Alfonso Cuarón acudió a la segunda proyección de Y tu mamá también

Hace más de 15 años, Alfonso Cuarón cobró reconocimiento internacional con su cuarto largometraje: Y tu mamá también, que se estrenó en 2001 y que ahora se proyectó en el 15° Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), como parte del programa De México a Hollywood y los Oscar.

El director mexicano, que estuvo acompañado de Daniela Michel, directora general del FICM, y Alejandro Ramírez, presidente del festival, platicó sobre las múltiples lecturas que se han realizado de esta película.

Fotos: Mariana Mijares y cortesía FICM.

“Slavoj Žižek hizo todo un ensayo sobre Y tu mamá también en el que habla de que hay una lectura muy fácil: la gente puede pensar que es una película acerca de un par de muchachos que van en un viaje, en el que trazan un romance con una mujer mayor, y desarrolla ese momento en el que entran a una madurez, todo esto con un país al fondo. Esta es una lectura equivocada. La correcta es que es la historia de una país que está en una transición hacia la madurez y al fondo está la historia de estos dos muchachos y su romance con la mujer mayor”, acotó.

A continuación estableció una analogía entre el crecimiento humano y el crecimiento de un país enfatizando que, de alguna manera, el terremoto de 1985 detonó movimientos sociales que dieron lugar a un cambio democrático.

“Fue como la transición de una infancia política a una adolescencia política. Y este terremoto que acabamos de padecer fue la entrada a una madurez política”, añadió.

Días antes, Diego Luna, protagonista de la película, y Marco Antonio Muñiz, intérprete del famoso tema “Si no te hubieras ido” compartieron un momento con el público.

“Dijimos que les íbamos a contar algún secreto, y antes no podíamos contárselos porque Gael y yo éramos menores de edad; de hecho cuando salió la película ¡no nos dejaban verla! Lo cual funcionó muy bien porque le fue cabrón y fue todo mundo a verla.

“Carlos y Alfonso son los verdaderos charolastras, nosotros nada más les dimos vida, pero ellos son quienes vivieron la charolastría por varias décadas, de hecho lo siguen haciendo”, dijo Luna antes de relatar una anécdota de la escena de las regaderas.

Nahuel Pérez Biscayart acudió a la presentación de 120 latidos por minuto

Una de las películas más gustadas del festival fue 120 latidos por minuto (BPM, Beats Per Minute), protagonizada por el actor argentino Nahuel Pérez Biscayart, quien acudió a la proyección del FICM.

La cinta tiene lugar a principios de los años noventa, tiempo en que el SIDA ha cobrado un sinnúmero de vidas. Como consecuencia, los militantes de la organización Act Up-Parisdeciden multiplicar sus acciones para luchar contra la indiferencia. El movimiento está liderado por Sean (Pérez Biscayart), un joven radical que se entrega en cuerpo y alma a la causa.

El protagonista platicó con la audiencia sobre su preparación para este personaje y la respuesta que ha tenido la película.

“Varios miembros del equipo fueron militantes de Act Up-París: el director, un productor y el mismo guionista. Por lo que tuve muchos datos de primera mano. También estuve revisando varios documentales, muy fuertes.

“Ha sido una vorágine de experiencias desatadas desde hace un año cuando se presentó la película. Aún no puedo apreciar claramente qué es lo que ha cambiado en mí, porque no se han asentado las experiencias como para verlas a la distancia. Lo que sí podría decir es que aunque mi trabajo como actor siempre ha sido tratar de entender al otro, ahora me preocupa más; incluso con un componente más político”, compartió.

Michel Hazanavicius presentó Le redoutable y recibió una butaca

El director conocido por El artista, Michel Hazanavicius, fue uno de los invitados especiales del Festival, en el que presentó su nuevo trabajo: Le redoutable (2017).

“Resulta sorprendente ir a un país lejano y encontrar una sala llena para ver una película francesa”, dijo sonriente antes de la función. “Esta es una película de comedia, que no son frecuentes en los festivales”.

El director francés fue honrado con una butaca con su nombre, presentada por Alejandro Ramírez, presidente del FICM, y Daniela Michel, directora general.

“¡Me la voy a llevar a París! Es mejor de las que tenemos en Francia”, señaló.

Le redoutable aborda de manera compleja y divertida la relación del conocido director Jean-Luc Godard con la actriz Anne Wiazemsky, la protagonista de La chinoise.

“Godard tenía una apertura a la destrucción, no le gustaba seguir el juego ni que se le hicieran propuestas. Tiraba todo, dejaba las cosas en ruinas y luego continuaba; esto fracturaba su vida. Este momento de la película es muy importante, habla de una fractura total porque rompe con el juego social y con la forma tradicional del cine. Es el primero de muchos ciclos que rompe.

”Para mí la cinta es un homenaje. Quise hacer un retrato de sus formas, humanizarlo; lo mostré con sus fallas con el fin de tener un equilibrio. Es algo que hice para tener un recuerdo suyo”, finalizó.

El elenco de Los adioses rindió homenaje a Rosario Castellanos

Los adioses muestra fragmentos de la juventud y adultez de Rosario Castellanos, escritora y diplomática mexicana considerada de las escritoras mexicanas más importantes del siglo XX, y que en esta cinta es interpretada por Tessa Ia y Karina Gidi.

En este proyecto, Natalia Beristáin, la directora, quería mostrar los conflictos de una pareja y la lucha interna de una mujer para lograr una vida plena; personal y profesional.

“Llevaba un tiempo queriendo hacer un proyecto sobre la vida en pareja, sobre las vicisitudes de esa cotidianidad. En medio de eso, me topé con las cartas que Rosario Castellanos le escribe a Ricardo Guerra y entonces la figura que yo tenía de Rosario se volvió más tangible; ya no era sólo una figura poderosísima de la escritura sino una mujer fallida como yo. Eso empató con lo que yo quería contar de la vida en pareja y fue trabajo de ir hilando esas dos vertientes”, compartió Beristáin.

La directora también destacó que posiblemente las nuevas generaciones no conocen las aportaciones de Castellanos.

“Me preocupaba la deconstrucción de Rosario. Creo que lamentablemente es una figura de quien muchos sólo conocen el nombre, con suerte sabemos que escribe, pero al menos de mi generación para atrás no”, añadió.

Esta idea fue reforzada por la propia Tessa, de 22 años de edad.

“Yo no conocía a Rosario hasta que Natalia me invitó a audicionar para el personaje, y eso parte de lo que más me conflictúa, que en la escuela no nos hayan enseñado, en todos los libros de historia de primaria, secundaria o prepa, que existen mujeres fuertes que han dejado huella en nuestro país. Es algo que me gustaría que las chicas de mi generación, que quizá no conocen a Rosario, o que sólo leyeron un libro de ella, se den cuenta: que sí existen mujeres importantes en la historia mexicana. Y que necesitamos más de ellas”, dijo.

Para Gidi, la película podría servir como inspiración para otras mujeres, por la gran sensibilidad, capacidad y brillo que tenía Castellanos.

“Creo que es importante no solamente hoy, sino desde antes cuando ella escribió del feminismo, esa paradoja de la potencia y el valor que tenía como mujer y escritora al mismo tiempo.

”No hay que tener miedo a que brillen los demás. La película es una petición para las mujeres para que no tengan miedo de destacar. Hay tanta oscuridad en el mundo que brillar está bien, sean hombres o mujeres, hay que dejarlos brillar y que ese brillo no se vuelva una herida contra el otro”, apuntó Gidi.

Los adioses se mostrará como parte de la gira de lo mejor del FICM en CDMX.

Ana y Bruno clausuró el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM)

Después de casi una década, finalmente el cineasta mexicano Carlos Carrera presentó la película animada Ana y Bruno, función que cerró la decimoquinta edición del FICM.

La cinta cuenta la historia de Ana, una curiosa niña que llega junto con su madre a una clínica psiquiátrica. Ahí conoce a extrañas criaturas, con quienes emprende un viaje para encontrar a su padre.

Previo a la proyección, Daniela Michel, directora del FICM, dio la bienvenida al equipo de producción y a los actores que participaron en el doblaje, entre ellos Regina Orozco, Silverio Palacios y Galia Mayer:

“Estoy feliz de ver que han creado una película tan emocionante, tan conmovedora. Quiero felicitarlos, a cada uno se le nota la pasión, muchas gracias por compartir este proyecto en el festival”, señaló Michel.

La directora del FICM recordó además cómo Carrera fue un factor determinante para que se creara el Festival de Morelia.

“En 1994, Carlos ganó la Palma de Oro de Festival de Cannes por un corto llamado El héroe. Fue entonces que un colega y yo decidimos crear un espacio para cortos con una retrospectiva de Carlos. Él fue una gran inspiración para el surgimiento del festival, porque después de estas jornadas de 1994 en la Cineteca Nacional, los cortometrajes se convirtieron en el Festival Internacional de Cine de Morelia”, recordó.

La productora de Ana y Bruno, Mónica Lozano, compartió que la cinta ya ha sido invitada a varios países.

“Esperábamos estar a Morelia antes de enviarla a uno de los cien festivales que ya la solicitaron. Acabamos de llegar a un acuerdo con Corazón Films y en abril del próximo año estrenará en México a nivel nacional, deseando que le guste a todo tipo de público”, declaró.

Los ganadores de la 15 edición del FICM

El Festival Internacional de Cine de Morelia concluyó su 15° edición con la tradicional premiación que se celebró en el Teatro Ocampo y que fue conducida por Arcelia Ramírez.

Alejandro Ramírez, presidente del festival, felicitó a los ganadores, a los miembros del equipo de trabajo, a miembros del jurado como Béla Tarr, Christian Mungiu y a los 46 mil asistentes al festival.

“Aplausos para ellos, a invitados especiales y en particular a Guillermo del Toro porque es la persona más generosa que hemos tenido en este festival”, agregó.

También se dio a conocer que gracias a la venta de los cinebonos, más la función de The Shape of Water a beneficio de la fundación de Francisco Toledo (fondos destinados a los damnificados de los recientes sismos en el Istmo de Tehuantepec, Oaxaca), lograron recaudar 810 mil pesos.

Los ganadores más destacados de esta quinceava edición fueron:

  • Premio Tradicional Cuervo a la Trayectoria Cinematográfica:Daniel Giménez Cacho.
  • Premio del Público al Programa de Diversidad SexualDos ballenas, de Diego Cruz Cilveti.
  • Premio de la Selección de Cortometraje Mexicano en LíneaLa proporción Aura, de Mariano Murguía Sotomayor.
  • Ojo a Cortometraje de Ficción MexicanoVuelve a mí, de Daniel Nájera Betancourt.
  • Premio del Público a Largometraje Documental MexicanoRegreso al origen, de María José Glender.
  • Ojo a Largometraje Documental MexicanoRush Hour, de Luciana Kaplan.
  • Premio del Público a Largometraje de Ficción MexicanoLos adioses, de Natalia Beristáin.
  • Mención Especial para Mejor Actriz de Largometraje Mexicano: Karina Gidi por Los adioses.
  • Premio a Mejor Actriz de Largometraje Mexicano: Sonia Franco por Ayer maravilla fui.
  • Mención Especial para Mejor Actor de Largometraje Mexicano: Humberto Busto por Oso polar.
  • Premio a Mejor Actor de Largometraje Mexicano: Pedro Hernández por Sinvivir.
  • Ojo a Primer o Segundo Largometraje MexicanoAyer maravilla fui, de Gabriel Mariño Garza.
  • Ojo a Largometraje MexicanoOso polar, de Marcelo Tobar.

Aquí la lista completa de los ganadores:

https://moreliafilmfest.com/ganadores-festival-de-morelia-15-ficm/

Mariana Mijares

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El castillo de cristal
(The Glass Castle, Estados Unidos, 2017)
Director: Destin Daniel Cretton.
Actores: Brie Larson, Woody Harrelson, Naomi Watts, Ella Anderson.
Guionistas: Destin Daniel Cretton y Andrew Lanham, basados en la novela de Jeannette Walls.
Género: Drama.

De niño se ve a los padres como seres perfectos, como súper héroes, personas que nunca nos mentirían, que verán incondicionalmente por nosotros y que siempre cumplirán sus promesas; al menos esa es la manera en la que Jeannette (Larson) ve a Rex, a pesar de que su padre es un alcohólico que los decepciona continuamente.

La película dirigida por Destin Daniel Cretton (responsable de Short Term 12) y estrenada en México en el marco del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), está contada en distintos tiempos mostrando la infancia de Jeannette y sus tres hermanos, y cómo las experiencias vividas con sus padres los marcarían como adultos.

El castillo de cristal está basada en la historia real de Jeannette Walls, quien escribió el libro homónimo sobre su vida y cuyo material se tomó como base para el guión de Andrew Lanham y del propio Cretton.

La actuación de Brie Larson, ganadora del Oscar por su poderoso trabajo en Room, aquí resulta un tanto más acartonada; sin embargo, su personaje es tan interesante que se le perdona. No obstante, más conmovedora resulta la actuación de la niña: Ella Anderson, quien a través de sus ojos nos convence de que Rex es el mejor padre, a pesar de que éste se la pase bebiendo, de que nunca tenga dinero, trabajo, o de que haya decidido asilarlos en una casa en lugar de permitirles ir a la escuela.

Esta dinámica, educar a los niños en casa, es similar a la mostrada en Captain Fantastic, cinta protagonizada por Viggo Mortensen y que el año pasado acumuló varios premios y reconocimientos. La diferencia es que en aquella historia los niños, aun sin ir a clases y viviendo en el bosque, eran estudiosos, cultos y muy listos, aunque no muy adaptados para la vida social.

En El castillo de cristal, Rex les recuerda continuamente a sus hijos lo privilegiados que son por ser nómadas alejados de la ciudad, por vivir ahí donde pueden contemplar el cielo y sus miles de estrellas. Incluso, a falta de dinero, una Navidad les regala a cada uno su propia estrella; este tipo de detalles lo hacen un ser interesante y contradictorio. Porque Rex no les da ropa, juguetes ni lujos, pero sí tiempo y atención, además de la eterna promesa de que un día va a construirles una gran casa de cristal, una con un techo tan grande y tan claro que les permita ver siempre las estrellas.

Siendo una historia basada en un caso real, resulta imposible no pensar en cómo después de esa vida tan dura estos niños lograron salir adelante y tener vidas funcionales; todo anticiparía que acabarían en la calle o en las drogas. Pero quizá el deseo de no emular a sus padres fue motivación suficiente para ir a la escuela y esforzarse en lograr un mejor futuro.

Además de resultar inspiradora, el mayor atributo de El castillo de cristal es conmovernos con la relación de este contradictorio padre con su hija. Porque ella creerá en él y, a pesar de todo, nunca perderá la fe en que cumplirá con sus promesas; es quien da ese ejemplo de amor incondicional, a pesar de las innumerables fallas y defectos.

Quizá esa sea la principal lección de esta historia: recordarnos que los padres son seres llenos de imperfecciones, pero que nos quieren a su manera. Y que, aunque prometan castillos en el aire —o de cristal— para luego romperlos en mil pedazos, volverán luego a construirlos y, sobre todo, nos incitarán a construir los propios.

 

Mariana Mijares

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Coco
(Estados Unidos, 2017)
Directores: Lee Unkrich y Adrián Molina.
Guionistas: Lee Unkrich, Jason Katz, Matthew Aldrich, Adrián Molina.
Actores de doblaje: Luis Ángel Gómez, Gael García, Marco Antonio Solís y Sofía Espinosa.

No era la única, pero tenía una gran emoción de que se estrenara Coco, la película de Pixar con la que se honra una de las más hermosas tradiciones de México: el Día de Muertos. Después de verla hay que enfatizar que no debe haber duda de que Coco es un verdadero tributo a México, a sus tradiciones, su comida, sus pueblos, su música, y, sobre todo, a su gente, logrando capturar la esencia de aquello que nos hace mexicanos, y lo mejor, para compartirlo con el mundo entero.

La premier mundial de la película (que en Estados Unidos se estrenará hasta finales de noviembre) se llevó a cabo en la inauguración del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), al que acudieron los directores de la cinta: Lee Unkrich y Adrián Molina, la productora Darla K. Anderson, además de los talentos de doblaje: Luis Ángel Gómez (Miguel), Gael García (Héctor), Marco Antonio Solís El Buki (Ernesto de la Cruz) y Sofía Espinosa (mamá de Héctor).

Desde el inicio, Coco emociona al incluir en el tradicional opening de Disney (en el que aparece el castillo) notas de mariachi, seguida de una intro contada sobre papel picado. Verdaderamente sentimos que nos trasladarán a México, y de algún modo así es, pues aunque la historia tenga lugar en Santa Cecilia —un lugar ficticio—, en realidad éste podría ser cualquier pueblo de Oaxaca, Michoacán o Guanajuato, estados que los creadores visitaron durante su investigación para la película.

Santa Cecilia captura perfectamente los elementos de los pueblos mexicanos: los techos de teja, las calles empedradas, las casas pintadas en blanco y rojo, los puestitos, las sonrisas de la gente, las plazas; todo está presente. En este pueblo conocemos al protagonista: Miguel, quien —para no contar mucho de la trama— diremos sólo que es un niño que anhela ser músico como su tatarabuelo, pero como su familia le ha prohibido que se acerque a la música, se embarcará en una aventura que lo llevará hasta la Tierra de los Muertos, donde conocerá a sus antepasados, buscando obtener la bendición de su tatarabuelo.

Técnicamente la película está llena de atributos: el diseño de producción es colorido y plagado de detalles mexicanos como la flor de cempasúchil, el papel picado o Dante, el perro xoloitzcuintle que acompaña a Miguel. La misma Tierra de los Muertos es una especie de versión tecnicolor de México que incluye pirámides, llamativos alebrijes y simpáticas catrinas y esqueletos.

Fotografías: Cortesía Disney y FICM.

La música, que ofrece tonadas de marimba, bolero y, por supuesto, de mariachi, incluye temas originales como “Un poco loco” y “Recuérdame”, además de una versión de “La Llorona”.

Adicionalmente, como parte de la campaña de promoción, Disney Latino ha reunido a diferentes artistas para interpretar icónicos temas como “Bésame mucho” (Jorge Blanco) y “La Bikina” (Karol Sevilla), aunadas a un corrido original entonado por Bronco.

Pero más allá de los méritos técnicos, musicales y de esas lindas inclusiones del pan de muerto o las ofrendas, realmente el mérito principal de Coco es el aspecto emocional, pues en el nombre de la cinta está contenida su misma esencia: ‘Coco’ es el apodo de cariño de la bisabuela Socorro, y con ella como figura central se nos recuerda la importancia que tienen las abuelitas y la familia en la cultura mexicana (no olviden los kleenex).

Y es que además de ser un hermoso tributo a México, Coco nos recuerda de manera universal aquello en lo que está fundamentada nuestra tradición de Día de Muertos: que mientras tengamos presente a nuestros seres queridos, estos siempre estarán con nosotros.

Resulta todavía incierto el resultado que tendrá Coco fuera de México y Estados Unidos, pero me gustaría pensar que, aun cuando en otros países no celebren el Día de Muertos, o le pongan altares a sus difuntos, la familia es algo universal. Y que más allá del lenguaje o el país, el amor es un valor que trasciende más allá del idioma, de la vida y de la muerte.

 

Mariana Mijares

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Coco fue presentada en el Festival Internacional de Cine de Morelia. En esta conversación, Lee Unkrich y Adrián Molina —los directores de la cinta— charlan sobre su interés en la tradición del Día de Muertos.


Fotografías: Cortesía Disney y FICM.

Mariana Mijares: Además de los aspectos tradicionales del Día de Muertos, ¿qué los cautivó de esta festividad mexicana?

Lee Unkrich: Originalmente me sentí cautivado, como muchos de los que no vivimos en México, por el aspecto artístico y el contraste: la yuxtaposición del color sobre los esqueletos; me atraía pero antes no le entendía a esta celebración. Cuando empezamos a investigar y aprender sobre el Día de Muertos, empecé a ver el potencial de una película que podía incluir una gran historia, música, color, diversión y, sobre todo, emoción, algo que me interesa que tengan todas mis películas.

MM: Adrián, ¿cómo contribuyó tu ascendencia mexicana para dirigir mejor esta historia?

Adrián Molina: Me motivaba contribuir en esta película porque era una oportunidad para mí de contar la historia de una familia como la mía, de marcarle a mi papá y preguntarle sobre su propia familia y la de nuestros antepasados. Así empecé a descubrir historias muy interesantes que tenían paralelismos con la historia de Miguel. Eso me motivó a involucrarme más en esta película, a contribuir al guión, a la música y a dar lo mejor de mí.

MM: Después de seis años trabajando en este proyecto, ¿cómo cambió su visión de México?

LU: No me considero un experto, pero después de este tiempo puedo decir que conozco mucho más de su país, y no sólo por nuestras visitas, sino por los mexicanos que fueron parte del equipo de la producción, a quienes acudimos continuamente para preguntarles todo tipo de detalles: cómo alguien diría cierta cosa, o cómo se vestiría cierto personaje. Nunca intentamos hacer una película mexicana, pero sí una cinta auténtica que honrara México.

AM: De México ahora tengo aún más presente la calidez y la autenticidad de una cultura que tiene una manera muy especial de recordar a los muertos, una de la que podríamos aprender en el resto del mundo.

MM: A pesar de la situación política actual, se podría pensar que una película como Coco podría contribuir a unir los puentes entre México y Estados Unidos.

LU: Cuando empezamos hace 6 años se vivía un clima político muy diferente del que se vive ahora, obviamente no podíamos anticipar lo que vendría, pero nos sentimos muy orgullosos de estar poniendo esta película en el mundo justo ahora, que hay tanta negatividad. Ojalá con Coco podamos inyectar un poco de positivismo.

AM: Siendo un mexicano-americano tengo una parte de mi corazón en México y otra en Estados Unidos. Espero que con esta película la gente pueda ver que todos somos parecidos, y que todos amamos a nuestros antecesores. Ojalá hayamos logrado mostrar una familia y unas personas con las que todos puedan identificarse, además de una tradición de valor único.

LU: Una manera de fomentar las líneas de comunicación es a través de la empatía. Y si el público siente empatía por nuestros personajes, quizá sea un paso para que haya más respeto y entendimiento en el mundo.

MM: Definitivamente uno de los elementos más memorables de Coco es el aspecto emocional, que le recordará a la gente que mientras recordemos a quienes ya no están, de alguna manera siempre vivirán entre nosotros.

LU: Sí, creo que ese aspecto es justamente lo que hará la película universal, porque todos en el mundo tenemos familias, seres queridos. El Día de Muertos es más que esqueletos y catrinas, que es lo único que muchos conocen; se trata de la familia y del gusto de compartir las historias de quienes ya no están y de mantener vivos sus recuerdos. Creo que eso es algo que ya muchas personas hacen en el mundo, pero ojalá que Coco los inspire a hacerlo aún más.

AM: Mi esperanza es que, después de ver Coco, la gente se sienta inspirada a dos cosas: primero, a tocar o aprender algún instrumento; como yo que como parte del proceso empecé a aprender guitarra ¡y ahora llevo cuatro años tocando! Y el segundo aspecto que me gustaría es que, tras ver la película, levanten el teléfono o compren un boleto de avión para visitar al miembro más longevo de su familia y le pregunten sobre sus historias; sobre su familia y sus antepasados, porque estas historias nos ayudan a entender mejor quiénes somos y de dónde venimos. Creo que el Día de Muertos es la oportunidad perfecta para preguntar y conocer estas anécdotas.

MM: Después del temblor del 19 de septiembre el ánimo de los mexicanos estaba muy abajo, ¿cómo se sienten de saber que, quizá, esta película contribuya a levantar el espíritu y a compartir las tradiciones de México con todo el mundo?

AM: Cuando nos enteramos del temblor, luego del hermoso tiempo y las bonitas experiencias que habíamos tenido en México, nos preocupamos mucho y nos impresionó por lo que estaban pasado; sin embargo, fue hermoso descubrir que después de este evento los mexicanos demostraron tanta resistencia, cooperación y que la cultura mexicana es una que se apoya, se ayuda y se mantiene unida. Si de alguna manera esta película logra levantar su espíritu y darles un poco de alegría, estaremos más que felices.

 

Mariana Mijares

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En septiembre se llevó a cabo el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF), considerado el banderazo de salida para la temporada de premios, incluido el Oscar. Este año, y luego de la visita de Daniela Michel —directora del Festival Internacional de Cine de Morelia— a Toronto, la programación del FICM afortunadamente incluyó varias de las mejores cintas presentadas en el certamen canadiense, incluidos trabajos de Stephen Frears, Fatih Akin, Guillermo del Toro, y el debut como director de Andy Serkis. Sin más, presentamos siete de las mejores películas del Festival de Toronto que se presentarán en el Festival de Morelia.

Fotos: Cortesía TIFF.

Breathe
Director: Andy Serkis.
Elenco: Andrew Garfield, Claire Foy, Hugh Bonneville.
Estreno comercial en México: noviembre de 2017. 

La película está basada en la vida real de Robin y Diana Cavendish, dos jóvenes cuya relación se asemejaba a la de otros, hasta que un día, una enfermedad voltea su mundo de cabeza y los obliga a afrontar la adversidad. La cinta está estelarizada por Garfield, conocido por El Hombre ArañaHacksaw Ridge y The Social Network, y la protagonista de la serie The Crown: Claire Foy, en una cinta que marca el debut en la dirección de Andy Serkis, recordado por el papel de Gollum en El Señor de los Anillos y de Caesar en El Planeta de los Simios. Según contó en el TIFF, Serkis decidió hacer esta película porque le pareció una historia muy inspiradora y con personajes que enfrentan la adversidad de manera brillante.

Call Me by Your Name
Director: Luca Guadagnino.
Elenco: Armie Hammer, Timothée Chalamet, Michael Stuhlbarg.
Estreno comercial en México: febrero de 2018. 

Una de las películas más celebradas, y que definitivamente elevó la temperatura en el Festival de Sundance a principios de año, nos traslada al verano de 1983 a la campiña italiana, momento en que Oliver (Hammer), un americano de 24 años, llega de intercambio a la casa de un profesor dedicado a la escultura grecorromana, y, poco a poco, inicia un romance con su hijo Elio (Timothée Chalamet), de 17 años. Estamos ante una de las mejores películas de coming-of-age de los últimos años, y no sólo porque se enfoca en el tránsito hacia la madurez, sino porque, con tono sutil y sofisticado, aborda la relación entre dos hombres que deciden explorar un sentimiento y que en consecuencia se marcan para siempre.

Happy End
Director: Michael Haneke.
Elenco: Isabelle Huppert, Jean-Louis Trintignant, Mathieu Kassovitz.
Estreno comercial en México: 2018, por definir.

Haneke sigue siendo uno de los directores europeos más relevantes de la actualidad gracias a trabajos como CachéThe White Ribbon y, sobre todo, Amour. Su nuevo trabajo, estrenado en Cannes (en el que fue nominado a la Palma de Oro), nos muestra la realidad de una familia disfuncional y desconectada, con la crisis de los refugiados europeos de fondo. Aunque Huppert tiene un papel pequeño, su presencia es destacable, al igual que la de Kassovitz; sin embargo, el mérito principal es para la pequeña Fantine Harduin, de 12 años, quien con su sensibilidad y cuestionamientos existenciales definitivamente se roba la película.

In the Fade (Aus dem Nichts)
Director: Fatih Akin.
Elenco: Diane Kruger, Denis Moschitto, Numan Acar.
Estreno comercial en México: por definir. 

Katja (Kruger) está casada y tiene un hijo, pero un atentado le arrebata la vida de ambos. En consecuencia, ella se dedicará a buscar justicia; en la corte, o con su propia mano… Akin, recordado por filmes como The Edge of Heaven y Soul Kitchen, nació en Alemania pero tiene ascendencia turca; por ello, continuamente aborda el tema de la migración y el racismo, presentes en esta cinta en la que la magistral actuación de Kruger le valió el máximo reconocimiento como Actriz en Cannes.

Professor Marston and the Wonder Women
Director: Angela Robinson.
Elenco: Luke Evans, Rebecca Hall, Bella Heathcote.
Estreno comercial en México: noviembre de 2018.

La cinta se enfoca en la historia real de William Moulton Marston (Evans), quien, inspirado en la relación poliamorosa que tuvo con su esposa Elizabeth (Hall) y su amante Olive (Bella Heathcote), se inspiró para crear el famoso personaje Wonder Woman, La Mujer Maravilla. A lo largo de la película, y gracias a una investigación teórica y práctica, se muestra el origen del detector de mentiras, las raíces del famoso cómic y el porqué de cada elemento del icónico personaje: el vestuario, los colores y hasta el látigo, que tuvo que ver con las experiencias sexies y sadomasoquistas experimentadas por los protagonistas…

Victoria y Abdul
Director: Stephen Frears.
Elenco: Judi Dench, Ali Fazal, Tim Pigott-Smith, Michael Gambon.
Estreno comercial en México: noviembre de 2018.

La reina Victoria (Dench) tiene más de 80 años y está cansada del tedio de su vida y de su corte; pero en una ceremonia especial, el hindú Abdul Karim (Fazal) se acerca a ella y, poco a poco, entablan una inusual amistad. Victoria encuentra así en Abdul no sólo un maestro de la cultura India, sino también un verdadero confidente y amigo.

La película, una de las más aplaudidas y divertidas del Festival de Toronto, reúne de nuevo a Dench con Stephen Frears, quien la dirigió anteriormente en Philomena y quien es sobre todo recordado por su trabajo en The Queen.

The Shape of Water
Director: Guillermo del Toro.
Elenco: Sally Hawkins, Octavia Spencer, Michael Shannon, Doug Jones.
Estreno comercial en México: diciembre de 2018. 

Sin duda esta es una de las mejores películas del año, gracias a una original premisa que tiene lugar en 1962 y que se enfoca en la relación entre una conserje de limpieza muda (Hawkins) y una misteriosa criatura acuática (Jones). Pero lo que hace aún más entrañable a este trabajo del realizador mexicano es que, en tiempos como lo que estamos viviendo, nos recuerda la importancia de no tenerle miedo al otro, a lo desconocido, inspirándonos así a darnos la oportunidad de vivir una experiencia enriquecedora. La cinta, que mezcla fantasía, thriller y una buena dosis de romance, se llevó también el máximo reconocimiento en el pasado Festival de Cine de Venecia y seguramente contenderá por el Oscar a Mejor Película, Director y Actriz, además de varias categorías técnicas.

 

Mariana Mijares

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Atómica
(Atomic Blonde)
Director: David Leitch
Elenco: Charlize Theron, James McAvoy, John Goodman, Sofia Boutella
Género: Acción
Guionista: Kurt Johnstad, basado en la novela gráfica The Coldest City de Antony Johnston


Decir que es una sorpresa que Charlize sabe patear traseros, sería olvidar que su presencia fue una de las razones que hicieron a Mad Max: Fury Road un trabajo tan notable; pero luego de lo que logra la actriz en Atomic Blonde, difícilmente volveremos a ver a las heroínas de acción de la misma manera.

Basada en la novela gráfica The Coldest City, y situada en 1989, Lorraine Broughton (Theron), una agente del MI6, tiene la misión de viajar a Berlín para recuperar una lista de espías que podría caer en manos equivocadas (los rusos) y que prolongaría, en consecuencia, la Guerra Fría. Para evitarlo debe trabajar de la mano del jefe de estación de Berlín: David Percival (James McAvoy), quien desde el inicio no le pone las cosas sencillas.

Conforme avanza con la misión, Lorraine demuestra a cada paso que es una femme fatale en toda la extensión de la palabra: alguien entrenada para golpear, patear, apuñalar o disparar (según se requiera) a su enemigo, infringiendo desastre en quien se le oponga. Sin embargo, a diferencia de otros espías de renombre (hmm, hmm Bond), lo que hace a Lorraine humana, y vulnerable, es que no es perfecta: se cansa, la golpean, la tiran, y le duele; a veces tanto que debe sumergirse en tinas con hielo para atenuar la sensación que le han dejado los golpes.

Otra de las diferenciales de esta cinta es que fue dirigida por David Leitch, co-director de John Wick y quien durante varios años fue coordinador y entrenador de stunts, además del doble de Brad Pitt en cintas como Fight Club y Mr. & Mrs. Smith. De este modo, las secuencias de acción en Atomic Blonde resultan perfectamente coreografiadas (ayuda el que casi no tienen cortes y que sólo incluyen sonidos ambientales, y guturales). En estos “bailes” perfectamente coordinados, la protagonista intenta demostrar que es la más hábil; no por ello, y como lo mencionaba, sale ilesa de cada enfrentamiento.

Una gran dosis de sensualidad también está presente, y no sólo por lo escultural que resulta ver a Charlize enfundada en hermosos abrigos, sexis encajes o estilizados tacones, sino por la relación que Lorraine entabla con una agente francesa: Delphine Lasalle (Sofia Boutella) con quien protagoniza sensuales escenas que logran empoderar, y elevar, a estos personajes.

Para matizar la experiencia, la cinta cuenta con un soundtrack explosivo en el que figuran artistas como George Michael, Tyler Bates, The Clash, A Flock Of Seagulls y por supuesto, David Bowie, quien según varias entrevistas inspiró a los realizadores y a Theron durante el rodaje.

Atomic Blonde no es perfecta, pero no intenta serlo; no es una película hecha para desglosar el guión o analizar la historia; está hecha para dejarse ir, envolver. Pero me atrevería a decir que con este objetivo resulta una de las películas más entretenidas que nos ha dejado este verano, y sobre todo, la que mejor demuestra que una mujer está al nivel de las habilidades de cualquier héroe de acción.

Lorraine es experta en evasión y escape, es inteligente y autosuficiente; sabe patear traseros y combate a sus enemigos sin perder la gracia y sensualidad; sólo que ella no es Bond, es Blonde, Atomic Blonde…

Mariana Mijares

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En los últimos años, las películas con temática homosexual en México se han ubicado en dos extremos: por un lado, las cintas que tratan a sus protagonistas como a cualquier otro personaje y los vuelven tridimensionales y humanos, como es el caso de la exitosa Cuatro Lunas (2014), que rompió récords de permanencia y que tuvo una alta aceptación entre la crítica y el público. De manera similar, el documental Etiqueta Rigurosa, de Cristina Herrera Bórquez, que muestra la odisea de una pareja gay para poder contraer matrimonio legalmente en Mexicali, fue presentado con gran éxito en el pasado Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG) (FICG) y Festival Internacional de Cine Guanajuato (GIFF), en el que obtuvo el premio como Mejor Largometraje Documental Mexicano. Ambos trabajos son historias sumamente sensibles que nos muestran los conflictos, las alegrías y tristezas de distintas parejas homosexuales. Verdaderamente son pasos adelante en el cine gay y de alguna manera acercan nuestro cine a trabajos mundialmente reconocidos como Weekend (2011), Blue Is the Warmest Colour (2013), Carol (2015), Moonlight (2016) o Call Me by Your Name (a estrenar más tarde este 2017)

El otro extremo se pudo apreciar el fin de semana pasado, a mediados de agosto, cuando se estrenó una cinta que hace justamente lo opuesto, que da cientos de pasos hacia atrás al caricaturizar y denigrar a sus personajes: Hazlo como hombre, obtuvo el récord de la tercer mejor apertura en taquilla para una película mexicana, acumulando $57.6 millones de pesos y más de 1 millón de asistentes.1 Este es un hecho que vale la pena analizarse.

El problema principal, considero, es que la cinta del director chileno Nicolás López está lejos de ser una comedia simple y divertida. Aparenta serlo, pero tiene un trasfondo aterrador. De haber sido una película con personajes homosexuales clichés no hubiera aportado nada novedoso, pero hubiera resultado más respetuosa.

Hazlo como hombre está centrada en Raúl (Mauricio Ochmann) un macho hecho y derecho (y orgulloso de serlo) que un día recibe la noticia de que su mejor amigo, Santiago (Alfonso Dosal) —hasta ese momento novio de su hermana Nati (Aislinn Derbez)— ha decidido salir del clóset. A partir de ese momento, Raúl hará todo lo “humanamente posible”: presentarle mujeres, recordarle que “la gente decente usa el culo para cagar” y hasta llevarlo a un sitio donde se cura la homosexualidad con caballos (¿?), para “convertir” de nuevo a Santi en heterosexual.

Este tipo de “misión” en un personaje, aunque esté en plano de comedia, me resulta casi tan aterradora como la de los “Autobuses de la Libertad”, que en julio de este año predicaron contra la ideología de género (anti-transexuales) y contra la educación no sustentada en “la ciencia y la razón”.

Esta iniciativa, que empezó en España, llegó a México de la mano del Consejo Mexicano de la Familia y el Grupo CitizenGo, que incluye la plataforma Hazte Oír, y contó con el respaldo de decenas de asociaciones, entre otros, la Arquidiócesis de Xalapa. Fue en esta misma “cruzada” que el presidente del Consejo Mexicano de la Familia, Juan Dabdoub, le tapó la boca a una mujer que intentó cuestionarlo sobre la postura del Consejo en torno a la familia homosexual. Días antes, este mismo sujeto declaró: “Así como te da cáncer, te da la homosexualidad”…

Quizá parezca extremo comparar una comedia cinematográfica con la postura de una institución como esta, pero creo que su premisa es la misma: la homosexualidad no es natural y debe corregirse.

En un país con un machismo tan arraigado como en México, el tipo de situaciones que ocurren en Hazlo como hombre resultan especialmente peligrosas, pues el personaje principal es mostrado en su apogeo cuando engaña a su esposa embarazada a diestra y siniestra, (saliéndose generalmente con la suya) cuando juega deportes, presume un buen auto o toma cerveza. Un “macho” de este calibre, como desafortunadamente hay muchos en este país, simplemente no puede concebir la homosexualidad, ni mucho menos respetarla.

Por si fuera poco, la protagonista femenina, interpretada por Derbez, es el estereotipo de todo lo que los hombres odiarían en una mujer: celosa, insegura, dramática, gritona, berrinchuda y algo psicópata. Y de verdad no sólo la actuación de Derbez es sumamente exagerada, sino que su comportamiento fomenta que sea casi instinto de supervivencia huir de ella, casi una justificación para que Santiago “cambie de bando”.

Al final de esta historia de humor pueril el protagonista se “redime”, aunque no se qué tanto pues opta por burlarse de un discapacitado. De cualquier manera los chistes escatológicos, las caricaturizaciones, las situaciones absurdas proyectan su mensaje de intolerancia (y al día de hoy, lo transmiten a más de un millón de espectadores).

Qué difícil vivir todavía en una época en donde algunas personas sigan creyendo que la homosexualidad no es natural y que debe “curarse”. Elegir a quien amar debería ser un derecho TAN importante como cualquier otro.

Y sí, al inicio del tráiler de Hazlo como hombre hay un mensaje que nos advierte: “El protagonista de este tráiler es un machista, homofóbico y retrógrado”, justo lo que termina siendo la película, que aún siendo comedia, tiene una efecto irrebatible: al reírnos de un macho, alentamos a más hombres a ser así. Y eso no debería ser motivo de risa.

Mariana Mijares


1 Estas cifras provienen de CANACINE y “Nicolas Lopez’s ‘Do It Like an Hombre’ Smashes 2017 Mexican Movie Records”, publicado en Variety.

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De visita en la ciudad de México, el director y los actores hablan de la filmación, y el mensaje, de Valerian y la Ciudad de los Mil Planetas.

En la primera secuencia de Valerian y la Ciudad de los Mil Planetas se hace un recorrido  rápido por siglos de historia, hasta el siglo 28; tiempo en el que las criaturas de todo el Universo han aprendido a coexistir, y sobre todo, a cooperar y vivir en armonía.

En Alpha, la Ciudad de los Mil Planetas, las especies se reúnen para compartir conocimiento, inteligencia y cultura, pero cuando este lugar parece estar en peligro, dos de los agentes más capacitados del espacio, Valerian y Laureline, deberán salvaguardar no sólo la ciudad, sino el futuro de todo el universo.

La acción de la película tiene lugar en sólo 24 horas; pero la película, que tiene una duración total de 2h 17m, le tomó en realidad a su director Luc Besson 7 años para poder concretarse. Incluye 2700 tomas de efectos especiales, más de 2000 especies de aliens y un presupuesto de casi 200 millones de euros.

De hecho, el conocido director de Léon: The Professional (1994) y El Quinto Elemento (1997) cok nsidera que la cinta debería verse más de una vez para poder apreciar todo lo que puso en pantalla. “Es imposible descubrirlo todo en una sola pasada; por ejemplo, en una escena en un mercado hay como mil tiendas y es imposible verlas todas al mismo tiempo. Quizá descubras cosas nuevas en otra pasada, o quizá, hasta que compres el Blu-Ray y le vayas poniendo pausa”, compartió Besson en entrevista.

Aunque no eran muy conocidos en cine, los protagonistas de esta historia, Dane DeHaan y Cara Delevingne, fueron elegidos por su talento por Besson, quien no cree que “grandes nombres” sean suficiente garantía para garantizar el éxito de una cinta.

Besson, DeHaan y Delevingne visitaron la Ciudad de México para platicar sobre su trabajo en este filme y para convivir con sus fans en una alfombra roja. A continuación, destacamos algo de lo que compartieron sobre la película.

El mensaje de cooperación y unidad entre las especies
Dane DeHaan:
Creo que el mensaje es claro: Alpha es la ciudad de los mil planetas, un lugar donde seres de todos los planetas del universo se reúnen por el bien común en paz y la armonía. Creo que a diferencia de otras películas, que también toman lugar en el futuro, esta tiene una mirada más optimista: nos presenta una sociedad que ha aprendido a vivir unida, a trabajar juntos y a respetarse. Es obvio cómo eso podría servirnos en el presente. Espero que en 700 años los humanos sí hayamos aprendido esa lección.

Cara Delevingne:
Hoy en día ésa debería ser la meta; necesitamos esperanza, necesitamos recordar que la unión nos va a ayudar a seguir adelante. Necesitamos trabajar juntos, entendernos, no pelear. Todos somos humanos y vivimos en el mismo planeta, no hay que echarlo a perder.

Luc Besson:
El futuro es una página en blanco, en la ciencia ficción los aliens suelen ser agresivos y siempre quieren matar a todos. Pero deberíamos ser optimistas, imaginar que sí puede existir un mundo en el que podamos vivir todos en paz.

Valerian comparada a sus trabajos anteriores
Luc Besson:
Creo que mucha gente que irá a ver la película, gente joven, nunca vio El Quinto Elemento y no creció con Star Wars, quizá las vieron en DVD. En ese sentido no hay muchas expectativas, ésta es una propuesta diferente y en la que he intentado oxigenarme y ofrecer una nueva propuesta. Incluso no encuentro relación entre Valerian y El Quinto Elemento; es como si hubiera estado casado, y luego me separé y me casé con otra; quizá haya gente que me diga que mi nueva mujer les recuerda a la anterior, porque aunque no se parezcan sí podrían tener cosas en común. Para mí estas dos películas se asemejan en que ambas son divertidas y en que no me tomé las cosas tan en serio. A mí me gusta el sci-fi cuando es luminoso, no obscuro; si quieres ver algo obscuro mejor sintoniza el noticiero de la noche…

Laureline: un personaje femenino atípico
Cara Delevingne:
Este cómic fue escrito en los sesentas, pero Laureline ya estaba escrita como un personaje femenino increíble que rompía con los estereotipos femeninos de aquella época: es fuerte, inteligente, no deja que nadie le diga qué hacer y sólo hace aquello en lo que cree. Yo la admiro, y me inspira a ser mejor y pelear por las causas justas, ¡además puede patear traseros!; es una luchadora. Uno de los mejores atributos de Laureline es su visión de intentar resolver los conflictos pacíficamente; intenta convencer a Valerian de intentar otra manera; sin peleas, ni violencia, solo siendo honestos.

La relación entre los actores
Dane DeHaan:
Cara es la persona más divertida para compartir un set, la pasamos muy bien. Para mí mucho de esta película tuvo que ver con acordarme de lo divertido que era hacer las cosas cuando era joven y recordar por qué quise dedicarme a esto de inicio.

Cara Delevingne:
Dane es una persona con la que es muy fácil trabajar. Somos muy diferentes, pero fue increíble poder tener un compañero a quien molestar, con quien poder bromear. Fue como compartir buenos ratos con un buen amigo.

El equilibrio entre una buena historia y las nuevas tecnologías
Luc Besson:
Para mí la tecnología es una herramienta. Hoy en día se pueden emplear muchas herramientas para crear efectos especiales, pero yo, en mi vida cotidiana, no soy una persona cercana a la tecnología, ¡ni siquiera tengo una computadora! (risas). Cada vez que lo digo creen que es broma… pero no. Yo hago mis guiones a mano, dibujo a mano, aunque mi asistente sí tiene una computadora. Claro que me alegra que tengamos tecnología, pero procuro que ésta no nuble mi pensamiento, me gusta enfocarme sobre todo en las ideas, en el guión.

La diferencia de Valerian con otras cintas americanas de ciencia ficción
Luc Besson:
Yo estoy aquí por la diversidad, la diversidad nos enriquece, quisiera traer color a un cine en donde la mayoría de las películas de grandes presupuestos son americanas; está bien poder tener alguna que no lo es. Tenemos que pelear por eso, prensa y audiencia: por la variedad; si no, acabaremos solo con un periódico y una sola estación de radio. La mayoría de las cintas de Hollywood no son lo suficientemente creativas, se enfocan más en el negocio, en ser populares. Esa no es mi inquietud, yo tengo una visión, buena o mala, no importa. Estoy aquí para abrir puertas, estoy aquí para provocar algo en la audiencia.

La Banda sonora
Luc Besson:
Para la música de esta película trabajé junto con el compositor (Alexandre Desplat), le di mis ideas y él las incorporaba y me presentaba propuestas; a veces me gustaban, a veces no, a veces no quedaba tan bien, entonces me hacía propuestas totalmente distintas a lo que pedí y le íbamos midiendo, encontrando un punto medio. Fue un buen intercambio creativo.

Su visión sobre el futuro
Luc Besson:
Un día hubo un hombre que se enamoró de una mujer y por eso estamos aquí. Para mí eso no se puede vencer, no importa lo que digan, no importa cuántos muros construyas en el mundo, la verdad es que todos estamos aquí porque un hombre y una mujer se enamoraron. Para mí esa es la esperanza, esa es la esencia de la humanidad: el deseo y las ganas de crear vida está en nosotros; el resto son patrañas.

Una posible secuela
Luc Besson:
Sí, por favor, ¡sólo díganme cuando! Aunque primero hay que esperar a que la película funcione.

Besson pidió apoyar al cine mexicano
Luc Besson:
No todos los países tienen una industria cinematográfica y México la tiene, así que es muy importante apoyarla. No sólo se trata de criticarla, de decir si las películas son buenas o malas, sino de apoyarla; apoyen las películas independientes, apoyen a sus chicos.

 

Mariana Mijares

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Un don excepcional (E.U.A., 2017)
(Gifted)
Director: Marc Webb
Género: Drama
Guionista: Tom Flynn
Elenco: Chris Evans, Mckenna Grace y Lindsay Duncan

La vida de un niño genio puede ser muy distinta a la de otros niños: atendiendo a escuelas especiales, continuamente rodeándose de adultos y dedicándose a temas muy específicos como ciencias, matemáticas, etc.

Después de una vida así, aislada y sin otros intereses que la apasionaran, Diane, una joven prodigio de las matemáticas, decidió quitarse la vida; no sin antes dejar a su hija Mary al cuidado de su hermano Frank (Evans), quien se hace cargo de la pequeña (Mckenna Grace) hasta que cumple 7 años, momento en que comienza la historia de esta cinta.

Frank le ha dado a su sobrina una vida que, considera, hubiera hecho feliz a su hermana: una escuela normal, juegos al aire libre, lecturas de matemáticas estimulantes y toda la libertad para cuidar de un gato tuerto llamado Frank.

Mary parece bastante satisfecha, pero luego de un altercado en la escuela, Evelyn Adler (Duncan), la madre de Frank, reaparece en sus vidas dispuesta a pelear por la custodia porque considera que Mary no está viviendo al máximo su potencial.

Gifted ofrece entonces un debate interesante, ¿es más importante desarrollar el potencial intelectual o cultivar el plano emocional, social y afectivo? En el meollo de esta historia parecería que no puede tener ambos.

En un papel muy distinto al del Capitán América, Evans se aleja de los efectos especiales del universo de Los Vengadores con un drama muy emocional, sin embargo, hay instantes que no termina de convencer como Frank, especialmente cuando éste pasa por malos momentos. En contraparte, la actuación de la pequeña Mckenna Grace resulta un deleite gracias a su naturalidad, carisma y “chispa”. Genuinamente le creemos todo lo que dice y siente. No es fácil protagonizar una niña sabelotodo sin que ésta caiga mal pero Grace cumple con creces.

También está Jenny Slate (ex novia de Evans en la vida real) en el papel de Bonnie, la maestra dulce que, obviamente, se involucrará sentimentalmente con el protagonista. Y como la “amiga siempre fiel”: Octavia Spencer, quien ofrece un papel similar a trabajos anteriores. En particular resulta difícil no recordarla por su extraordinaria labor en The Help, o recientemente en Hidden Figures.

Webb, a quien conocemos por 500 Days of Summer y The Amazing Spider-Man, logra una cinta cumplidora gracias a su encantadora protagonista, aunque tiene una problemática con la que resulta fácil identificarse. La presencia de Evans podría ser más jugosa. Los mejores momentos de esta historia se dan precisamente en las interacciones entre Frank y Mary, quienes, como casi cualquier pareja, suelen mostrarse cariño aún cuando no se soportan.

Esta es una película que deja pensando qué debería priorizarse en la vida de un niño genio: el conocimiento intelectual o una infancia “normal”. Es también una invitación a encontrar un feliz punto medio.

Gifted tiene una trama sencilla y melodramática pero que cumple cabalmente con conmover e, incluso, con sacar una que otra lágrima. Y no es una película perfecta pero sin duda la protagonista sí tiene un don excepcional.

Ojalá la veamos en mucho más.

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El domingo concluyó la más reciente edición del Festival Internacional de Cine Guanajuato (GIFF), que este año festejó su vigésimo aniversario con homenajes a Fatih Akin, Brigitte Brosh y Peter Weir, además del tradicional Rally Universitario, la première de la comedia mexicana Me gusta pero asusta y varias actividades en honor al país invitado: Canadá.

El GIFF se llevó a cabo del 21 al 30 de Julio en dos ciudades declaradas Patrimonio de la Humanidad: San Miguel de Allende y Guanajuato Capital, en los que se celebraron veinte años de destacar la cultura cinematográfica mexicana, con la continua determinación de contribuir al éxito y profesionalización de quienes forman parte del séptimo arte. Nexos estuvo presente en el festival, del que te presentamos algunos de los mejores momentos.


Fotografías: Cortesía GIFF

El homenaje a Fatih Akin y la proyección de In The Fade

Fatih Akin, de origen alemán y ascendencia turca, es un importante realizador que atrajo la atención de la crítica con Head-On (2004), cinta que le valió el Oso de Oro de la Berlinale; además de ser responsable de filmes como Crossing the Bridge: The Sound of Istanbul (2005), Soul Kitchen (2009), y The Cut (2014).

En el pasado festival de Cannes, su más reciente cinta In the Fade (Aus dem Nichts) le otorgó a Diane Kruger el galardón como Mejor Actriz. El GIFF le rindió un homenaje al realizador, quien se dijo feliz de estar en México.

Es la primera vez que vengo a Guanajuato y me siento orgulloso. Mi esposa es mitad mexicana, de Chihuahua, así que México es un país importante para mí, pero por trabajo no había podido venir antes.

In the Fade es un drama familiar obscuro, muy intenso, que considero está hecho en la tradición del cine mexicano que me encanta. Adoro el trabajo de Iñarritu, Cuarón, del Toro, y con los años he tenido la fortuna de que se hayan vuelto mis amigos, compartió Akin a su paso por la alfombra roja.

El reconocimiento a Brigitte Brosh

Brigitte Brosh es una de las mujeres más relevantes trabajando tras bambalinas en el cine:  tiene entre sus hazañas la dirección de arte y el diseño de producción de cintas como Amores Perros, Romeo + Julieta y Moulin Rouge (que le valió un Óscar).

Broch también obtuvo el Ariel, máximo reconocimiento de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, por su trabajo en Sexo, pudor y lágrimas (1999), además de haber sido nominada en otras tres ocasiones por La otra conquista (1998), Amores perros (2001) y El Jardín del Edén (1995).

La originaria de Alemania, pero radicada en México desde hace más de 50 años, agradeció a este país y a los directores mexicanos con quienes ha colaborado por todo lo aprendido.

Le debo todo a México; yo llegué a los 24 años y por mucho tiempo fui nadie, hasta que entré al cine y descubrí lo que se convirtió en la gran pasión de mi vida.

México me facilitó muchas posibilidades. Yo no sabía a lo que me metía, pero en el camino he podido trabajar con gente muy talentosa como Luis Estrada, Alfonso Cuarón, Memo del Toro y mi Alejandro… (G. Iñarritu). Con él fueron años de mucha colaboración, mucho cariño y en los que aprendí a ser tan exigente conmigo misma, como él lo era conmigo; y sobre todo, como él es consigo mismo; es tan exigente que no te queda más que seguir su ejemplo de dar todo”, declaró Brosh ante un repleto Teatro Juárez, en donde le entregaron la Cruz de Plata —el máximo reconocimiento del GIFF—, así como la medalla de la Filmoteca de la UNAM.

Dentro del festival también se reconoció con la estatuilla ‘La Musa’ (que otorga la Asociación de Mujeres en el Cine y la Televisión) a la productora Anna Roth y a la diseñadora de vestuario Mariestela Fernández. “Son dos carreras trascendentes de dos mujeres fuertes, con carácter, con decisión y poder en el cine mexicano”, dijo Sara Hoch, la directora del certamen, en la ceremonia de entrega de estos reconocimientos.

Canadá fue el país Invitado de Honor

La edición 20 del GIFF tuvo como país invitado de honor a Canadá, que este 2017 celebra 150 años de confederación.

Como parte del programa, en la Gala dedicada a Canadá se proyectó el largometraje Weirdos, de Bruce McDonald, y a lo largo del festival se exhibieron títulos de reconocidos cineastas canadienses como: Videodrome, de David Cronenberg; Dulce Porvenir, de Atom Egoyan; It’s Only the End of the World, de Xavier Dolan y Stories We Tell, de Sarah Polley.

En esta edición del festival se dio además un recorrido histórico por el cine canadiense gracias a la exhibición de 150 películas presentadas por Telefilm, Toronto International Film Festival y National Film Board.

Y para cerrar con broche de oro la gala canadiense, antes de la proyección de Weirdos, se regaló un viaje de Air Canada a un miembro del público; ganadora que descubrió su premio debajo de su asiento.

Première mundial de Me gusta pero me asusta

Las producciones nacionales no podían quedarse atrás; por ello, el GIFF tuvo la premiere mundial de la comedia mexicana: Me gusta pero me asusta, de Beto Gómez, que muestra la historia de un joven de Sinaloa, Brayan (Alejandro Speitzer), que debe viajar a la Ciudad de México para “expandir” los negocios de su familia. Ahí conoce a Claudia (Minnie West), quien junto a sus amigos, se forma de prejuicios e ideas erróneas sobre Brayan.

De acuerdo con su director, Beto Gómez, la cinta resulta idónea para estos tiempos gracias a una temática que incluye estigmas y prejuicios como él mismo los vivió.

Al igual que Alejandro Speitzer yo también soy de Sinaloa y mi familia se dedica al campo. Teníamos que vivir en diferentes lugares de la República, hace cuarenta años, y siempre que llegaba a la escuela decían que era Vito Corleone. Hice esta película para hablar sobre cómo evitar los prejuicios y para mostrar la cultura mexicana, compartió el director.

Homenaje a Peter Weir

El director australiano Peter Weir, conocido por La Sociedad de los Poetas Muertos, evocó a su paso por la alfombra roja cómo éste trabajo siempre le recordará a Robin Williams: “La experiencia de trabajar con Robin Williams fue un honor y un privilegio, siempre lo recordaremos y nos seguirá doliendo su partida”, compartió el director.

Weir, también conocido por cintas como Picnic at Hanging Rock, Truman Show y Master and Commander: The Far Side of the World, recordó que este último título, que aborda la lealtad, el honor y la defensa de los ideales, fue filmado en México. “Como director suelo trabajar con los sentidos y México es un país que estimula todos mis sentidos”.

Project Glamour mostró lo mejor de diseñadores mexicanos

Project Glamour es una iniciativa que trabaja estrechamente con diseñadores de moda, accesorios y joyería de toda la República Mexicana, para mostrar al público amante del cine y del glamour, una muestra de la creatividad representativa de Guanajuato y del resto del país.

Los más de 30 diseñadores que este año integraron Project Glamour, entre ellos Herson Canseco y Luis Carachure, se inspiraron en la plástica, el buen gusto y la rúbrica artística de la directora de arte Brigitte Broch, para engalanar a las invitadas, conductoras y celebridades de las alfombras rojas de la edición 20 del GIFF.

Rally Universitario y Ganadores

Una de las dinámicas más icónicas de este festival es el Rally Universitario, en el que se busca desarrollar nuevos talentos en una dinámica en la que jóvenes universitarios cuentan con 48 horas para preparar, filmar y editar un cortometraje.

Este año participaron seis universidades, obteniendo el Premio del Jurado la Universidad Autónoma de Nayarit, por el corto Los retratos de Simone. El Premio del Público fue para el trabajo Lucas el Grande, de la Universidad Autónoma de Coahuila, historia sobre la rutinaria vida en una oficina de un inadaptado monstruo azul.

De 180 guiones inscritos en el Rally se preseleccionaron 25 y sólo 6 llegaron a la final.En la ceremonia de clausura se anunció el resto de los ganadores del GIFF; entre los que estuvieron Los Años Azules (https://www.youtube.com/watch?v=lNNT1-2dNpQ) que ganó como Mejor Largometraje de Ficción Mexicano (y que se proyectará en estos días en CDMX); y como Mejor Documental Mexicano se eligió Etiqueta No Rigurosa (https://www.youtube.com/watch?v=Dwtsj4oxJHI), una entrañable historia sobre todas las trabas y burocracia por las que pasaron dos hombres para poder contraer matrimonio en Mexicali, Baja California.

Aquí la lista completa de ganadores del GIFF 2017:

http://giff.mx/ganadores-giff-2017/

El Festival en números

10 días duró el Festival Internacional de Cine Guanajuato

402 películas se presentaron

Provenientes de 50 países

150 años se conmemoraron de Canadá como Confederación

6 Universidades participaron en el Rally

 

Mariana Mijares

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