separate us”, dijo inesperadamente el actor antes de presentar el Óscar a Mejor Cinta Animada.

Este reconocimiento lo obtuvo Zootopia y sus creadores agradecieron el recibimiento a una historia que destaca la tolerancia sobre el miedo al otro. Política aparte, Kubo and the Two Strings tenía más méritos cinematográficos.

Finalmente, y dejando de lado la controversia del error a la hora de entregar la estatuilla, la Academia eligió Moonligt como Mejor Película dejando fuera La La Land.

Haciendo un análisis objetivo de ambas cintas, La La Land contaba con una Mejor Dirección (Damien Chazelle se llevó la estatuilla), Fotografía (obtuvo el Óscar), Música (obtuvo el Óscar), Diseño de producción (obtuvo el Óscar) y actuaciones (ambos protagonistas estaban nominados y Stone se llevó la presea de Mejor Actriz); sin embargo, es cierto que Moonlight contaba con un mejor guión y, sobre todo, un mejor mensaje político.

La La Land celebra la industria cinematográfica, la época dorada de los musicales de Hollywood y a todos aquellos que han tenido un sueño; sin embargo, en estos tiempos pareció ser más importante honrar a una cinta que refleja una historia más urgente: la vida de un humilde joven afroamericano homosexual de Florida.

En lo personal, considero que si se iba a elegir a una cinta por su mensaje, eran mejores opciones Arrival, que habla sobre la comunicación, la tolerancia, la paz, la empatía y el entender que se debe ver lo desconocido no como enemigo, sino como una oportunidad de aprendizaje; o Hidden Figures, que celebra y honra a tres talentosas afroamericanas que, con inteligencia y carácter, contribuyeron a que Estados Unidos pudiera llegar a la Luna. Incluso Lion, que muestra un mundo globalizado y el valor de la tecnología, sin olvidar a Manchester by the Sea, que tenía uno de los mejores guiones del año y que habla sobre el perdón y la redención.

No obstante, y pese al desencanto de los seguidores de La La Land, hay que reconocer que Moonlight es una buena película, una historia que nos recuerda la importancia de la autoaceptación y de encontrar tu lugar en este mundo; un mundo que, aunque continúa relegando a las minorías, sobre todo bajo el mandato del actual presidente de Estados Unidos, puede seguir cambiando no sólo gracias a trabajos como Moonlight, sino a las posturas políticas que hemos visto en Hollywood. Ambos son microuniversos, pero ojalá, poco a poco, resuenen cada vez más.

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Un camino a casa
(Lion)
Director: Garth Davis
Género: Drama
Guionistas: Saroo Brierley (novela), Luke Davies
Elenco: Dev Patel, Nicole Kidman y Rooney Mara

Saroo (Sunny Pawar), de 5 años, pasa su niñez corriendo entre montañas de la India, jugando con su hermano Guddu (Abhishek Bharate) y ayudando a su madre a recolectar piedras hasta que una noche, accidentalmente sube a un tren que lo aleja 1500 kilómetros de casa hasta llegar a Calcuta. Sin conocimiento del nombre o ubicación de su pueblo natal, de sus apellidos u otros datos que ayuden a identificarlo en un país de más de un billón de habitantes, pierde a su familia para siempre.

Saroo es adoptado por una amorosa pareja australiana: Sue (Kidman) y John Brierley (David Wenham), quienes le abren la puerta a un nuevo mundo de oportunidades que lo transforma, dos décadas después, en un hombre hecho y derecho (Patel) que estudia hotelería en Melbourne. De este modo, Lion, ópera prima de Garth Davis, se cuenta en dos partes: la niñez y la juventud del protagonista.

Éste es un relato basado en la vida real de Saroo Brierle pero, además de contar este “camino a casa”, la película narra la historia de superación de un joven de origen hindú, criado en Australia —muestra del mundo globalizado—, y quien, al no sentirse del todo arraigado, decide intentar encontrar la que fuera su casa.

De entrada, Lion cuenta con un muy buen elenco que incluye a los niños Indios: Sunny Pawar y Abhishek Bharate quienes resultan realmente enternecedores, y vulnerables, a ellos se le suma Dev Patel, actor nacido y criado en Inglaterra —quien llamó la atención hace casi 10 años cuando interpretó al protagonista de Slumdog Millionaire— y quien logra aquí uno de los mejores papeles de su carrera. Como complemento están Rooney Mara y Nicole Kidman, quienes aún con roles menores, contribuyen a que conozcamos más del carácter y las luchas internas de este protagonista.

La cinta ha recibido varias nominaciones y reconocimientos por su cuidada manufactura. Hay que destacar la música de Dustin O’Halloran y Volker Bertelmann, la fotografía de Greig Fraser y la adaptación del guión de Luke Davies, quien tomó como base el libro del verdadero Saroo: A Long Way Home.

Sin duda, la tecnología ha cambiado la vida de muchos, pero la historia de Saroo es una muestra más de cómo los nuevos medios no sólo permiten estar en contacto con la gente, sino también, reconectar con quienes creíamos perdidos.

Aunque se conozca el desenlace de esta verídica historia, Lion resulta una película redonda y emocional que nos hace identificarnos con Saroo desde el principio. Lo conocemos a los 5 años y lo vemos crecer, aprender, equivocarse y esforzarse en encontrar su antiguo hogar, en un viaje de autodescubrimiento. Ambos procesos resultan conmovedores y, seguramente, provocarán más de una lágrima.

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Todos queremos a alguien (México, 2017)
Directora: 
Catalina Aguilar Mastretta
Género:
 Drama/Comedia
Guionista: Catalina Aguilar Mastretta
Actores: Karla Souza, José María Yazpik, Ben O’Toole, Tiaré Scanda

El trailer de Todos queremos a alguien no corresponde necesariamente a la película, y eso no está mal, porque significa que cada persona le podrá encontrar algo a esta historia; lo que sí debe saberse es que ésta no es una comedia sosa. Al contrario, incluye elementos que la hacen única: la doble cultura, los hermosos escenarios de Ensenada y las atinadas reflexiones de la protagonista.

Ella es Clara (Souza), una joven ginecóloga que vive y trabaja en Los Ángeles. Aunque todos los días ve personas enamoradas o parejas a punto de convertirse en padres, se ha vuelto cínica y ha dejado de creer en el amor. Los que no han dejado de creer son sus padres, quienes, casi 40 años después de hacer una vida en común, han decidido casarse. Clara necesita llevar a una pareja a dicha boda en Ensenada. Su hermana le recuerda que si es alguien ‘mono’ y con descendencia mexicana, mejor.

Clara no encuentra semejante sujeto, pero lleva a su compañero de trabajo: el australiano Asher (O’Toole), quien a todas luces parece inofensivo. Pero las cosas rara vez salen como se prevén y en el esperado evento Clara termina topándose con el único hombre que realmente ha significado algo en su vida: Daniel (Yazpik), su exnovio.

Con este planteamiento la película podría parecerse a otras comedias estadounidenses. Sin embargo, al haber sido escrita por Catalina Aguilar Mastretta, escritora y directora mexicana que radica en Los Ángeles desde hace varios años, la historia refleja la realidad de una migrante mexicana que vive y trabaja en Estados Unidos y que regresa continuamente a su país, a su familia. Esta circunstancia nos recuerda esa frontera sin muros, una en la que la protagonista no sólo tiene la facilidad de transitar entre un país y otro, sino de cambiar de idioma (la cinta es bilingüe) y, sobre todo, de adaptarse y desenvolverse con naturalidad en ambos sitios.

De modo similar, su hermana Abby (Scanda) también es migrante y se casó con un estadounidense, dándonos una mirada hacia este tipo de familias que diariamente transitan entre dos idiomas, visiones y culturas.

Otro distintivo de la cinta es el sujeto que complica el triángulo amoroso: Daniel, esa persona que por años significó tanto y que se creía olvidada, pero que, como tantos hombres en el mundo, tiene esa capacidad —que sólo tienen los exes significativos— de revolver sentimientos que se creían enterrados.

Clara deberá elegir entre regresar a ese primer amor, a esa “primera casa”, o darle una oportunidad a otro, con todo lo que esa incertidumbre implica.

La magia de ver esto en la pantalla radica en que probablemente todos hemos tenido a un Daniel o un Asher en nuestra vida. Hemos tenido que decidir entre dos amores tan distintos y o dispares. La madre de Clara (Patricia Bernal) le suelta entonces a su hija una de las mejores frases de la cinta: “El amor no debe ser simple, pero sí debe ser fácil”.

Eso nos lleva a otro de los mejores atributos de esta película: el recordatorio de que el amor no siempre tiene que ser de cierta manera, puede ser de cualquiera porque cada quien lo construye según su carácter o circunstancias, porque cada persona tiene una forma de querer, única, irrepetible.

Y no importando si se trata de nuestra familia, de nuevos amigos o de una pareja que se rehúsa a ser olvidada, todos podremos identificarnos porque, eventualmente, todos queremos a alguien.

 

Mariana Mijares

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Este año los documentales del Festival de Cine de Sundance reflejaron el estado actual del mundo, enfocándose mayoritariamente en temas politicos y del medio ambiente.

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Fotos: Cortesía Sundance Institute

De acuerdo con Robert Redford, fundador y presidente del festival, los documentales son ahora más necesarios que nunca. “Desde niño —dijo Redford en la conferencia inaugural— me encantan los documentales porque te hacen sentir que estás ahí. Los documentales son ahora más importantes que nunca porque estamos cada vez más bombardeados de videos cortos y clips que no permiten digerirlos, analizarlos; por eso creo que los documentales tienen un rol aún más importante ahora, porque se han convertido en una nueva forma de periodismo.”

Los programadores del festival decidieron darle un espacio al medio ambiente, por ello crearon el programa The New Climate.

Redford dijo:

Mi vida adulta ha tenido dos prioridades: el arte y la naturaleza, el arte lo relaciono con mi quehacer en cine y con el medio ambiente empecé porque yo crecí en Los Ángeles, que era un lugar hermoso sin carreteras ni rascacielos. Éramos una familia de clase media baja y no teníamos mucho, pero sólo teníamos que caminar al mar y nadábamos ahí. Con los años la ciudad cambió muchísimo y entendí que eso iba a pasar también con el resto del mundo, pero, ¿hasta cuándo se puede construir antes de quedarte sin nada? Me empecé a preocupar entonces por cómo estábamos maltratando a la naturaleza, sólo para obtener una ganancia a corto plazo, ahí empecé a involucrarme en temas ambientales y creo que con el tiempo ese sentimiento se intensificó por pensar en el tipo de mundo que le vamos a dejar a las futuras generaciones.

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The New Climate presentó historias y premisas que mostraron distintos puntos de vista en temas ecológicos y el impacto del cambio climático. El programa incluyó 14 documentales cortos y experiencias virtuales que examinaron de cerca la problemática ambiental y la importancia de la conservación. Algunos de los más destacados fueron:

An Inconvenient Sequel: Truth to Power

El documental producido por Al Gore continúa explicando la importancia de actuar a favor del planeta. La cinta incluye tomas espectaculares en el Polo Norte que nos demuestran el derretimiento de los polos y las devastadoras consecuencias que esto ha tenido en fenómenos naturales como el huracán Sandy en Nueva York o Katrina en Nuevo Orleans.

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El exvicepresidente de Estados Unidos viaja también a distintas ciudades de su país —como Georgetown, Texas— para mostrar cómo pueden funcionar completamente con energía renovable y revelar los alcances en energía solar en países como Chile e India.

De alguna manera, el panorama que nos pinta Gore parece mucho más alentador al de la película predecesora; pero en noviembre de 2016, la llegada de Trump podría cambiar nuevamente la balanza.

¿Dónde verla? La cinta fue comprada por Paramount y tiene planeado un estreno comercial en cines en julio de este año.

Trophy

Este gran trabajo de Christina Clusiau y Shaul Schwarz muestra las consecuencias que ha tenido en África tanto la caza ilegal (perpetuada por africanos) como la legal, sustentada mayoritariamente por estadounidenses que viajan a distintas regiones de África en búsqueda de adrenalina y, sobre todo, de un trofeo: matar a un animal para tomarse una foto o colgarlo en su sala —estén o no en peligro de extinción—. Existe otro tipo de personas que está intentando cambiar la situación: extranjeros que han implementado granjas de rinocerontes en África fomentando su reproducción y cortándoles regularmente los cuernos, esto para que no sean asesinados por el valor del marfil.

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El filme incluye imágenes que impactarán hasta al más fuerte, pero igual de fuerte resulta el mensaje para fomentar el respeto a la vida salvaje.

¿Dónde verla? El documental fue adquirido por The Orchard y CNN Films.

Los documentales más premiados

Estos fueron algunos de los documentales galardonados en la premiación de clausura:

Dina
U.S. Documentary Grand Jury Prize.

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Dina y su novio Scott Levin han decidido casarse, pero su relación es complicada: él tiene síndrome de Asperger y, aunque quiere a Dina, ella le debe recordar constantemente lo que necesita: tomarla de la mano o lo que le gusta en el sexo. Dina tiene otras discapacidades mentales, además de un pasado amoroso difícil. Pero no sólo es una mirada hacia las discapacidades mentales, ésta es una original y enternecedora historia de amor.

Icarus
U.S. Documentary Special Jury Award: The Orwell Award. Podrá verse en Netflix.

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Los mundos del deporte y la política internacional rara vez coinciden en la pantalla pero lo hacen en este thriller de Bryan Fogel que se enfoca en el dopaje ilegal en el deporte y el papel del científico ruso Grigory Rodchenkov (pilar del programa “antidopaje” de su país). Esta cinta resulta un retrato del sacrificio que deben hacer las personas en nombre de la verdad.

Chasing Coral
Premio del público, Mejor Documental. Podrá verse en Netflix.

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Los arrecifes de coral son el semillero para toda la vida en los océanos, un ecosistema que nos sostiene. Sin embargo, con las emisiones de carbono que calientan los mares, un fenómeno llamado “blanqueo de corales” —señal de muerte de coral en masa— se ha acelerado en el mundo. Un equipo de fotógrafos, buzos y científicos se sumergen para mostrar la escala e implicaciones de esta catástrofe.

STEP
U.S. Documentary Special Jury Award for Inspirational Filmmaking. Adquirida por FOX, podrá verse en cines.

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Luego de las protestas que arrasaron Baltimore después de la muerte de Freddie Gray —joven afroamericano que sufrió una lesión fatal en la espina dorsal mientras se encontraba en custodia policial en abril de 2015—, la clase de la Baltimore Leadership School for Young Women comienza su último año. Este documental narra los sueños de un grupo de jóvenes que desean convertirse en los primeros de sus familias en poder ir a la universidad, esto mientras intentan conquistar un campeonato de baile.

RUMBLE: The Indians Who Rocked The World
World Cinema Documentary Special Jury Award for Masterful Storytelling.

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Lo más interesante de esta cinta es que presenta, desde el punto de vista de algunos de los mejores músicos de la actualidad, la enorme influencia que ha tenido la música nativo americana en la música contemporánea, sobre todo en el rock. También resulta un verdadero homenaje a talentosos músicos con orígenes nativo americanos, como Link Wray, Hendrix, Robbie Robertson, el grupo Redbone y Randy Castillo.

Joshua: Teenager vs. Superpower
Premio del público, World Cinema Documentary. Podrá verse en Netflix.

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Parece imposible que un adolescente represente un peligro para todo un gobierno, pero este interesante documental nos muestra la vida de Joshua Wong, quien a los 14 años, formó Scholarism, un grupo de jóvenes que lograron impedir que Hong Kong adoptara el Currículo de Educación Nacional de China. Años después, Wong fue uno de los principales líderes del movimiento que defiende la promesa hecha a Hong Kong para elegir a sus propios líderes (batalla que continúa). Una cinta que nos recuerda que no importando la edad o condición social se puede desafiar a un imperio y hacer una diferencia.

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Un monstruo viene a verme (E.U.A., 2016)
(A Monster Calls)
Director: J.A. Bayona
Género: Drama
Guionista: Patrick Ness
Elenco: Lewis MacDougall, Felicity Jones, Sigourney Weaver

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Cada quien tiene sus propios monstruos pero el de Conor (MacDougall) —protagonista de esta historia—, ya no le asusta, las dificultades de su vida le han hecho perder el miedo a esa criatura que se le aparece a medianoche en forma de un gran y tenebroso árbol.

Un monstruo viene a verme está basada en la novela de Patrick Ness, autor estadounidense que tuvo el reto de concluir la idea de Siobhan Dowd, escritora que murió de cáncer antes de poder completar su trabajo.

Con este material base, el director español Juan Antonio Bayona, responsable de El Orfanato, logra crear un universo en el que los miedos y temores de Conor toman forma en este monstruo (voz de Liam Neeson), criatura que en realidad simboliza los sentimientos que guarda por ver a su madre (Felicity Jones) enferma de cáncer.

A manera de cuento de hadas, el monstruo le dice a Conor que le contará tres historias para que después él le cuente su verdad. Estos relatos cobran vida gracias a la hermosa animación de Nima Azarba quien con una estética distinta a las películas animadas de la cartelera de verano, nos muestra no sólo distintos personajes y escenarios, sino verdaderas lecciones de vida, lecciones que Conor deberá procesar, y asimilar, poco a poco. Pero la más importante la tendrá que descubrir él mismo.

La actuación de MacDougall resulta enternecedora, y el joven de 14 años está bien complementado con Sigourney Weaver, quien interpreta a su abuela, y sobre todo por Felicity Jones, quien luce más demacrada en cada escena y logra conmover hasta el más fuerte, no por nada, y gracias a trabajos previos como The Theory of Everything y recientemente Rogue One, la originaria de Birmingham, se ha consolidado como una de las mejores actrices de su generación.

Por supuesto, el co-protagonista de esta cinta es el monstruo —que aunque Bayona podría haber animado completamente en computadora, decidió que incluyera acción real—, por ello, el propio Neeson, gracias a la tecnología de captura de movimiento —utilizada para dar vida a Gollum, en El Señor de los Anillos— logra proyectar en este árbol rasgos y expresiones, incluso sentimientos.

Un Monstruo Viene a Verme logra recordarnos lo que sólo logran las grandes historias: que la fantasía no sólo puede explicar nuestra realidad, sino que puede ayudarnos a entenderla mejor.

Esta cinta fue la más taquillera de España en 2016, pero independientemente de los reconocimientos o de los resultados de taquilla, la historia sobre el difícil tránsito de la niñez a la adolescencia y lo complicado que resulta despedirse de un ser amado, sin duda nos tocará a todos, por eso hay que verla con la mente abierta, creyendo en los monstruos —y no olvidar los pañuelos.

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6 enero, 2017

Bailarina

Bailarina (Francia, 2017)
(Ballerina)
Directores: Eric Summer, Éric Warin
Género: Animación
Guionistas: Carol Noble, Eric Summer, Laurent Zeitoun
Voces: Elle Fanning, Dane DeHaan, Maddie Ziegler

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Las historias de superación resultan muy inspiradoras y más si pueden convencer a una niña de que no importa su origen o circunstancias, si lo desea, puede hacer que sus sueños se hagan realidad. Esta es la premisa de Bailarina, en la que, como su nombre lo indica, la mayor ilusión de Félicie es convertirse en bailarina.

Félicie no ha tenido una vida fácil, al igual que la mayoría de las heroínas de Disney, creció sin el afecto de sus padres, con una vida modesta y viviendo en el campo; solo tiene un amigo, Víctor, quien desea convertirse en inventor con el mismo ahínco con el que desea ayudar a su amiga a realizar su sueño, por ello, viajan a París, sede de la renombrada Ópera de París, donde se encuentra la escuela más prestigiosa de baile.

Como en toda buena aventura, las cosas se complican y Félicie tendrá que ingeniárselas sin su joven amigo para ingresar al ballet de la ópera, aunque con la ayuda de una empleada del lugar: Odette. El nombre resulta un homenaje a la protagonista de El Lago de los Cisnes, princesa que por un hechizo es convertida en cisne. Aquí, Odette también fue transformada, pues una lesión la hizo perder movilidad en una pierna, además de la oportunidad de continuar su carrera como bailarina.

Muy al estilo de lo que ocurre en Karate Kid, o Rocky, Félicie deberá trabajar muy duro para alcanzar su sueño: barrer, limpiar, trapear, mejorar su equilibrio y condición para poder permanecer en las clases de baile del prestigioso instructor de la ópera y así ganarse un lugar en el reparto de El Cascanueces, meta que no estará exenta de dificultades, y antagonistas.

La animación de Bailarina es una de sus mayores virtudes, no sólo en las secuencias de baile —para las que se contó con la asesoría de bailarines profesionales— sino por el cuidado diseño de producción que nos traslada a la capital francesa de finales del siglo XIX donde, gracias al detalle de las calles, la comida, las luces y la gente, nos podemos sentir en un verdadero paseo parisino.

Bailarina es una película sencilla, sin un enorme estudio detrás y claramente predecible, sin embargo se disfruta cada momento. Aún adivinando que seguramente la odisea de Félicie tendrá un final feliz, esta es una historia que inspira y que hace sonreír: por el niño que todos llevamos dentro, por todos los niños que tuvieron un sueño, y sobre todo, porque hay pocas cosas tan satisfactorias como bailar sin que nada más en el mundo importe.

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